'Amerikanische Graffiti' eröffnet

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Am 11. August 1973 der nostalgische Coming-of-Age-Film für Teenager Amerikanische Graffiti, Regie und Co-Autor von George Lucas, wird in den Kinos in den Vereinigten Staaten eröffnet. Im Sommer 1962 in Kalifornien angesiedelt, Amerikanische Graffiti wurde für fünf Oscars nominiert, darunter Beste Regie und Bester Film, und half dabei, die Kinokarrieren von Richard Dreyfuss und Harrison Ford sowie des ehemaligen Kinderdarstellers und zukünftigen Oscar-Preisträgers Ron Howard zu starten. Der Erfolg des Films ermöglichte es Lucas, seinen nächsten Film zu machen, den Mega-Hit Krieg der Sterne (1977).

George Lucas wurde am 14. Mai 1944 in Modesto, Kalifornien, geboren und besuchte die Filmschule an der University of Southern California. Sein Regiedebüt gab er 1971 mit dem futuristischen Spielfilm THX 1138, die auf einem preisgekrönten Projekt basierte, das er in der Filmschule produzierte. Sein nächster Film war Amerikanische Graffiti, die zwei jungen Männern (Howard und Dreyfuss) folgte, die eine letzte Nacht mit ihren Kumpels durch die Stadt fahren, bevor sie beide am nächsten Morgen zum College gehen sollen. Einer der Produzenten des Films war Francis Ford Coppola, der ein Jahr zuvor aus relativer Dunkelheit aufgetaucht war, um bei dem Instant-Klassiker Regie zu führen Der Pate. Neben seiner Auszeichnung für die beste Regie wurde Lucas auch für den . nominiert Amerikanische Graffiti Drehbuch, das er gemeinsam mit Gloria Katz und Willard Huyck geschrieben hat.

Lucas’ Karriere machende Weltraum-Odyssee, Krieg der Sterne, brach Kassenrekorde und leitete eine neue Welle des Filmemachens ein, die sich um Spezialeffekte und rasante Handlungsstränge drehte. Der Film wurde für 10 Oscars nominiert und erhielt schließlich sechs Oscars für die besten Effekte, das beste Kostümdesign, die beste Art Direction, die beste Musik, den besten Ton und den besten Filmschnitt. Krieg der Sterne machte Millionen an Merchandise-Anbindungen und brachte mehrere Fortsetzungen hervor und wurde zu einem der beliebtesten Franchises in der Filmgeschichte. Lucas hat mit dem Drehbuch für 1981 erneut Gold gefunden Jäger des verlorenen Schatzes, bei dem Steven Spielberg Regie führte und Ford (den Lucas auch in drei Filmen inszenierte) in der Hauptrolle spielte Krieg der Sterne Filme) als weltumspannende Archäologin Indiana Jones. Jäger des verlorenen Schatzes wurde auch ein erfolgreiches Multi-Film-Franchise.

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Es gibt eine Reihe von Mels in Nordkalifornien, die denselben General teilen Amerikanische Graffiti Nostalgie-Thema und das ähnlich gestaltete Mel-Logo. Diese Restaurants heißen „Original Mels“. Ihre Standorte sind nicht auf der offiziellen Mel's Drive-In-Website aufgeführt, aber sie haben ihre eigene Website, obwohl ein Artikel aus der Sacramento Wirtschaftsjournal zeigt, dass sie verwandt sind.

Ein Familienstreit führte dazu, dass sich die Weissen trennten und zwei Ketten bildeten. Der ältere Weiss verkaufte seine Firma 1994 an Larry Spergel, der eine Gruppe von etwa 50 Aktionären bildete, die heute die Kette besitzt. Der Standort Walnut Creek, Kalifornien, bietet eine Geschichte des ursprünglichen San Francisco Mel's. [1]

Einige Drive-In-Standorte von Mel sind keine Drive-Ins, sondern eher Diners. Während zum Beispiel in San Francisco gegründet wurde, serviert derzeit keiner der Standorte in der Stadt Essen für die Autos der Gäste.

Beschilderung und Speisekarten der ursprünglichen Mel's Diners hatten nicht wie erwartet ein besitzergreifendes Apostroph im Namen. Als die Universal Studios jedoch die Gäste in ihren Themenparks in Hollywood, Orlando, Japan und Singapur nachbildeten, entschieden sie sich dafür, den Apostroph in alle Drive-In-Beschilderungen, Literatur und Medien von Mel aufzunehmen.

Nachdem das letzte ursprüngliche Mel in den 1970er Jahren geschlossen wurde, eröffneten Mel Weisss Sohn Steven Weiss und sein Partner Donald Wagstaff 1985 das erste einer nächsten Generation von Mel's Drive-In-Restaurants. [2] Ab 2020 gibt es 7 Mel's Drive-In-Locations in Nord- und Südkalifornien und eine Mel's Kitchen.

