Proto-geometrische Amphoren

Proto-geometrische Amphoren


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Protogeometrischer Stil

Die Protogeometrischer Stil (oder "Proto-Geometrisch") ist ein Stil der antiken griechischen Keramik, der von Athen angeführt wurde und zwischen ungefähr 1030 und 900 v. Chr. In der ersten Periode des griechischen Mittelalters hergestellt wurde. [2] Nach dem Zusammenbruch der mykenisch-minoischen Palastkultur und dem darauffolgenden griechischen Mittelalter entstand der protogeometrische Stil um die Mitte des 11. Jahrhunderts v. Chr. Als erster Ausdruck einer wiederbelebenden Zivilisation. Nach der Entwicklung einer schnelleren Töpferscheibe sind Vasen dieser Zeit deutlich technisch ausgereifter als frühere Beispiele aus dem Dunklen Zeitalter. Die Dekoration dieser Töpfe beschränkt sich auf rein abstrakte Elemente und umfasst sehr oft breite horizontale Bänder um Hals und Bauch und konzentrische Kreise, die mit Zirkel und Mehrfachpinsel aufgetragen werden. Viele andere einfache Motive sind zu finden, aber im Gegensatz zu vielen Stücken im folgenden geometrischen Stil bleibt normalerweise ein Großteil der Oberfläche glatt. [3]

Das abgebildete Beispiel enthält wie viele Stücke eine Farbänderung im Hauptband, die durch einen Zündfehler entsteht. Sowohl die rote als auch die schwarze Farbe verwenden den gleichen Ton, der unterschiedlich aufgeschwemmt und gebrannt wird. Als die Griechen lernten, diese Variation zu beherrschen, öffnete sich der Weg zu ihrer unverwechselbaren Dreiphasen-Schusstechnik.

Zu den Innovationen gehörten einige neue mykenisch beeinflusste Formen, wie die Amphore mit Bauchgriff, die Amphore mit Halsgriff, der Krater und der Lekythos. Attische Künstler gestalteten diese Gefäße mit dem schnellen Rad um, um die Höhe und damit die zur Verfügung stehende Fläche für die Dekoration zu erhöhen.


Skulptur in der griechischen geometrischen Periode

Obwohl sie von geometrischen Formen abgeleitet sind, zeigen die antiken griechischen Skulpturen der geometrischen Periode eine künstlerische Beobachtung der Natur. Die antiken griechischen Skulpturen der geometrischen Zeit, obwohl von geometrischen Formen abgeleitet, zeugen unter Umständen von einer künstlerischen Beobachtung der Natur. Kleine Skulpturen, meist aus Bronze, Terrakotta oder Elfenbein, wurden in dieser Zeit häufig hergestellt. Bronzen wurden mit der Wachsausschmelztechnik hergestellt, die wahrscheinlich aus Syrien eingeführt wurde, und wurden oft als Votivgaben in Heiligtümern wie Delphi und Olympia hinterlassen.

Menschliche Figuren

Die menschlichen Figuren bestehen aus einem Dreieck als Torso, das einen bauchigen Kopf mit dreieckigem Kinn und Nase trägt. Ihre Arme sind zylindrisch und nur ihre Beine haben eine etwas naturalistischere Form. Diese Attribute sind in einer kleinen Skulptur eines sitzenden Mannes, der aus einer Tasse trinkt, zu sehen, die die typischen Modellfiguren als einfache, lineare Formen zeigt, die den offenen Raum umschließen. Besonders hervorzuheben sind seine verlängerten Arme, die die Maße seiner Beine widerspiegeln.

Eine relativ naturalistische Darstellung menschlicher Beine ist auch in Man and Centaur, auch bekannt als Herakles und Nessos (ca. 750–730 v. Chr.), zu erkennen. Ohne den Pferderücken und die Hinterbeine ist der Zentaurenteil der Skulptur ein kleinerer Mann mit menschlichen Beinen.

Wie der sitzende Mann oben haben die beiden Figuren verlängerte Arme, wobei der rechte Arm des Zentauren mit dem linken Arm des Mannes eine durchgehende Linie bildet. Während der sitzende Mann glatt rasiert zu sein scheint, tragen die Figuren in Man und Centaur Bärte, die normalerweise Reife symbolisieren. Die hohlen Augenhöhlen der Figur des Mannes waren wohl einst für ein realistischeres Erscheinungsbild eingelegt.

Tierfiguren

Tiere, darunter Stiere, Hirsche, Pferde und Vögel, basierten ebenfalls auf Geometrie. Pferdefiguren wurden häufig als Opfergaben an die Götter verwendet. Die Tiere selbst wurden aufgrund der hohen Haltungskosten zu Symbolen für Reichtum und Status. Pferdekörper können als in der Mitte eingeklemmte Rechtecke mit rechteckigen Beinen und Schwänzen beschrieben werden, die in ihrer Form Hirschen oder Bullen ähneln.

Die Köpfe dieser Säugetiere sind markanter, da sich der Hals des Pferdes wölbt, während der Stier und der Hirsch zylindrische Gesichter haben, die sich durch Hörner oder Ohren unterscheiden. Während die Tiere und Menschen auf geometrischen Grundformen basieren, haben die Künstler ihre Motive klar beobachtet, um diese besonderen Charaktere hervorzuheben.

  • Die geometrische Periode markierte das Ende des dunklen Zeitalters Griechenlands und dauerte von 900 bis 700 v.
  • Die geometrische Periode leitet ihren Namen von der Dominanz geometrischer Motive in der Vasenmalerei ab.
  • Monumentale Krater und Amphoren wurden angefertigt und als Grabsteine ​​verziert. Diese Gefäße sind charakteristisch für die geometrische Vasenmalerei dieser Zeit.
  • Die berühmtesten Gefäße aus dieser Zeit verwenden eine Technik namens Horror vacui, bei der jeder Raum der Oberfläche mit Bildern gefüllt ist.
  • Geometrische Skulpturen sind hauptsächlich kleinformatig und bestehen aus Bronze, Terrakotta oder Elfenbein.
  • Die Bronzefiguren wurden im Wachsausschmelzverfahren hergestellt.
  • Die in dieser Zeit hergestellten Menschen- und Tierfiguren weisen geometrische Merkmale auf, obwohl die Beine des Menschen relativ naturalistisch erscheinen.
  • Geometrische Bronzen wurden typischerweise als Votivgaben an Schreinen und Heiligtümern wie denen in Delphi und Olympia hinterlassen.
  • Pferde wurden aufgrund der hohen Unterhaltskosten zu einem Symbol für Reichtum.

Angepasst von “Kunstgeschichte ohne Grenzen” https://courses.lumenlearning.com/boundless-arthistory/chapter/the-geometric-period/ Lizenz: CC BY-SA: Namensnennung-Weitergabe unter gleichen Bedingungen

Eine Ära abstrakter und stilisierter Motive in der antiken griechischen Vasenmalerei und Skulptur. Die Periode war in Athen zentriert und blühte von 900 bis 700 v.

Ein antikes griechisches Gefäß zum Mischen von Wasser und Wein.

Eine Art von Ton, der eine bräunlich-rote Farbe hat. Ein italienischer Begriff, der "gebrannte Erde" bedeutet.

Die gebräuchlichste Methode, geschmolzenes Metall zu verwenden, um hohle, einzigartige Skulpturen herzustellen. Bei Hitzeeinwirkung auf die Tonform schmilzt die darin befindliche Wachsschicht und bildet Kanäle, die der Künstler dann mit geschmolzenem Metall füllt.


Proto-geometrische Amphore - Geschichte

Gefallener Krieger, Tempel von Aphaia, Ägina (Bild von ANU).

Die Ilias ist ein großartiges Gedicht, aber auch eines, das dem Erstleser einige Schwierigkeiten bereitet. Diese Seite ist als Ausgangspunkt gedacht, um Ihnen zu helfen, einige der häufigsten Schwierigkeiten zu überwinden, die Leser mit Homer haben Ilias, und auch um Werkzeuge zur Verfügung zu stellen, um Ihre Lektüre des Gedichts zu verbessern und zu vertiefen.

Klicken Sie auf eines der folgenden Themen, um es weiter zu erkunden.

4. Englische und griechische Texte der Ilias zur Wortsuche.

6. Archäologische Stätten von Interesse für die Ilias.

7. Einige häufig gestellte Fragen beim Lesen der Ilias zum ersten Mal.



1. Homerische Geographie.

Wir sind uns nicht sicher, wo alle in der genannten Orte Ilias und Odyssee gefunden wurden, aber spätere traditionelle und moderne archäologische Ausgrabungen haben uns geholfen, Kenntnisse über die Stätten zu erlangen. Hier ist eine Karte, die einige der wichtigeren Stätten und einige der Helden und Heldinnen auflistet, die mit ihnen in Verbindung gebracht wurden. Namen griechischer Stätten und Personen sind in Lila, Trojaner in Rot.


Karte entwickelt von Daphne Kleps.

Um nach anderen Websites zu suchen, die in der erwähnt werden Ilias, können Sie versuchen, den Atlas des Perseus-Projekts der Tufts University zu durchsuchen.

Es gibt auch ein ausgezeichnetes Glossar im hinteren Teil der Lattimore-Übersetzung des Ilias die Ortsnamen enthält.


2. Grundchronologie der homerischen Epen
(alle Daten v. Chr.)

C. 1800-1250 Troja VI
C. 1500-1120 Mykenische Zivilisation
C. 1250 mögliches Datum des historischen Falls von Troja VI
1183 traditionelles Datum des Falls von Troja

C. 1100-750 mündlich überlieferte Geschichten vom Fall Trojas
C. 1100 Dorische Invasion in Griechenland
C. 1050-950 griechische Kolonisation Kleinasiens (Westküste der Türkei)
C. 900 Beginn des Aufstiegs der Polis (Stadtstaat)

C. 800-700 Aufstieg der Aristokratien
776 Olympische Spiele gegründet
C. 750 griechische Kolonisierung Süditaliens und Siziliens beginnt
C. 750 Einführung einer neuen Alphabetschrift schrittweise eingeführt
C. 720 Homer, Ilias
C. 700 Hesiod, Theogonie und Werke und Tage
C. 680 Homer, Odyssee Archilochos (Lyriker)
C. 650 griechische Kolonisation rund um das Schwarze Meer beginnt
C. 600 Sappho (Lyriker) Thales (Philosoph)
594-593 Erzherrschaft von Solon in Athen
545-510 Tyrannei der Peisistratiden in Athen
C. 540 Das Singen homerischer Gedichte beginnt beim Panathenäischen Fest
533 Thespis gewinnt den ersten Tragödienwettbewerb in Athen
508 Kleisthenes reformiert die Athener Verfassung

490-479 Perserkrieg
458 Aischylos, Orestia
461-429 Perikles dominant in der athenischen Politik das "perikleische Zeitalter"
C. 450-420 Herodot komponiert seine Geschichten über den Perserkrieg.
447 Parthenon in Athen begonnen
431-404 Peloponnesischer Krieg (Athen und Verbündete vs. Sparta und Verbündete)
C. 428 Sophokles, Ödipus der König
C. 424-400 Thukydides komponiert seine Geschichte des Peloponnesischen Krieges
404 Athen verliert Peloponnesischen Krieg an Sparta
399 Prozess und Tod des Sokrates



3. Umriss des Ilias

Die Ilias ist ein sehr langes Gedicht, und es ist schwer, alle Menschen, Orte und Ereignisse klar zu halten. Diese Übersicht bietet eine Zusammenfassung der Aktion in jedem der 24 Bücher. Verwenden Sie es, um zu überprüfen, was in jedem Buch passiert, oder um eine bestimmte Szene zu finden.Übersicht


4. Englische und griechische Texte des Ilias zur Wortsuche.

Auf dieser Seite finden Sie Passagen im Ilias auf Griechisch oder Englisch. Es ermöglicht Ihnen auch, nach Wörtern im englischen oder griechischen Text zu suchen.

A. Der englische Text der Ilias aus dem Perseus-Projekt.

B. Der griechische Text des Ilias aus dem Perseus-Projekt.

C. Suche nach englischem Wort im Ilias.

D. Suche nach griechischem Wort im Ilias.


5. Homer und Kunst

Die Ilias und Odyssee wurden in einer Kultur komponiert, in der die Kunst eine zentrale Rolle spielte. Die Gedichte selbst beziehen sich auf künstlerische Produktionen, am bekanntesten auf den kunstvoll verzierten Schild, den Hephaistos für Achilles in . anfertigt Ilias 18. Darüber hinaus wurden viele der Helden und Episoden, die in den homerischen Gedichten beschrieben werden, zu beliebten Sujets für Bildhauerei und Malerei. Hier ist eine Tabelle, die die wichtigsten Perioden der griechischen Kunst auflistet, zusammen mit Beispielen aus zwei der Perioden und Beschreibungen einiger der wichtigsten Merkmale in Bezug auf die homerischen Gedichte. Weitere Beispiele werden hinzugefügt, sobald sie verfügbar sind.

1. Mykenische Zeit (1600-1200)

Dies ist die Zeit zeitgenössisch zu den "historischen" Ereignissen, die in der Ilias und Odyssee.
2. Proto-geometrische und geometrische Perioden (1050-750)

Dipylon-Amphoren (Saskia JGCO330.GIF)

Diese Amphore, die sich heute im Athener Nationalmuseum befindet, stammt aus der Zeit um 760 v Ilias und Odyssee nahmen Gestalt an. Dieses Stück ist typisch für große (5 Fuß hohe) geometrische Amphoren, die als Grabmarkierungen auf den Friedhöfen außerhalb von Athen verwendet wurden. Der Großteil der Vase ist mit komplizierten geometrischen Mustern verziert, mit Ausnahme von zwei stilisierten Tierbändern am Hals und der zentralen Trauerszene zwischen den beiden Henkeln. Die zentrale Szene zeigt den Teil einer griechischen Beerdigung, die als bekannt ist Prothese, oder das Auslegen des Körpers. Die Leiche ist auf einem Bestattungsbett liegend dargestellt, umgeben von Trauernden, die sich die Haare ausreißen. Die Szene kann eine zeitgenössische Beerdigung oder die eines Helden aus der mythischen Vergangenheit darstellen.

Die nächsten beiden Bilder zeigen Details aus der Amphore.

3. Orientalisierungsperiode (720-620)


4. Archaische Zeit (620-480)

Achilles und Ajax spielen ein Brettspiel.

Diese attische schwarzfigurige Vase im Vatikanischen Museum wurde um 530 v. Chr. von Exekias in Athen hergestellt. Es zeigt Achilles und Ajax, die während einer Pause in den Kämpfen um Troja ein Brettspiel spielen.

5. Klassik (480-323)



6. Archäologische Seiten von Interesse für die Ilias.

Archäologen haben im letzten Jahrhundert viel getan, um unser Wissen über eine Reihe von Stätten zu erweitern, die in der Ilias und Odyssee. Nützliche Berichte über das, was wir über einige dieser Websites wissen, werden vom Perseus-Projekt bereitgestellt. Perseus bietet kurze geographische und physische Beschreibungen, listet moderne archäologische Ausgrabungen an den Stätten auf, notiert die architektonischen Überreste und gibt (für einige Stätten) einen Lageplan mit Pfeilen, auf die Sie "klicken" können, um Ansichten von bestimmten Orten an den Stätten zu sehen . Es ist also möglich, die Überreste von Agamemnons Mykene oder Nestors Pylos auf eigene Faust "umzugehen"! Hier ist eine Liste der Seiten von Perseus, die für die Leser von Homer am interessantesten sind.


7. Einige häufig gestellte "sachliche" Fragen beim lesen Ilias zum ersten Mal.

Niemand weiß. Selbst die alten Griechen waren sich nicht einig, wann und wo Homer lebte. Einer populären Erzählung zufolge wurde er irgendwann im 8. Jahrhundert v. Chr. in Smyrna in Kleinasien geboren, lebte auf der Insel Chios und starb auf der kleinen Insel Ios. Griechische Schriftsteller behaupteten auch, er sei blind, sein richtiger Name sei Melesigines, sein Vater sei der Fluss Meles und seine Mutter eine Nymphe namens Kretheis.

Obwohl sie sich über die Einzelheiten seines Lebens nicht einigen konnten, zweifelten die alten Griechen nicht daran, dass es einen Dichter namens Homer gab, der die Ilias, das Odyssee, und möglicherweise eine Reihe anderer Gedichte. Viele moderne Gelehrte bestreiten sogar dies. Wissenschaftler der letzten zweihundert Jahre haben festgestellt, dass die Ilias und Odyssee sind Produkte einer langen mündlichen Überlieferung, die sich irgendwann im 8. Jahrhundert v. Chr. festsetzte. Wie genau die Gedichte ihre endgültige Gestalt annahmen (War es das Werk einer oder mehrerer Personen? Wurde geschrieben?) ist noch Gegenstand von Spekulationen.