Ein Standort in der Nähe der Innenstadt von San Francisco, der in Mel's Kitchen umbenannt wurde, ist gehobener geworden und serviert 12-Dollar-Cocktails, 16-Dollar-Burger mit Rindfleisch aus der Region, Ahi Poke, Acai-Smoothies und Avocado-Toast. [3] [4] [5] [6] Diese Stätte wurde fast abgerissen, um Wohnungen zu bauen. [7]

Standorte in Südkalifornien Bearbeiten

Alle vier Drive-In-Standorte von Mel in Südkalifornien sind in historischen Gebäuden untergebracht. Mel's Drive-In am 14846 Ventura Blvd im Stadtteil Sherman Oaks in Los Angeles, Kalifornien, wurde 1953 als Kerry's Coffee Shop gebaut. Das Gebäude im Googie-Stil wurde von Armet & Davis entworfen. Mel's Drive-In am 8585 Sunset Boulevard in West Hollywood, Kalifornien, wurde 1962 als Ben Frank's gebaut. Das Gebäude im Googie-Stil wurde von Lane & Schlick entworfen. Mels Drive-In in der 1660 N. Highland Avenue in Hollywood, Kalifornien, befindet sich in einem Teil des ehemaligen Make-up-Studios von Max Factor. Das Gebäude im Hollywood Regency-Stil wurde von S. Charles Lee entworfen und 1935 erbaut. Das Mel's Drive-In am 1670 Lincoln Blvd. in Santa Monica, Kalifornien, wurde 1958 als The Penguin gebaut. Das Gebäude im Googie-Stil wurde von Armet & Davis entworfen. [8] [9] [10] [11]

Im Oktober 1963 wurde die Mel's Drive-In-Kette gepfählt und vom Ad-hoc-Komitee zur Beendigung der Diskriminierung wegen der Tatsache, dass das Restaurant Afroamerikanern Essen serviert und sie als Köche anstellte, einem Sitzstreik unterzogen, es war ihnen nicht erlaubt „im Voraus“ zu arbeiten, wo sie von weißen Kunden gesehen werden konnten. Mehr als 100 Demonstranten wurden festgenommen. Die Streikposten endeten, als Harold Dobbs, ein Aufseher von San Francisco City, der für das Bürgermeisteramt kandidiert und verloren hatte, sich mit den Demonstranten niederließ und begann, schwarzen Arbeitern den Vortritt zu lassen. [12]

1972 wurde das Restaurant von George Lucas als Spielort für seinen Film von 1973 ausgewählt Amerikanische Graffiti. Das verwendete Mel befand sich in der South Van Ness Avenue 140 in San Francisco. [13] Es dient als Kulisse für die Eröffnungsszene des Films sowie als Kulisse für den Vorspann, auf dem Soundtrack von Bill Haleys „Rock Around the Clock“ begleitet.

Das prominente Spiel, das dem Standort zugeschrieben wird, soll das Unternehmen vor einer möglichen Geschäftsaufgabe bewahrt haben. [ Zitat benötigt ] Beschilderung und Artwork aus der Mel's-Kette werden häufig im Marketing für den Film verwendet.

Die Universal Studios haben auf ihrem Grundstück eine Nachbildung von Mels Drive-In gebaut, entsprechend dem Restaurant, das in verwendet wird Amerikanische Graffiti – diese Vergnügungsattraktion diente jahrelang auch als Souvenirladen.

Vor Amerikanische Graffiti, Mel's wurde im Film von 1967 als Drehort verwendet Rate wer zum Abendessen kommt. Spencer Tracy und Katharine Hepburn sind unterwegs, und Tracy fährt in Mel's ein und bestellt Oregon Boysenberry-Eis. Das Mel's befand sich im Stadtteil Excelsior von San Francisco. Hepburn und Tracy haben den Ort nie wirklich besucht.

Mels Restaurants wurden seitdem in anderen Medien vorgestellt, wie zum Beispiel Melrose-Platz (1996, Staffel 5, Folge 1), Doonesbury Comics (18. Dezember 1989) und das Buch Der amerikanische Drive-in von Mike Witzel.

Die Adresse für Mel's Drive-In-Location am Sunset Boulevard in West Hollywood ist unten auf den signierten Headshots aufgeführt, die in den VIP-Paketen für die "A Pale Tour Named Death" der Band Ghost zu finden sind.