2. Ist das? Ilias historisch korrekt?

Es hängt davon ab, was Sie mit "historisch korrekt" meinen. Moderne Historiker sind sich im Allgemeinen einig, dass die Ilias spiegelt eine Reihe von historischen Ereignissen wider, ist sich aber nicht einig über die Beziehung der Ilias zu diesen Ereignissen. Die meisten Historiker akzeptieren, dass die Stadt Troja irgendwann um 1250-1200 v. Chr. Von einem Überfalltrupp vom griechischen Festland zerstört wurde. Die meisten glauben auch, dass das Gedicht, obwohl es wahrscheinlich in den meisten historischen Details falsch ist, einige historische Realitäten aus der Spätbronzezeit und dem Mittelalter (1200 - 900 v. Chr.) widerspiegelt, die mit den archäologischen Aufzeichnungen übereinstimmen.

3. Wie halten Sie alle Namen von Personen, Orten und Göttern richtig?

Es ist anfangs schwer. Es gibt ein gutes Glossar im hinteren Teil der Lattimore-Übersetzung und ist auch hilfreich, um eine eigene Liste von Personen zu führen, die mehr als einmal vorkommen.


Lexic.us

Nachfolgend finden Sie Beispiele für die Verwendung dieses Begriffs in der modernen und/oder klassischen Literatur:

1. Hellenistische Keramik und Terrakotta von Homer A. Thompson, Dorothy Burr Thompson (1987)
"5t, Pi. IV Ath. Mitt. XXVI, 1901, S. Ml, Xo. 31'!. For protogeometrische . Unser wachsendes Wissen über Dachboden protogeometrische (ein Stoff, von dem wir noch wissen. "

2. Ceramicus Redivivus: Das Töpferfeld der frühen Eisenzeit im Bereich der von John K. Papadopoulos (2003)
"PG IV steht für Late protogeometrische. Zusätzlich zu protogeometrische I-IV erkannte sie eine Phase, die andere nennen würden. "

3. Ein Heiligtum des Zeus auf dem Berg Hymettos von Merle K. Langdon (1976)
"Spät protogeometrische. 195. Basis eines Kraters. H 597. PH 0,09 m. . Spät protogeometrische. FRÜHE GEOMETRISCHE 197. Hals einer Amphore. PI. 18. H465. PH 0,146m. . "

4. Die Kunst der Antike: Piet de Jong und die Athener Agora von John K. Papadopoulos, Piet De Jong (2007)
"285, 55) Zu spät protogeometrische Aschenurnen in Gräbern C 9:13 und E 12:1 Höhe: P 8041: 0,347 P 3169: 0,255 P 8041: Unveröffentlicht in Desborough 1952 erwähnt. "

5. Das Heiligtum von Demeter und Kore: Topographie und Architektur von Nancy Bookidis (1997)
"600 v. Chr. Die frühesten Fundstücke auf der Mittelterrasse sind einige Scherben des Mykenischen, protogeometrische, und geometrische Perioden. . "

6. Studien in attischer Epigraphie, Geschichte und Topographie von Eugene Vanderpool (1982)
"Die zweite basiert auf der noch akzeptierten These, dass die protogeometrische Der Keramikstil war eine athenische Erfindung der Mitte des 11. Jahrhunderts v. Chr. Und das. "

7. Korinth: The Centenary, 1896-1996 von Charles K. Williams, Nancy Bookidis (2003)
". Williams hat eine Reihe von Scherben identifiziert, die sich hauptsächlich von Bechern ableiten, die sich von der protogeometrische Zeit bis in die archaische Zeit. . "


Protogeometrische Amphore.

Protogeometrische Amphore., c. 975-950 v. Chr.

In der darauffolgenden geometrischen Periode wurden auf dem Gefäß wieder Figuren präsent. Die Periode dauerte von 900 bis 700 v. Chr. und markierte das Ende des griechischen Mittelalters. In dieser Zeit entstand eine neue griechische Kultur. Die Bevölkerung wuchs, der Handel begann wieder und die Griechen übernahmen das phönizische Alphabet zum Schreiben. Im Gegensatz zu den Mykenern war diese Kultur mehr auf die Menschen der Polis ausgerichtet, was sich in der Kunst dieser Zeit widerspiegelt. Die Epoche hat ihren Namen vom Vertrauen auf geometrische Formen und Muster und sogar deren Verwendung bei der Darstellung von menschlichen und tierischen Figuren.

Die Stadt Athen wurde zum Zentrum der Töpferei. Ein Töpferviertel in dem als Kerameikos bekannten Stadtteil befand sich auf beiden Seiten des Dipylon-Tors, eines der Westtore der Stadt. Die Töpfer lebten und arbeiteten innerhalb des Stadttors, während außerhalb des Tors, entlang der Straße, ein großer Friedhof lag. In der geometrischen Zeit wurden monumentale Krater und Amphoren von bis zu zwei Meter Höhe als Grabmarkierungen für die Bestattungen direkt vor dem Tor verwendet. Krater markierten Männergräber, während Amphoren Frauengräber markierten.

Der Dipylon-Meister, ein unbekannter Maler, dessen Hand auf vielen verschiedenen Gefäßen wiederzuerkennen ist, zeigt die große Erfahrung, die bei der Dekoration dieser Grabsteine ​​erforderlich ist. Die Gefäße wurden zuerst mit einem Rad geworfen, einer damals wichtigen technologischen Entwicklung, bevor die Lackierung begann. Sowohl der Diplyon Krater als auch die Dipylon Amphora zeigen die Hauptmerkmale der Malerei dieser Zeit. Zum einen ist das gesamte Gefäß in einem Stil dekoriert, der als . bekannt ist Horror vacui, ein Stil, bei dem die gesamte Oberfläche des Mediums mit Bildern gefüllt ist. Auf dem Kraterrand und auf vielen Registern der Amphore befindet sich ein dekorativer Mäander. Dieses geometrische Motiv besteht aus einer einzigen, durchgehenden Linie in einer sich wiederholenden Form oder einem Motiv.

Die Hauptszene ist an der breitesten Stelle des Topfkörpers abgebildet. Diese Szenen beziehen sich auf den Begräbnisaspekt des Topfes und können Trauernde darstellen, a Prothese (ein Ritual des Auflegens und Trauerns) oder sogar Begräbnisspiele und Prozessionen. Auf dem Dipylon Krater zeigen zwei Register eine Prozessionsszene, und ekphora, (der Transport der Leiche zum Friedhof) und die Prothese . Der tote Mann der Prothese Szene ist im oberen Register zu sehen. Er wird auf einer Bahre aufgebahrt und Trauernde, die sich durch ihre Haare ausreißen, umringen den Leichnam. Über dem Körper befindet sich ein Leichentuch, das der Künstler über und nicht über dem Körper abbildet, um dem Betrachter die Gesamtheit der Szene zu ermöglichen. Auf dem unten stehenden Register bilden Streitwagen und Soldaten einen Trauerzug. Die Soldaten werden durch ihre einzigartig geformten Schilde identifiziert. Die Dipylon Amphora zeigt nur ein Prothese in einem breiten Register um den Topf. In beiden Gefäßen werden Männer und Frauen durch hervorstehende Dreiecke an Brust oder Taille unterschieden, um Brüste oder einen Penis darzustellen. Jeder leere Raum in diesen Szenen ist mit geometrischen Formen gefüllt – Ms, Rauten, Starbursts – und demonstrieren die des geometrischen Malers Horror vacui.


Dieser Artikel stammt aus den Vorlesungen von Frau Aptaker in Kunstgeschichte am New York Institute of Technology

Seien wir ehrlich, betreten Sie eine Museumsgalerie mit antiken griechischen Statuen und bemalten Vasen und Sie könnten den Eindruck gewinnen, dass für etwa fünfhundert Jahre ab etwa 600 v. die männliche Bevölkerung Griechenlands lebte unbekleidet. 1 Es gibt Sportler in nackten Soldaten in nackten hübschen jungen Männern, die dafür bekannt waren, bloß nackt gut auszusehen. Im Gegensatz dazu würden die Pharaonen, Adligen und Aristokraten des alten Ägyptens nicht in Selbstdarstellungen ohne einen Rock oder Vorhang, der ihren Rang oder ihre Statur in der Gesellschaft anzeigte, tot erwischt werden. Dito für die Männer von Mesopotamien. Spätere Römer, obwohl sie die nackten Statuen Griechenlands nachahmten, gaben ebenso oft Statuen von sich selbst in Kriegerrüstungen oder aristokratischen Vorhängen in Auftrag, um auf ihren militärischen Heldentum oder ihre politische Bedeutung aufmerksam zu machen.

Warum unterschied sich die Haltung der alten Griechen in Bezug auf Nacktheit so stark von anderen alten Kulturen? Schuld daran ist die Mathematik.

Wenn diese Antwort einfach erscheint, bedenken Sie Folgendes: Der große Bildhauer Polykletos aus dem 5. Polykleitos stützte seine Formeln auf Arbeiten, die dem Mathematiker Pythagoras aus dem 6.

Aber Polykleitos’ Canon, so brillant er war und ist, hat einfach eine Denkweise kodifiziert, eine Art, Schönheit auszudrücken, die sich in Griechenland seit Jahrhunderten entwickelt hatte. Wir können tatsächlich den Anfang dieser Denkweise sehen und können uns wundern, dass sie zu einer Zeit entstand, als Chaos und Gewalt die griechische Zivilisation am seidenen Faden hängen ließen.

Der Untergang der mykenischen Zivilisation auf dem griechischen Festland, der um 1200 v. Chr. begann, leitete das griechische dunkle Zeitalter ein. Eindringlinge aus dem Norden und aus Ionien im Osten überrannten die einst prächtige heroische Zivilisation der Bronzezeit und ersetzten sie durch die Gewalt ständiger Kriegsführung und die Vertreibung ganzer Bevölkerungen aus geplünderten Städten und Dörfern. Diese miserable Situation dauerte über zweihundert Jahre, aber um 1000 v. Chr. begannen sich die Dinge langsam zu beruhigen. Der Alltag war immer noch trostlos und gefährlich, die Gewalt ging weiter, aber hier und da begann eine revitalisierende Kultur Fuß zu fassen, schließlich doch hauptsächlich durch Dinge des täglichen Bedarfs, auch wenn Ihre Gemeinde keine Paläste mehr braucht, Ihre kleine Hütte noch Tassen und Krüge braucht und Schüsseln. In der frühen griechischen Keramik sehen wir die Anfänge einer Denkweise, die schließlich zum raffiniertesten Ausdruck der Schönheit der menschlichen Figur, insbesondere des männlichen Akts, der Antike wurde.


Abb. 1 - Protogeometrische Amphore, Ca. 950 v. Chr.,
Terrakotta, 13 ¾” hoch. Britisches Museum, London

Diese Amphore (Abb.1) stammt aus der Zeit um 950 v. Der als Proto-Geometrie bezeichnete Stil ist einfach und streng utilitaristisch: Linien und Formen bewegen sich über die Oberfläche des Topfes. Die protogeometrische Periode, ungefähr das zehnte Jahrhundert v. Chr., legt den Grundstein für alles, was in der griechischen Kunst kommen wird. 2 In diesem Topf und anderen dieser Zeit sehen wir die Anfänge der griechischen Faszination für rationale Mathematik, insbesondere Geometrie. Angefangen hat alles mit Alltagsutensilien, die mit einfachen Linien verziert sind.

Obwohl auch andere antike Kulturen ihre Töpferwaren mit ähnlichen Linien und Formen dekorierten, ist das Neue hier und das einzigartige Griechische eine bewusst harmonische Beziehung zwischen der Form der Vase und dem Oberflächendekor. Jede Facette der Dekoration nimmt einen bestimmten Teil der Struktur ein und soll die Volumen abgrenzen, die selbst in harmonischem Verhältnis zueinander stehen:

-das solide Schwarz des hohen Halses mit einem umlaufenden Karomuster, das wie eine Halskette positioniert ist

-die festen Bänder an der Schulter

-die wellenförmige Welle um den Bauch und die geschwollene Form des Bauches, die von einem weiteren festen Band darunter eingeschlossen wird

-der leere “reservierte” Raum über dem Fuß gibt allem darüber eine optische Leichtigkeit, eine Schwerelosigkeit

-das Ganze ruht bequem und sicher auf dem festen Band des Fußes.

Beachten Sie, dass ich für die Teile der Vase die Namen menschlicher Körperteile verwendet habe: Hals, Schulter, Bauch, Fuß. Die Griechen glaubten, dass die organische Struktur der Keramik der organischen, ausgewogenen Struktur der menschlichen Form analog sei und dass beide durch die Prinzipien der Geometrie erklärt werden könnten.

Obwohl Mathematik und Geometrie rational sind, sind Mathematik und Geometrie für die Griechen schon in der protogeometrischen Zeit nicht kalt. Die Griechen gaben der Mathematik eine philosophische Wärme, indem sie die Prinzipien der Rationalität mit dem Geist der Philosophie verbanden, die sie schließlich zur klassischen Idee des Humanismus entwickelten.

In den Jahrhunderten vor der athenischen Entwicklung der Demokratie im Jahr 508 v. Chr. wurden die Stadtstaaten Griechenlands wie alle anderen antiken Zivilisationen von Königen regiert. Der ägyptische Pharao zum Beispiel galt als lebender Gott auf Erden. Aber die griechische Beziehung selbst zu ihren mächtigsten oder despotischen Führern war ganz anders als die anderer Königreiche. Die griechischen Könige betrachteten sich als Menschen, als bloße Sterbliche, nicht als Götter auf Erden. Wenn die griechischen Könige eine göttliche Verbindung zu einem ihrer Götter hatten, lag dies daran, dass sich ihre menschliche Mutter oder ihr menschlicher Vater mit einem Gott oder einer Göttin paarte und das daraus resultierende Kind bestenfalls ein Halbgott war, genannt Halbgott, und nur wegen der menschlicher Prozess der sexuellen Beziehungen und des Gebärens (die Götter konnten sich untereinander parthenogen fortpflanzen). Dieser große Unterschied in der Anschauung, dass die Menschen und nicht die Götter, wie der griechische Philosoph Protagoras schrieb, „das Maß aller Dinge“ auf Erden waren, ermöglichte es den Griechen, die Rationalität der Mathematik mit der Wärme der Welt zu vereinen humanistischer Philosophie und damit auch der Wertschätzung des menschlichen Körpers als idealer Beschwörung dieser Einheit.


Abb. 2A


Abb. 2B

Feigen. 2A und 2B-Dipylon-Krater, vom Dipylon-Friedhof,
Athen, ca. 740 v.
3’ 4 1/2” Höhe Metropolitan Museum of Art, New York

Im 8. Jahrhundert v. Chr. war ein ausgewachsener geometrischer Stil auf dem Vormarsch, wie wir in diesem monumentalen Krater vom Dipylon-Friedhof in Athen sehen (Abb. 2A). Dieser riesige Topf, der fast dreieinhalb Fuß hoch ist, war nicht für den Hausgebrauch gedacht, sondern diente als Grabstein, ähnlich wie heute ein Grabstein verwendet wird. Die gemalten Szenen stellen die Trauerfeier und Trauer (oberes Figurenregister) und den Trauerzug oder die Militärparade (unteres Figurenregister) zu Ehren des verstorbenen Herrn dar, den wir auf der Totenbahre liegen sehen (Abb. 2B, Mitte). Die rationalen Eigenschaften der Geometrie prägten die physikalischen Proportionen der Vase (die hier in perfekter Balance sind) und die Darstellung der Figuren, die in einer rein geometrischen Sprache ausgedrückt werden: Ovale für den Kopf Dreiecke für den Oberkörper Rautenformen für Hüften und Beine Rechtecke oder Linien für Arme. Die erhobenen Arme der weiblichen Trauernden (die sich vor Trauer die Haare ausreißen) zu beiden Seiten der Totenbahre biegen sich in reinen rechten Winkeln zu Rechtecken und nahezu Quadraten.