Malen außerhalb der Linien: Die Geschichte der amerikanischen Graffiti

„Keine andere Kunstbewegung in der Geschichte der Menschheit hat die tief verwurzelten Konzepte von öffentlichem und privatem Eigentum so gründlich durcheinander gebracht, keine andere Kunstbewegung hat sich so gründlich zu einem Thema der öffentlichen Ordnung gemacht.“ (Gastman & Neelon) S.23

Oftmals sind junge Amerikaner, die am Rande des Mainstreams stehen und Kunst als Vehikel kultureller und politischer Kommentare verwenden, direkt mit einem bestimmten Moment oder Ereignis verbunden. Sie gelten als direkte Nachfahren einer der kritischer romantisierten Gruppen in der amerikanischen Geschichte der Gegenkultur. Chronologisch assoziieren und vergleichen wir in erster Linie die heutige amerikanische Jugendkultur mit künstlerischen Bewegungen nach dem Zweiten Weltkrieg. Aber unser kollektives kulturelles Gedächtnis neigt dazu, Lücken zu haben. Diese Zeit, die wir oft für die Geburt der Kreativität, des Aktivismus und des Ausdrucks der Gegenwart verantwortlich machen, wird oft zwischen dem Ende des Zweiten Weltkriegs und dem Ende des Vietnamkrieges eingeordnet.

Aber vielleicht ist die amerikanische Gegenkultur heute nicht direkt mit den Tagen der Beats oder den Tagen des Einschaltens, Einschaltens und Aussteigens verbunden wie das Zertrümmern aller Spielzeuge, Aufstehen, Bombardieren, Kotzen und Taggen? Graffiti als kulturelles Paradigma ist die Schnittstelle zwischen der Architektur der Greatest Generation, die von jungen Babyboomern entwickelt, von der Generation X gefeiert wurde und Teil des kollektiven Bewusstseins der jüngeren Generationen ist. Aber angesichts seiner Bedeutung und seiner Verbindung mit der einflussreichsten Jugendkulturbewegung in der amerikanischen Geschichte – HipHop ist es überraschend, dass weniger als 30 Bücher von nennenswerter Bedeutung über amerikanische Graffiti geschrieben wurden. Noch weniger von dieser Literatur sagt uns, wann es begann, wo es begann, wer es tat, warum und wie – bis, das heißt Die Geschichte der amerikanischen Graffiti (2011).

Wen kümmert es also, dass Kinder in den New Yorker Zügen in den 󈨔ern Kauderwelsch sprühen? Das ist die Frage, die sich manche stellen würden. Die Antwort liegt in der Ungenauigkeit dieser gängigen Beschreibung von Graffiti: Kinder in New York City, in den 󈨔er Jahren, mit Sprühfarbe. Während diese Aussage ein gewisses Gewicht hat, ist sie nur ein kleiner Teil der Geschichte, ein kleiner Teil der Geschichte. Die kulturellen und sozioökonomischen Zutaten sowie der Einfluss und das Erbe der Post-Vietnam- bis Mitte-Reagan-Jahre werden oft übersehen, minimiert und als einfacher barbarischer und zufälliger Vandalismus isoliert. Einst als Underground-Kult schelmischer Schurken wahrgenommen, wird Graffiti heute weltweit als Sprache jugendlicher politischer Aussagen identifiziert. Graffiti hat das Design und die Ausführung von Werbetafeln, politischer Kunst, Performance-Kunst, Kunst im öffentlichen Raum und Architektur beeinflusst. Ohne Graffiti zum Beispiel ist das Konzept, jemandes „Wall“ zu besuchen oder ein Foto auf Facebook zu „taggen“, kontextlos. Bisher gab es nur vereinzelt Quellen, die man heranziehen musste, um das Ausmaß des Einflusses und die Chronologie dieser Kunstform zu erfassen.

Die Autoren Roger Gastman und Caleb Neelon haben vor ihrer ‘definitiven’ Zusammenarbeit über Graffiti und Street Art jeweils mehrere Bücher geschrieben Die Geschichte der amerikanischen Graffiti. Und dieses Buch ist eines der ersten seiner Art. Seine Veröffentlichung ist ein soziokultureller und historischer Meilenstein. Zum Vergleich: Norman Mailers Buch von 1973, Der Glaube von Graffiti, kommt mir als eine der frühen Erkenntnisse in den Sinn, dass Graffiti mehr als nur ein isoliertes Hobby oder bloßer Vandalismus war. Joe Austins Mit dem Zug fahren (2001) boten noch weitere Perspektiven mit einer eher akademischen Ausrichtung. Das Buch von 1984, U-Bahn-Kunst von Martha Cooper und Henry Chalfant war auch eines der frühen Angebote im historischen Kuratorium für Graffiti als Kunstform. Es wurde auch der Chalfant-produziert Stilkriege (1982) sowie Wilder Stil (1983) und Beat Street (1984) als gefilmte Erzählungen der Kultur, die ihrerseits eine schrittweise fortschreitende Dokumentation und Analyse bieten. Und Gastman und Neelon haben es auf den Schultern dieser und anderer Präzedenzfälle sowie ihrer eigenen großartigen Arbeit geschafft, ein Buch zu erstellen, das Ihnen das Beste von allem erzählt, was jemals von der bekannten bis zur unbekannten Geschichte der amerikanischen Street Art zusammengestellt wurde . Es war Zeit für einen chronologischen Leitfaden und eine detaillierte Kritik und sie haben sie bereitgestellt.

Die Anmerkung des Autors enthält einen Vorbehalt, der den Leser auf die frei fließende, unterirdische Natur der Kunstform aufmerksam macht, daher können Graffiti nicht auf die gleiche Weise historisiert werden wie andere galerieartige Formen der bildenden Kunst. Die kurze Einführung gibt wirklich den Ton für den gesamten Text an, da sie Graffiti als ein zentrales Stück der amerikanischen Geschichte kontextualisiert, das nicht in einem Vakuum beginnt oder gedeiht. Während andere versucht haben, Graffiti nur mit Bildern der Arbeit oder nur oberflächlichen Interviews zu überdecken, lassen Gastman und Neelon den Leser wirklich in die Kultur eintauchen, indem sie mit TAKI 183 beginnen, einem der berühmten Pioniere dieser Kunstform. TAKI 183 wird zugeschrieben, im ersten Nachrichtenartikel der New York Times über einen Graffiti-Autor zu berichten. Der im Juli 1971 veröffentlichte Artikel war seine Einführung in die Massen.

So stereotyp der Graffiti-Autor auch ist, die Geschichte der Kunstform und ihrer Vorgänger ist immer noch den Mythologisierenden ausgeliefert. Aber THAG liefert eine ganze Geschichte mit Details, die bis in die Vergangenheit bis zur Jahrhundertwende zurückreichen. Dem Leser werden nicht nur Kennzahlen und deren Werke zur Verfügung gestellt. Philadelphia ist die erste Stadt, über die diskutiert wird, nicht New York City, wie manche erwarten würden. KILROY und CORNBREAD sind die ersten Namen, die als Pioniere in Philadelphia in Erinnerung bleiben.

Während die Geschichte von New Yorker Graffiti zusammen mit einer Erzählung der NYC-Politik erzählt wird, kreuzen sich Graffiti und Kommerz, während die 󈨊er zu Ende gehen. Zu diesem Zeitpunkt wurde Graffiti im ganzen Land eingeführt. Bemerkenswerte Figuren und Geschichten werden in den erwarteten urbanen Zentren wie Chicago, Los Angeles und Washington DC in den Vordergrund gerückt Albuquerque?

Während Gastman und Neelon innerhalb der sorgfältig ausgearbeiteten Erzählung von Stadt zu Stadt hüpfen, melden sie sich gelegentlich in NYC, um ein Status-Update zu geben, während sie einen ziemlich engen Zeitplan einhalten. Da Graffiti sich schließlich nach Europa, Australien, Brasilien usw. ausbreitet, werden Zeitschriften erstellt, die sich der Straßenkunst und Künstlern weltweit widmen. Um die Zeitachse von Graffiti in der gesamten Kunstszene von NYC zu kontextualisieren, wenden sie sich kurz Keith Haring und Jean Michel Basquiat zu, zwei Figuren, die inhaltlich gesehen die Lücke zwischen den Graffiti-Autoren und den Pop-Künstlern ihrer Zeit füllen . Die Erzählung der Autoren endet dort, wo sie begann – mit einem politischen Statement, das uns an die wichtige Rolle von Graffiti als Katalysator für sozialen und kulturellen Wandel erinnert.

Dies ist eine Zeit, in der Veränderungen über Generationen hinweg aufgrund des technologischen Fortschritts, der Auflösung einiger sozialer Sitten und der Schaffung neuer immer schneller erfolgen. Aufgrund der Geschwindigkeit dieser Veränderungen wird es immer wichtiger, wie und wann wir Jugendkultur kuratieren, dokumentieren und studieren. Obwohl andere Autoren den Weg geebnet haben, ist dies der erste von hoffentlich vielen kommenden Texten, die Mythen über diesen speziellen Teil der amerikanischen Jugendkultur zerstreuen werden. Es ist sicherlich eines der ersten, das die Art von Informationen und Analysen bietet, um diese Kunstform bequem in eine Struktur einzubetten, von der aus Studenten darüber unterrichtet werden können – ähnlich wie man den Surrealismus oder die Renaissance lernt.

Dies ist nicht nur ein weiteres Kaffeetischbuch, um Ihren Freunden und Ihrer Familie zu zeigen, dass Sie „coole Sachen“ in abstrakter Form mögen. Dieses Buch sollte synchron mit Büchern über Stadtplanung, Architektur, Hip-Hop, Public Policy, Politik, Kunst, Soziologie, Wirtschaft gelesen werden, und die Liste könnte noch weiter gehen. Es ist ein zentrales Angebot, das den Annalen der amerikanischen Geschichte einen weiteren bisher unbekannten Eintrag hinzufügt.