Obwohl diese Verwendung alltäglicher Formen zur Wiedergabe menschlicher (und tierischer) Formen simpel erscheinen mag, gaben etwa ein Jahrhundert des Zeichnens auf diese Weise griechischen Künstlern ein tiefes Verständnis der Eigenschaften der Form und der proportionalen Beziehungen zwischen Teilen des menschlichen Körpers. Diese Zuversicht, zusammen mit dem griechischen Glauben, dass der Mensch und die menschliche Erfahrung die zentralen Themen des täglichen Lebens sind, dass das “Hier und Jetzt” unmittelbar relevanter ist als die Ewigkeit, die ohnehin die Domäne der unsterblichen Götter war und worüber die Menschen wenig oder gar nichts zu sagen hatten, gaben griechischen Künstlern die Fähigkeiten und den Geisteszustand, um den nächsten Sprung in ihrer bemerkenswerten Entwicklung der nackten Figur zu machen.


Abb. 3-Kouros, Ca. 590 v. Chr. Marmor, 6’ ½” Höhe
Metropolitan Museum of Art, NY

Es ist zwar fair zu sagen, dass die Entwicklung der griechischen Kunst und ihre Betonung des Menschlichen und nicht des Göttlichen in der Antike einzigartig war, aber es muss auch anerkannt werden, dass sich griechische Künstler nicht isoliert entwickelten. Obwohl dieser Kouros (Abb. 3), der eine Statue eines nackten männlichen Jugendlichen bedeutet, die Werte aufweist, die wir als einzigartig griechisch identifizieren können, zeigt er auch den Einfluss Ägyptens, der dominierenden Macht und Kultur in einem Großteil der antiken Geschichte. Wie eine ägyptische Statue 3 steht dieser Kouros in einer starren Frontalhaltung, die Hände an den Seiten geballt und ein Bein nach vorne gerichtet.

Aber die Ähnlichkeit endet dort. Im Gegensatz zu ägyptischen Figuren, die ein unveränderliches Ewiges ausdrücken sollten, macht dieser Kouros die griechische Philosophie der männlichen Schönheit sichtbar, die von Gesicht und Körper harmonisch und vor allem aktiv und athletisch ist.

Der junge Mann ist zunächst nackt, während ägyptische Figuren bekleidet waren. Darüber hinaus wurden ägyptische stehende Figuren an einem tragenden Steinblock verankert 4, aber dieser Kouros ist freistehend. Diese Leistung ist nicht nur technisch, sondern auch ein philosophischer Ausdruck.

Zunächst mit dem technischen Aspekt befasst, war das Gleichgewicht, das notwendig ist, um eine freistehende Figur aus Stein zu erreichen, das Ergebnis des tiefen Verständnisses der Geometrie und ihrer Eigenschaften der Griechen. Von den Lehren der Töpfertektonik bis hin zu den gemalten geometrischen Formen, die früher die menschliche Form ausdrückten, waren griechische Bildhauer im 6. Menschen.

Ästhetisch ist der Kouros in Abbildung 3 rein griechisch. Es entsteht durch geometrische Formen: Wir sehen noch das Oval für den Kopf, einen dreieckigen Torso und Rauten, die die Beine bilden. Und philosophisch ist es griechisch, was eine Vorstellung von jugendlicher Männlichkeit nicht als gottesfürchtig oder heroisch, sondern als schön ausdrückt. Diese Schönheit ist Ausdruck des Ideals der Harmonie und des Gleichgewichts, zwei Attribute der rationalen Mathematik, von denen die Griechen glaubten, dass sie zur Schönheit aller Dinge, einschließlich des Denkens selbst, beigetragen haben.

Zu Beginn der klassischen Periode, als das griechische kulturelle Vertrauen seinen Höhepunkt erreichte und nicht mehr unter dem hemmenden Einfluss Ägyptens stand, erreichte die griechische Philosophie und Kunst eine Raffinesse, und in der Kunst die technische Fähigkeit, die es Philosophen und Künstlern ermöglichte, sich damit zu befassen menschlichste aller Erfahrungen, Sinnlichkeit.

Abb. 4-Kritios Boy Ca. 480 v. Chr., Athen,
Marmor, 2’ 10” Höhe. Akropolismuseum, Athen

Diese frühe klassische Figur namens Kritios Boy aus der Zeit um 480 v. Kritios Boy gilt als die erste geformte menschliche Figur, die Kontrapost einsetzte, was „Gewichtsverlagerung“ bedeutet Der Mensch verlagert sein Gewicht und seinen Körper und positioniert sich entlang der vertikalen Achse der Wirbelsäule.

Das Kontrapost des Kritios Boy wird erstellt von:

-die leichte Neigung seiner rechten Hüfte, während er sein Gewicht auf seinem linken (hinteren) Bein ausbalanciert

-die Beugung seines vorderen Beins am Knie, entspannt

- Sein Kopf drehte sich leicht nach rechts, im Gegensatz zu dem halsstarrigen archaischen Kouroi.

Diese natürlichere Haltung, die aus der rationalen Anwendung der Mathematik abgeleitet wurde, um ein Gleichgewicht der Proportionen zu erreichen, verleiht Kritios Boy nicht nur ein natürlicheres, sondern auch ein sinnliches Aussehen. Gefeiert wird hier nicht Heldentum oder Macht, sondern Schönheit der Form und des Fleisches Schönheit als philosophisches Lebensideal, ausgedrückt durch harmonische Proportionen, Leichtigkeit der Körperhaltung, Gelassenheit des Ausdrucks.

Nur etwa dreißig Jahre nachdem der unbekannte Bildhauer den Kritios-Jungen geschaffen hatte, brachte Polykletos selbst den Geist der griechischen Kunst mit einer Reihe von Skulpturen zur vollen Pracht, die Meisterwerke seines Kanons der Proportionen sind. In seinem Doryphoros (Speerträger) (Abb. 5) drückte Polykleitos Harmonie, Ausgeglichenheit und Schönheit durch die strikte Einhaltung seiner mathematischen Formeln für die Proportionen und geometrischen Massen der nackten Figur aus. 5 Mit der Mathematik als absolutem Fundament gelang es ihm dann, einen durchsetzungsfähigen Kontrapost zu schaffen, der der Figur die anmutige S-Kurve verlieh, die in der griechischen Bildhauerei ikonisch werden sollte. Polykleitos further enhanced the grace of the contrapposto with the harmony of “cross balance”: the bent arm is diagonally opposite the straight leg, while the straight arm is diagonal to the bent leg.

Polykleitos’ Canon would remain the standard for Greek sculpture through its Classical and Hellenistic periods and into the art of Rome. The grace and sensuality celebrated by the Classical nude influenced later masters such as Michelangelo, whose monumental David (1501-1504) is a sensual descendent 6 of Polykleitos’ contrapposto and cross balance. And though figurative art is less dominant today, the human need for sensual expression never dies. Who would have thought it could be expressed in math?

_______________
1. Female figures in Greek art were more often clothed.

2. Technical advances in pottery manufacture developed during the Proto- geometric period are further described in Richter, Gisela M.A., A Handbook of Greek Art A Survey of the Visual Arts of Ancient Greece, Seventh Edition, Phaidon Press Ltd., London, 1974 Boardman, John, Early Greek Vase Painting, Thames and Hudson, London, 1998 and others.

3. The period of Egyptian art and history referred to encompasses the Old Kingdom, ca. 2574-2134 BCE through the New Kingdom, ca. 1550-1070 BCE, which, with the exception of the Amarna period, ca. 1353-1335 BCE, essentially set the form which was maintained throughout most of Egyptian art until the Ptolemaic period, ca. 305 BCE-6 BCE. The Ptolemaic rulers, being Greek (after the conquest of Egypt by Alexander the Great), brought Greek influence into late Egyptian art. The defeat of Egypt by the Romans in 6 BCE, further Classicized Egyptian art.

4. Egyptian figures sculpted of wood or smaller than life-size figures in stone were often free-standing. The distribution and balance of weight of life-size and monumental stone figures in Egypt, however, usually necessitated an anchoring block.

5. This figure is a later copy, in marble, made in Rome for the Palestra athletic stadium in Pompeii. The original Greek statue was created cast in bronze. This situation is true of a considerable number of Greek statues, many of them originally bronze, since lost to time. Nevertheless, as far as we know, the ancient Roman sculptors were entirely faithful in their reproductions of the original Greek. Without these Roman copies, we would not know as much about the remarkable development of Greek sculpture. We are especially certain of the Romans’ accuracy of Polykleitos’ works because Roman sculptors strictly followed Polykleitos’ instructions, as written in his Canon.


6. Though the David is clearly influenced by Classical sculpture, and in particular by Polykleitos, Michelangelo had no taste for the mathematical approach to human form. His David is reflective of his belief that organic form already exists within a block of stone and it is the sculptor’s art to bring it out. The proportions of the David, therefore, are not mathematically accurate, though the visual effect is certainly natural to the eye.