‘American Graffiti’: Ein emotional liebevoller Blick auf Amerika vor dem kollektiven Verlust der Unschuld

Wir haben immer den Slogan von George Lucas gefunden’ Amerikanische Graffiti, die nostalgische Geschichte, jung und unschuldig in einer kleinen Stadt im mittleren Westen Amerikas zu sein, um ein bisschen neugierig zu sein. Warum haben Lucas und seine Leute die Worte "Wo warst du in 󈨂" gewählt, wenn der Film 1973 herauskam? Es waren nur 11 Jahre vergangen, was geschah in diesem bestimmten Zeitrahmen, um ’62 wie vergessene Geschichte erscheinen zu lassen? Warum ist das Jahr bedeutsam, welche Ereignisse könnten geschehen sein, damit das Jahr so ​​heraussticht? Die Antwort lautet: Es ist nichts passiert. Aber die Ereignisse, die darauf folgten, veränderten Amerika und die Welt für immer, und im kollektiven Gedächtnis des amerikanischen Volkes blieb 1962 eine friedliche, unschuldige, ungetrübte Zeit, auf die sie mit Liebe, Nostalgie und Trauer in ihren Herzen zurückblicken konnten. An einem schrecklichen Novembernachmittag im Jahr 1963 wurde Präsident Kennedy während der berüchtigten Autokolonne von Dallas ermordet, was auch den Verlust aller Hoffnungen auf einen Abzug der Vereinigten Staaten aus Vietnam bedeutete. Der blutige Konflikt im Fernen Osten ging weiter, die Regierung gab weiterhin Milliarden aus, um eine militärische Konfrontation zu finanzieren, die von Anfang an zum Scheitern verurteilt war, Amerikaner kamen weiterhin in Holzkisten zu ihren Familien zurück. 1968 traumatisierten die Morde an Martin Luther King, Jr. und Bobby Kennedy die amerikanische Gesellschaft weiter. Die Bürgerrechtsbewegung, die sexuelle Revolution, die Frauenbefreiung und die amerikanische Kultur erlebten einen Schock, das Vertrauen der Menschen in ihre demokratisch gewählten Führer begann in Angst, Wut und Paranoia zu bröckeln, die Gesellschaft litt unter Zerfall und Spaltung, und alle Eine einzelne Person verlor ihre Unschuld und wurde mit den harten Umständen politischer und sozialer Unruhen konfrontiert, die das Jahr 62 in einigen Jahrhunderten erscheinen ließen.

Es ist dieses Gefühl, das Lucas’ Film so gut nachahmt. Halbautobiografisch und offen sentimental, Amerikanische Graffiti ist der Liebesbrief, den Lucas an seine Jugend geschrieben hat, sowie an die Jugend von Millionen seiner Landsleute. Für alle von uns, die nicht die Gelegenheit hatten, sich an faulen Abenden in Kleinstädten in den USA zu betrinken, herumzureiten und Mädchen zu jagen, Amerikanische Graffiti ist ein historisches Dokument, ein Stück Fiktion, das stark genug ist, um den emotionalen Zustand der naiven Jugend vor den traumatischen Shitstorms der 1960er Jahre zum Leben zu erwecken. Geschrieben von George Lucas, Gloria Katz und Willard Huyck, produziert vom großen Francis Ford Coppola, mit einer Gruppe von Schauspielern, die in den Jahren unmittelbar nach der Veröffentlichung dieses Films ihre Karriere aufbauen sollten, Amerikanische Graffiti ist ein filmisches Unterfangen, dessen Stärke und Bedeutung die einfache Tatsache, dass das Projekt Lucas bei der Finanzierung seines Projekts half, bei weitem übertraf Krieg der Sterne ein Traum wird wahr. Es war ein Kassenschlager, sicher, aber die Erinnerung an seine finanziell beeindruckenden Zahlen verblasst, während das nostalgische Gefühl und die sichtbare Liebe und Leidenschaft, die Lucas in dieses Projekt gesteckt hat, bleiben. Amerikanische Graffiti ist ein monumentaler Film für die amerikanische Geschichte und Kultur.

Ein monumental bedeutendes Drehbuch. Drehbuchautor muss man gelesen haben: George Lucas, Gloria Katz & Willard Huycks ​​Drehbuch für Amerikanische Graffiti [PDF]. (HINWEIS: Nur für Bildungs- und Forschungszwecke). Die DVD/Blu-ray des Films ist bei Amazon und anderen Online-Händlern erhältlich. Absolut unsere höchste Empfehlung.