This article is adapted from Ms. Aptaker’s lectures in Art History at the New York Institute of Technology

Let’s face it, step into a museum gallery of ancient Greek statuary and painted vases and you could get the impression that for about five hundred years from around 600 BCE (this article will use the newer designation of BCE, Before the Common Era) the male population of Greece lived life undressed. 1 There are athletes in the nude soldiers in the nude handsome young men who were famous for merely being handsome in the nude. By contrast, the Pharaohs, nobles and aristocratic men of ancient Egypt wouldn’t be caught dead in representations of themselves without a skirt or drape of some kind that indicated their rank or stature in society. Ditto for the men of Mesopotamia. Later Romans, though they mimicked the nude statuary of Greece, just as often commissioned statues of themselves in warriors’ armor or aristocratic drapery to call attention to their military heroism or political importance.

So why was the attitude of the ancient Greeks so different from other ancient cultures regarding nudity? Blame it on math.

If that answer seems facile, consider this: the great fifth century BCE sculptor Polykleitos wrote a treatise called The Canon, or The Canon of Proportion, which dictated specific mathematical proportions and relationships for all parts of the human body. Polykleitos based his formulae on work attributed to the sixth century BCE mathematician Pythagoras, whose noted theorem is still in use today.

But Polykleitos’ Canon, brilliant as it was and is, simply codified a way of thinking, a way of expressing beauty, which had been evolving in Greece for centuries. We can actually see the beginning of that way of thinking, and we can marvel that it appeared at a time when chaos and violence left Greek civilization hanging by a thread.

The fall of the Mycenaean civilization on mainland Greece, beginning around 1200 BCE, ushered in The Greek Dark Age. Invaders from the north and from Ionia in the east overran the once splendid Bronze Age heroic civilization and replaced it with the violence of constant warfare and the displacement of whole populations of sacked towns and villages. This miserable situation lasted over two hundred years, but around 1000 BCE things slowly started to settle down. Daily life was still bleak and dangerous, violence continued, but here and there a revitalizing culture started to take root, mainly through items of daily necessity after all, even if your community no longer needs palaces, your little hut still need cups and jars and bowls. It is in early Greek pottery that we see the beginnings of a way of thinking that eventually became the ancient world’s most sophisticated expression of the beauty of the human figure, particularly the male nude.


Fig. 1 - Proto-geometric amphora, ca. 950 BCE,
terra cotta, 13 ¾” high. British Museum, London

This amphora (Fig.1) dates from about 950 BCE. The style, called Proto-geometric, is simple and strictly utilitarian: lines and shapes moving around the surface of the pot. The Proto-geometric period, roughly the tenth century BCE, sets the foundation for everything to come in Greek art. 2 In this pot and others of the period, we see the beginnings of the Greek fascination with rational mathematics, especially geometry. It all started with everyday utensils decorated with simple lines.

Though other ancient cultures also decorated their pottery with similar lines and shapes, what’s new here, and what’s uniquely Greek, is a consciously harmonious relationship between the shape of the vase and the surface decoration. Each facet of the decoration occupies a specific part of the structure and is meant to delineate the volumes, which are themselves in harmonious proportion to one another:

-the solid black of the tall neck with an encircling checkered pattern positioned like a necklace

-the solid bands on the shoulder

-the undulating wave around the belly and the swelling shape of the belly contained by another solid band below

-the empty “reserved” space above the foot giving everything above a visual lightness, a weightlessness

-the whole thing resting comfortably and securely on the solid band of the foot.

Note that I’ve used the names of human body parts for the parts of the vase: neck, shoulder, belly, foot. The Greeks believed that the organic structure of pottery is analogous to the organic, balanced structure of human form and that both could be explained by the principles of geometry.

Though mathematics and geometry are rational, for the Greeks, even as early as the Proto-geometric period, mathematics and geometry are not cold. The Greeks gave a philosophical warmth to mathematics, marrying the principles of rationality to the spirit of philosophy, which they eventually developed into the Classical idea of Humanism.

During the centuries prior to the Athenian development of democracy in 508 BCE, the city-states of Greece, like all other ancient civilizations, were ruled by Kings. The Egyptian Pharaoh, for example, was considered a living god on earth. But the Greek relationship with even their most powerful or despotic leaders was quite different from that of other kingdoms. The Greek kings regarded themselves human beings, mere mortals, not gods on earth. If the Greek kings had a divine connection to any of their gods it was because their human mother or father mated with a god or goddess and the resulting child was at best a half-god, called a demi-god, and only because of the human process of sexual relations and childbearing (the gods, among themselves, could reproduce parthenogenically). This great difference in outlook, that human beings, not the gods, were, as the Greek philosopher Protagoras wrote, “the measure of all things” on earth, is what enabled the Greeks to unite the rationality of mathematics to the warmth of humanist philosophy and, by extension, to an appreciation of the human body as an ideal evocation of that unity.


Fig. 2A


Fig. 2B

Figs. 2A and 2B-Dipylon Krater, from the Dipylon cemetery,
Athens, ca. 740 BCE.
3’ 4 1/2” height Metropolitan Museum of Art, New York

By the eighth century BCE, a full blown Geometric style was ascendant, as we see in this monumental krater from the Dipylon cemetery in Athens (Fig 2A). This enormous pot, standing nearly three and a half feet tall, was not for household use but served as a grave marker, much as a headstone is used today. The painted scenes represent the funeral service and mourning (upper register of figures) and funeral procession or military parade (lower register of figures) honoring the deceased gentleman we see lying atop the funeral bier (Fig. 2B, center). The rational properties of geometry informed the physical proportions of the vase (which are in perfect balance here) and to rendering the figures, which are expressed in a purely geometric language: ovals for heads triangles for the upper body lozenge shapes for hips and legs rectangles or lines for arms. The upraised arms of the female mourners (who are tearing out their hair in grief) on either side of the funeral bier bend at pure right angles to form rectangles and near-squares.

Though this use of everyday shapes to render human (and animal) form may seem simplistic, a century or so of drawing in this manner gave Greek artists a deep understanding of the properties of shape and the proportional relationships between parts of the human body. This confidence, together with the Greek belief that human beings and human experience are the central issues of daily existence, that the “here and now” is more immediately relevant than eternity, which was the province of the immortal gods in any event and about which human beings had little or no say, gave Greek artists the skills and state of mind to make the next leap in their remarkable development of the nude figure.


Fig. 3-Kouros, ca. 590 BCE Marble, 6’ ½” height
Metropolitan Museum of Art, NY

While it’s fair to say that the development of Greek art and its emphasis on the human and not the godly was unique in the ancient world, it must also be acknowledged that Greek artists did not develop in isolation. Though this kouros (Fig. 3), meaning a statue of a nude male youth, exhibits those values we can identify as uniquely Greek, it also exhibits the influence of Egypt, the dominant power and culture through much of ancient history. Like Egyptian statuary, 3 this kouros stands in a rigid frontal pose, his hands clenched at his sides and with one leg forward.

But the similarity ends there. Unlike Egyptian figures, which were meant to express an unchanging eternal, this kouros makes visible the Greek philosophy of male beauty, harmonious of face and body, and above all active and athletic.

To begin with, the young man is nude, whereas Egyptian figures were clothed. Moreover, Egyptian standing figures were anchored to a supporting block of stone, 4 but this kouros is free standing. This achievement is not only technical, it represents a philosophical expression as well.

Dealing first with the technical aspect, the balance necessary to achieve a free standing figure of stone was a result of the Greeks’ deep understanding of geometry and its properties. From the lessons inherent in the tectonics of pottery to the painted geometric shapes which earlier expressed human form, by the sixth century BCE, the Archaic period, Greek sculptors were prepared to produce life-sized figures that stood as confidently on their feet as did living human beings.

Aesthetically, the kouros in Figure 3 is purely and utterly Greek. It is created through geometric forms: we still see the oval for the head a triangular torso and lozenges to form the legs. And philosophically it is Greek, expressing an idea of youthful maleness not as godly or heroic but as beautiful. This beauty is an expression of the ideal of harmony and balance, two attributes of rational mathematics which the Greeks believed contributed to the beauty of all things, including thought itself.

By the beginning of the Classical period, when Greek cultural confidence was at its height and no longer under the restraining influence of Egypt, Greek philosophy and art achieved a sophistication—and in art, the technical ability—which enabled philosophers and artists to address that most human of experiences, sensuality.

Fig. 4-Kritios Boy ca. 480 BCE, Athens,
Marble, 2’ 10” height. Acropolis Museum, Athens

This early Classical figure called the Kritios Boy, dating to about 480 BCE, shares the one leg forward/frontal stance of his kouros predecessors, but here the geometry of the assembled shapes is more relaxed, more natural. Kritios Boy is believed to be the first sculpted human figure to employ contrapposto, meaning “shifting of weight.” The sculptor understood that human beings do not stand in rigid poses (except when at “attention” like soldiers) real human beings shift their weight and their body, positioning themselves along the vertical axis of the spine.

The contrapposto of the Kritios Boy is created by:

-the slight dip of his right hip as he balances his weight on his left (rear) leg

-the bend of his forward leg at the knee, at ease

-his head turned slightly to his right, unlike the stiff-necked Archaic kouroi.

This more natural posture, derived from the rational application of mathematics to achieve a balance of proportion, gives Kritios Boy not just a more natural appearance but a sensual one. What is being celebrated here isn’t heroism or power what’s being celebrated is beauty of form and flesh beauty as a philosophical ideal of life expressed through harmonious proportions, ease of posture, calmness of expression.

Only about thirty years after the unknown sculptor created the Kritios Boy, Polykleitos himself brought the spirit of Greek art to full magnificence with a series of sculptures that are masterpieces of his Canon of Proportion. In his Doryphoros (Spear Carrier) (Fig. 5), Polykleitos expressed harmony, balance and beauty through strict adherence to his mathematical formulae for the proportions and geometric masses of the nude figure. 5 With mathematics as his absolute foundation, he was then able to create a contrapposto that is assertive, giving the figure the graceful S-curve that would become iconic in Greek sculpture. Polykleitos further enhanced the grace of the contrapposto with the harmony of “cross balance”: the bent arm is diagonally opposite the straight leg, while the straight arm is diagonal to the bent leg.

Polykleitos’ Canon would remain the standard for Greek sculpture through its Classical and Hellenistic periods and into the art of Rome. The grace and sensuality celebrated by the Classical nude influenced later masters such as Michelangelo, whose monumental David (1501-1504) is a sensual descendent 6 of Polykleitos’ contrapposto and cross balance. And though figurative art is less dominant today, the human need for sensual expression never dies. Who would have thought it could be expressed in math?

_______________
1. Female figures in Greek art were more often clothed.

2. Technical advances in pottery manufacture developed during the Proto- geometric period are further described in Richter, Gisela M.A., A Handbook of Greek Art A Survey of the Visual Arts of Ancient Greece, Seventh Edition, Phaidon Press Ltd., London, 1974 Boardman, John, Early Greek Vase Painting, Thames and Hudson, London, 1998 and others.

3. The period of Egyptian art and history referred to encompasses the Old Kingdom, ca. 2574-2134 BCE through the New Kingdom, ca. 1550-1070 BCE, which, with the exception of the Amarna period, ca. 1353-1335 BCE, essentially set the form which was maintained throughout most of Egyptian art until the Ptolemaic period, ca. 305 BCE-6 BCE. The Ptolemaic rulers, being Greek (after the conquest of Egypt by Alexander the Great), brought Greek influence into late Egyptian art. The defeat of Egypt by the Romans in 6 BCE, further Classicized Egyptian art.

4. Egyptian figures sculpted of wood or smaller than life-size figures in stone were often free-standing. The distribution and balance of weight of life-size and monumental stone figures in Egypt, however, usually necessitated an anchoring block.

5. This figure is a later copy, in marble, made in Rome for the Palestra athletic stadium in Pompeii. The original Greek statue was created cast in bronze. This situation is true of a considerable number of Greek statues, many of them originally bronze, since lost to time. Nevertheless, as far as we know, the ancient Roman sculptors were entirely faithful in their reproductions of the original Greek. Without these Roman copies, we would not know as much about the remarkable development of Greek sculpture. We are especially certain of the Romans’ accuracy of Polykleitos’ works because Roman sculptors strictly followed Polykleitos’ instructions, as written in his Canon.


6. Though the David is clearly influenced by Classical sculpture, and in particular by Polykleitos, Michelangelo had no taste for the mathematical approach to human form. His David is reflective of his belief that organic form already exists within a block of stone and it is the sculptor’s art to bring it out. The proportions of the David, therefore, are not mathematically accurate, though the visual effect is certainly natural to the eye.


Greek ceramics – Chapter 1

This short article does not aim to be an extensive presentation but rather a brief description over the history of greek ceramic in order to answer to the most common questions. In this first chapter we will begin with a global classification per style, then a typological [1] Study of the shapes approach of this ceramic before finishing with a few specific uses.

First we must acknowledge the five main styles of ceramic, which evolve with time as well as their geographical locations. We typically spread these five styles from 1050 B.C [2] Mycenian period, heroic age of the Illiad and the Odisseyr to 146 B.C [3] Fall of Corinth against Rome, Last independant greek kingdom

Proto-geometric (1050-900 B.C)

This style is usually imputed to the mycenaean civilization, which, since the adorn the vases of black varnish patterns and turns the pottery bronze age, on a potter’s wheel rather than manually. These are typically decorated with simplistic and geometric patterns, such as strip and circles.

Geometric style (900-700 B.C)

In continuity with the proto-geometric style, ceramics bedeck themselves with meander, “greek” triangles and other geometric patterns. In this style stand the ancient geometric (900-850 B.C) with only geometric patterns, then the middle geometric (850-770 B.C) with the emergence of figurative adornment (mostly animals) and space saturation, and finally, the moder

geometric (770-700 B.C) with human figure. A great number of those vases were found in one the athenian burial ground, the Dipylon, which will gave its factitious name to the “Dipylon Master”, a vase painter active around 760-750 B.C. Other schools appear all over Greece, in Corinth, Boeotia, Argos, Crete (also in a sterner geometric style) and Cyclades.

Orientalizing Style (725-625 B.C)

As its name states it, this ceramic is influenced by the oriental design, which drains its inspiration from nature, the animal world and mythology. We see the appearances of sphinx, griffins, lions, et caetera, with way more realism than under the geometric style. It firstly emerge in Corinth, who then exported the techniques to Athens, which modifies it according to its own influence: developing the first marks of polychromy, white, black and red, intertwine to give live to the depictions.

Though black figures exist since the 7th century in Corinth and other regions of Greece, it is Athens which carries it to its pinnacle during the archaic period. It presents black figures designs upon a clay background, therefore on red background in Athens case. Figured vases become more common and are no more confined to a ceremonial use, but also everyday life.

Red figures are popularized by attic ceramic from Athens, with a production of industrial scale and monopolizing the market as the only school of

Technik. According to the legend, the first to use this style is Andokides. It is a reversal of the black figure, in its initial stage there even are occurences of bilingual vases, combining black and red figures. This style allows an evolution and a refinement of the designs, the potter and painter Euphronios specialized in the representation of the body muscles. Due to the destruction of Athenian workshop during the second greco-persian war, the production of black figures are abandoned to the profit of the red, which take over the stylistic landscape. Designs are further sophisticated, representing mythological scenes, battles and everyday life representations. Space saturation will slowly come back, floral patterns veiling voids, as well as polychromy with touches of white. During the hellenistic period the technique simplifies itself, with simple settings and even paintings after the baking process.

Far from Athens, in Magna Grecia the apulian region stands outwith its own ceramic technique, of equivalent quality to the athenian’s one, and will last during the hellenistic period thanks to the painter Darius who represents contemporary of Alexender the Great. With its own italic style the apulian ceramic is exported in Greece as well as the whole mediterranean basin. It usually identified by its saturation of icon of heroic theme, numerous details, and for the armament enthusiast the representation of apulo-corinthian helmet. A last subtype, the red figure on white background, typically in the mortuary field, especially upon lekythos which contain perfumes. However if red figures predominates, black figures are used on occasion on honorific vases, such as panathenaic amphora

Bernard Holtzmann et Alain Pasquier, Histoire de l’art antique : l’art grec, écoles du Louvre, Paris, 1998.


Notesale: Turn your study into money

Browse our notes for titles which look like what you need, you can preview any of the notes via a sample of the contents. After you're happy these are the notes you're after simply pop them into your shopping cart.

My Basket

You have nothing in your shopping cart yet.