Als ich es tat Amerikanische Graffiti Ich kämpfte immer noch mit meinem ‘Ich will kein Schriftsteller sein’-Syndrom. Ich hatte ein paar gute Freunde von mir, die das Drehbuch schreiben wollten, aber ich brauchte zwei Jahre, um das Geld für ein Drehbuch zu bekommen. Und ich bekam einen kleinen Geldbetrag und – den ich eigentlich zu den Filmfestspielen in Cannes gehen musste, um alleine zu kommen. Endlich habe ich dieses Geld. Ich rief zurück und sagte: „Ich habe das Geld. Wir können mit der Arbeit am Drehbuch beginnen.” Und sie sagten: “Oh, das wollen wir jetzt nicht machen. Wir haben unser eigenes Low-Budget-Bild auf den Weg gebracht und können es nicht schreiben.” Ich sagte: “Oh nein.” Ich sagte: “Was soll ich tun? Ich bin in Europa und werde für ungefähr drei Monate nicht zurück sein und ich möchte dieses Ding auf den Weg bringen.” Also empfahlen sie einen anderen Schüler aus der Schule, den ich ziemlich gut kannte. Ich hatte eine Story-Behandlung, die die gesamte Geschichte Szene für Szene auslegte, also rief ich ihn von London aus an und sagte: “Willst du das machen?” Und er sagte: “Okay. 8221 Die Person, mit der ich damals als Produzent zusammenarbeitete, machte mit ihm einen Deal für das ganze Geld, weil es nicht viel gab. Es war so winzig, dass er ihn nur für den ganzen Geldbetrag dazu bringen konnte. Als ich aus England zurückkam, war das Drehbuch ein ganz anderes Drehbuch als die Story-Behandlung. Es war eher wie Hot Rods in die Hölle. Es war sehr fantasiehaft, mit Hühnchenspielen und Dingen, die Kinder nicht wirklich machten. Ich wollte etwas, das mehr so ​​war, wie ich aufgewachsen bin. Also nahm ich das und sagte: “Okay. Jetzt bin ich hier. Ich habe einen Deal, um ein Drehbuch einzureichen. Ich habe ein Drehbuch, das einfach nicht die Art von Drehbuch ist, die ich will, und ich habe kein Geld.” Und ich habe das letzte Geld, das ich gespart hatte, ausgegeben, um nach Europa zu gehen, um den Deal zu machen, also habe ich hatte nichts. Das war eine sehr dunkle Zeit für mich, also habe ich mich hingesetzt und das Drehbuch geschrieben.

Nachdem ich es getan habe Amerikanische Graffiti, und es war erfolgreich, es war ein großer Moment für mich, weil ich mich wirklich hingesetzt und gesagt habe: “Okay, jetzt bin ich Regisseur. Jetzt weiß ich, dass ich einen Job bekommen kann. Ich kann in dieser Branche arbeiten und mein Handwerk anwenden, meine Ideen zu Dingen ausdrücken und kreativ sein, so wie es mir Spaß macht. Auch wenn ich am Ende TV-Werbespots oder so mache oder in das zurückfalle, was ich wirklich liebe, sind Dokumentarfilme. Ich werde es schaffen. Ich weiß, dass ich irgendwo einen Job bekommen kann. Ich weiß, dass ich irgendwo Geld sammeln kann. Ich weiß, dass ich tun kann, was ich will.” Das war ein sehr gutes Gefühl. An diesem Punkt habe ich es geschafft. Es gab nichts in meinem Leben, das mich davon abhalten würde, Filme zu machen. —George Lucas Interview, Academy of Achievement


„Dies ist eine sehr informative Dokumentation mit vielen Interviews und anderem Filmmaterial der Besetzung und Crew des Films. Jeder echte Fan des Films sollte von dem, was hier zu sehen ist, begeistert sein. Das dauert 78 Minuten, mehr als genug Zeit, um viele Aspekte des Films zu erklären, von Lucas' erster Konzeption bis zu seinem Kinostart.“ —Rhyl Donnelly/IMDb


George Lucas spricht über die Entstehung seines Films Amerikanische Graffiti wie der Film das Publikum in den frühen 1970er Jahren beeinflusste und über seine Freundschaft und Arbeitsbeziehung mit Francis Ford Coppola.


Ein Vermächtnis von Filmemachern: Die frühen Jahre des amerikanischen Zoetrope, erzählt von Richard Dreyfuss, beleuchtet die Entstehung von Francis Ford Coppolas wegweisender San Franciscoer Filmfirma American Zoetrope, die vor dem Hintergrund der sich verändernden Landschaft des amerikanischen Kinos in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren steht.


Hier sind mehrere Fotos, die während der Produktion von George Lucas ’ hinter den Kulissen aufgenommen wurden Amerikanische Graffiti. Fotografiert von Paul Ryan & Dennis Stock (Magnum Photos) © Lucasfilm Ltd. Nur für den redaktionellen Gebrauch bestimmt. Alle Materialien nur für Bildungs- und nichtkommerzielle Zwecke.


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Für das Modelljahr 1956 wurde mehr Kofferraum eingebaut, das Reserverad lag außen, die Auspuffblenden wurden verschoben und hinter dem Vorderrad wurden Luftöffnungen angebracht. Die Produktion für dieses Jahr betrug 15.631 Einheiten. Welches war das niedrigste aller drei zweisitzigen Thunderbird-Jahre.

Dieses Auto wurde im Film von Richard Dreyfuss gefahren, begleitet von Suzanne Somers, die auf dem Beifahrersitz faulenzte. Das Auto war 30 Jahre lang im Besitz von Clay und May Daily und wurde dem Film zur Produktion ausgeliehen.

Das Auto steht immer noch in Petaluma, wo der Film gedreht wurde. Ursprünglich rot gestrichen, wurde es Ende der 1960er Jahre von den Besitzern weiß gestrichen, so wie es heute ist. Leider ist das ikonische Rot, das wir im Film sehen, nicht mehr vorhanden.


Die Geschichte der amerikanischen Graffiti

Boston hat einen besonderen Platz in der Graffiti-Geschichte – und das nicht nur, weil einer unserer frühen Vandalen, Popeye, Jordan Knight of the New Kids on the Block war.

Obwohl sie absolut von New York beeinflusst sind, waren die erhabenen Bomber des Bay State immer eine eigene Rasse und ein Produkt der Landschaft hier. Vor dreißig Jahren begaben sich Bostoner Schriftsteller der ersten Generation zu Zügen und Mauern, um den latenten Rassenkrieg auszufechten, der sich immer noch aus der Schulbuskrise zusammenbraut. Jahre später nimmt ihr Schützling Boston einen besonderen Platz in der Graffiti-Geschichte ein – und das nicht nur, weil einer unserer frühen Vandalen, Popeye, Jordan Knight of the New Kids on the Block war.

Obwohl sie absolut von New York beeinflusst waren, waren die erhabenen Bomber des Bay State immer eine eigene Rasse und ein Produkt der Landschaft hier. Vor dreißig Jahren begaben sich Bostons Schriftsteller der ersten Generation zu Zügen und Mauern, um den latenten Rassenkrieg auszufechten, der sich noch immer aus der Schulbuskrise zusammenbraut. Jahre später waren ihre Schützlinge Skateboarder, Hardcore-Kids und Anarcho-Punks – im Gegensatz zu Taggern an anderen Orten, die Farbdosen zu Boom-Bap-Basslinien schüttelten.

Bostons geschichtsträchtige Jahre des schönen Verfalls werden im neuen Street-Art-Meisterwerk The History of American Graffiti farbenfroh hervorgehoben. Kein Wunder, dass Co-Autor Caleb Neelon ein in Boston geborener, in Cambridge lebender Globetrotter ist, der als Sonik Wände auf der ganzen Welt besprüht hat. Während er zwei der umfassendsten Berichte über Betondekore kuratierte, die jemals produziert wurden – die epische internationale Guerilla-Kunst-Umfrage Street World und jetzt American Graffiti – hat er eine Fülle von Erkenntnissen über die Region gesammelt, die er sein Zuhause nennt.

Im ersten von zwei Bostoner Kapiteln malt American Graffiti die Bohne als Brutstätte rassistischer Spannungen und als fruchtbaren Nährboden für abtrünnige Aktivitäten. Die ersten produktiven Graf-Kids, die hauptsächlich aus schwarzen und lateinamerikanischen Taschen wie Jamaica Plain und Mattapan kamen, wurden in den frühen 1980er Jahren aktiv, um Hassreden zu überschreiben, die in den Red Line-Zügen, die durch Dorchester und Southie fuhren, gekritzelt wurden. Mitte des Jahrzehnts waren Ikonen wie Click und Maze so sichtbar wie alle Rassenbezeichnungen, die seit den 1970er Jahren Autos und Plattformen bedeckten.

Während die Bombardierung der Roten Linie im Namen der sozialen Gerechtigkeit die Zündschnur entzündete, wurde Boston rund um die erhöhte Orange Line, die auf der Washington Street von der Innenstadt nach Forest Hills verlief, besonders bunt und schnitt durch verschiedene und heruntergekommene Viertel wie Mission Hill, wo eine Reihe von frühen Schriftsteller hängten ihre Aerosolkappen auf. Aber als die Gestelle der Orange Line Ende der 1980er Jahre abgebaut wurden, verschwanden mit ihnen die Jahre harter Arbeit und Requisiten.

"Das Ende der alten Schule in Boston kann man auf den 4. April 1987 datieren", sagt Neelon. „Nachdem die Hochbahn heruntergefahren war, war keines der Dachteile mehr zu sehen. Diese Geschichte war so vielen Menschen so viele Jahre verborgen – deshalb kam die alte Schule von Boston nie in Büchern auf.“

Glücklicherweise gab es Underground-Magazine wie Skills, die der Queens-Autor Sp.One – mit einem Freund, der bei Copy Cop in der Nachtschicht arbeitete – ins Leben gerufen hatte, nachdem er Anfang der 1990er Jahre nach Boston gezogen war. Zusammen mit Wombat, Ryze und einer Reihe von Punk-Show-Stammgästen aus Boston und der aufstrebenden Szene in Lynn half Sp.One dabei, eine lokale Kultur, die weitgehend abgefallen war, zu verjüngen.