Document Preview

Extracts from the notes are below, to see the PDF you'll receive please use the links above

Ancient Greek Art #1: geometric to archaic
• GEOMETRIC= 900-700 BC (end of the dark age, the human figure reappears)
• ORIENTALIZING= 700-600 BC (renewed contact with the outside world)
• ARCHAIC= 600-480 BC (old fashioned period, golden age of painting on pottery (black
figure and red figure pottery)
• Hellenic Period= 900-323 BC (part 1)
o Major trends: interest in depicting the human figure convincingly, idealism
(striving to depict the UNIVERSAL and the PERFECT)
o Familiar forms/conventions= gloss slip, twisted perspective, composite creatures,
painted sculpture, sculptures in poses borrowed from Egypt
• Etruscans were very fond of Greek pottery
• WARRIOR VASE (krater) (from Mycenae, 1200 BC) ! used as a giant punchbowl for
mixing strong wine with water
o Not painted with true paint, painted with GLOSS SLIP (liquid clay, mixed water
with clay and let coarse grains settle, remove them, repeat until the slip is of a nice
smooth consistency)
o Use of BANDING (paint around while pot is still on the wheel)
• STIRRUP JAR W/ OCTOPUS (1200-1100 BC, Mycenae) ! banding, painted with gloss
Unterhose
• NOW AFTER THE FALL OF MYCENAE
• PROTO-GEOMETRIC AMPHORA (10th Century BC) ! probable source of style=
surviving Mycenaean folk traditions, very crisp concentric circles
• GEOMETRIC KRATER (from the Dipylon Cemetery, Athens, 740 BC) ! about 4 feet tall,
in the shape of a Krater but never was used as one, instead was used as a grave marker
for an aristocratic man, symbolic of dinner parties
o PROTHESIS: body laying on side, whole scene
o BEIRCLOTH: cloth over a dead body
o Procession at the bottom of the pot, horses, figure 8 shields (borrowed from the
Minoans)(connection between the age or heroes and their own time)
o In ancient Greece people were VERY aware of their lineage
o Figure 8 shields and war chariots were obsolete in the geometric period (used
round shields)
• ORIENTALIZING PERIOD: 700-600 BC
• CORINTHIAN BLACK-FIGURE AMPHORA W/ ANIMAL FRIEZES (624-600 BC)! lions
in heraldic symmetry, SIREN (human head on a bird’s body, tempts sailors), banding,
different colored slip, scratched away slip for detail
• MANTIKLOS APOLLO (from Thebes, 700-680 BC) ! inscription on thighs, bronze young
man, example of a HEROIC NUDE (to distinguish the Greeks from the barbarians)(effort
with perfection, trying to show a perfect person), swelling of the pectoral muscles,
triangular face, very small forehead, very stylized powerful thighs, NICE BUTT
• LADY OF AUXERRE (650-625 BC) ! triangular face, Egyptian style hair, cape and belt
(typical of Crete), small forehead, hand to chest in what is thought to be adoration, was
originally painted

ARTIST PAINTING A STATUE OF HERKALES (360-350 BC) ! shows a painter using
ENCAUSTIC PAINT (powdered pigments held together with very hot wax)
• KOUROS: young man, statues were idealized
• ARCHAIC SMILE: can refer to vitality (life) or is a convention of when artists started to
explore the structure of the face, shows that lips are wrapped around teeth
• ARCHAIC PERIOD: 600-480 BC
• NEW YORK KOUROS (600 BC)! Oldest surviving kouros that is fully preserved, stands
at about 6 feet tall, very neat, Egyptian style hair, Egyptian style pose (very stiff), FIRST
FREE STANDING STONE FIGURES
• KRIUSIS KOUROS (530 BC)! much more accurate than the NY Kouros when it comes
to human anatomy, used as a grave marker (other Kouros used as a grave offering), 6’4”
tall, very large, archaic smile, traces of paint
• PEPLOS KORE (530 BC)! from the acropolis in Athens (PEPLOS= very simple dress),
lovely smile and hair, originally painted
• PHRASIKLEIA FROM MERENDA (540 BC) ! Attica, funerary movement, clothed
• THE GREEKS NOT ONLY TOLD “WHAT HAPPENED” BUT, “HOW IT HAPPENED”
• DEATH OF SARPADON (515 BC)!calyx krater by Euphronos (painter) and Euxitheos
(potter), Attic, sarpedon= son of Minos, Euphronos tried to use FORESHORTENING
• KITHARA PLAYER (490 BC) !amphora attributed to the Berlin painter, attic,
magnificent painting, young man completely lost in his music

Ancient Greek Art #2: classical to Hellenistic
• Hellenic (900-323 BC) ! confined to Greece, idealism, CLASSICAL: (480-323 BC)
moderation, restraint, harmony between parts, universality
• Hellenistic (323-31 BC) ! Greek culture spreads, realism, interest in the dramatic, the
artist’s inventiveness, individual differences

• CLASSICAL PERIOD: 480-323 BC
• ARTEMIS AND APOLLO SLAYING THE CHILDREN OF NIOBE (450 BC) ! attic red
figure calyx krater, niobid painter
o Myth of Niobe: tale to warn against hubris (excessive arrogance), really proud of
all her pretty children, gods get mad, kill her kids
o Imitated the conventions of wall painting (figures floating on a black background),
painter didn’t pay attention to the shape of the pot
• KYLIX= wide, shallow drinking cup, eyes painted on bottom
• DANCING MAENAD (490 BC) ! white ground Kylix (pot made of red clay, interior
painted with black and white slip, used mainly for funerary art because white clay will
chip), MAENAD= female follower of Dionysis, can tell because of her THYRSOS and
because of big cat
o Very limited color scheme
• PHILOXENOS OF ERETRIA (310 BC) ! battle of Issus, Roman copy, battle of Alexander
the great, horses shown with proper foreshortening, enemy watching himself die in his
polished shield
o Alexander the great is calm, looking straight ahead, no beard
• EARLY CLASSICAL= 480-450 BC

Delphi, sacred to Apollo, “bellybutton of the world”.
CHARIOTEER OF DELPHI (470 BC) ! man presenting his chariot to the masses after
winning the race, demonstrates restraint and moderation, IDEAL MASK= reason
governing the emotions, no expression, thick jaw and almost straight line from forehead
to the tip of nose (standard of beauty)
o Anatomically stunning feet, probably cast from a real person
o APOLLO’S SANCTUARY AT DELPHI: lots of mini temples for offerings, theater,
many bronze statues, earthquakes eventually destroyed the temple
o PITHEA= mouthpiece of Apollo, would sit above volcanic fumes and mumble
o PITHEON GAMES= chariot racing, who was it that the god Apollo was smiling on,
charioteer of Delphi= thank offering to Apollo for victory
BATTLE OF THE LAPITHS AND THE CENTAURS (460 BC)! from the west pediment of
Zeus at Olympia
o Considered to be among the greatest groups of Greek sculptures in Marble (may
have been made by a group of sculptors led by Phidias as a young man)
o Tells the story of drunk centaurs kidnapping young bride and her bridesmaids,
Greeks fight them, CIVILIZED vs
.
THEY COULD SHOW
CONVINCINGLY THE HUMAN BODY IN MOTION
WARRIOR (460-450 BC) ! Riace Warrior A, found in the sea, classical, standing in the
contrapposto stance, mature man, copper lips, silver teeth, inlaid eyes, heroic/ideal
nudity
HELLENISTIC ART: 323-31 BC
EPIGONOS (?), Gallic Chieftan, killing himself and his wife (roman marble copy after a
bronze original from Pergamon), Turkey, 230-220 BC)
o Celts believed in reincarnation, death for them was just an inconvenience, made
them very scary fighters
o Sculptures were thank offerings for victory against the Gauls, people in the
sculpture didn’t look Greek at all (REALISM), shown as noble enemies

TEMPLES: 4 main temples, ¾ are doric, temple to hera 1, temple to hera 2 and the
Parthenon)


Schau das Video: Geometric: Dipylon Amphora


Bemerkungen:

  1. Rutley

    Welchen Satz ... großartig, eine großartige Idee

  2. Hrychleah

    Entschuldigung, ich habe darüber nachgedacht und diesen Satz gelöscht

  3. Gehard

    Tolle Idee, ich stimme zu.

  4. Muntasir

    Hat nicht alles verstanden.

  5. Barry

    So weit, ist es gut.



Eine Nachricht schreiben