"Wenn ich zurückblicke, gab es definitiv andere Dinge bei dem, was hier passierte", sagt Sp.One dem Phönix. "An anderen Orten waren viele Leute mehr in der Hip-Hop-Szene. Hier hörten die meisten von uns Hardcore und gingen zu Shows im Rat."

Neelons American Graffiti skizziert diese Renaissance der zweiten Epoche als eine aktivistische Operation mit einer tiefen intellektuellen Neigung. Grafengetreue stehen überall mit Sympathie für revolutionäre Ideen, aber an Orten wie dem Harvard Square, wo bahnbrechende Schriftsteller wie Wombat Brot brachen und schwarze Bücher füllten, war das Klima besonders radikal.

Was die künstlerische Integrität angeht, versuchten Bostoner Schriftsteller in den 1990er Jahren, alle Grenzen zu überschreiten – Ryze nahm sogar am Cambridge Centre for Adult Education Unterricht in keltischer Schrift. Zur gleichen Zeit, während viele Schriftsteller anderswo wahllos zu bombardieren begannen – und so viel Immobilien wie möglich mit schnellen, farblosen „Kotzen“ trafen – blieb das Commonwealth eine wettbewerbsfähige Leinwand.

"Ich war schon immer jemand, der Stücke machen konnte", fährt Sp.One fort, "aber in New York habe ich mehr Autobahnen und Züge gemacht ... Boston bedeutete für mich mehr Produktionen und buntere Stücke."

Rückblickend betrachtet war die Bostoner Crew auf dem Planeten Krylon – vor allem zu ihrer Zeit – fast anomal, doch ihr Vermächtnis bleibt lebenswichtig.


Amerikanisches Graffiti-Coupé

Der bekannteste Hot Rod der Welt hat noch nie einen großen Show-Award gewonnen und auch keine Top-Speed-Rekorde auf den Trockenseen oder auf den Asphaltschleifen aufgestellt. Tatsächlich wurde der bekannteste Hot Rod der Welt nicht von einem namhaften Hersteller gebaut, und die Summe der Teile des Autos ähnelt dem Baublatt, das Sie normalerweise auf jedem unscheinbaren Hinterhof-Hot Rod finden würden. Trotzdem ist der bekannteste Hot Rod der Welt genau das. Sie kennen es vielleicht als das amerikanische Graffiti-Coupé.

Wenn jemand auf dieses 32er-Fünffenster Bezug nimmt, überkommt ihn oft auch eine Welle der Nostalgie, denn das American Graffiti-Coupé verdankt seine Existenz dem George Lucas-Film American Graffiti, der auf High-School-Erinnerungen aus den 50er Jahren spielte und Anfang der 60er Jahre. In Wahrheit wurde der knallgelbe Ford ursprünglich nur als weitere Requisite für den Kultfilm von 1973 gebaut. Es sollte kein Festzeltstar werden, aber mit der Popularität des Films wuchs auch die des Coupés. Schließlich wurde das Auto, zum großen Teil dank der Automobilpresse, als amerikanisches Graffiti-Coupé bekannt, und jetzt assoziieren die Leute es mit dem coolen Charakter, der es im Film fuhr, John Milner, dargestellt von Schauspieler Paul LeMat.

Tatsächlich teilen sich LeMat – auch bekannt als John Milner – und das Coupé eine ähnliche Popularität unter amerikanischen Graffiti-Fans, bis man das eine ohne das andere kaum unterscheiden kann. Was passend ist, denn als ich im Frühjahr 2000 auf der Viva Las Vegas Car Show das amerikanische Graffiti-Coupé traf, war LeMat zufällig auch anwesend und verantwortlich. Dies war eine von vielen Autoshows und Veranstaltungen, an denen das Duo zusammen mit dem Besitzer des Coupés Rick Figari in den letzten Jahren teilgenommen hat.

Da sich der Film so stark auf die Straßenszene der frühen 60er Jahre konzentrierte, war es wichtig, dass die Autos, die im Film von den Teenager-Charakteren gefahren werden, die gleichen coolen Looks aufweisen, die typischerweise mit Hot Rods und Tail-Draggern dieser Zeit verbunden sind. Lucas selbst, der als Teenager im Central Valley lebte, wo das Drama des Films spielt, war als Hot Rod maßgeblich an der Entstehung des berühmten Coupés beteiligt. Anscheinend haben er und der Filmproduzent Gary Kurtz eine Liste potenzieller Autokandidaten auf das Coupé zusammengestellt und ihre Auswahl schließlich auf dem gehackten Verdeck des Coupés basiert. Henry Travers, der Transportmanager des Films, erhielt dann die beneidenswerte Aufgabe, den Aufbau des Autos zu einem echten Hot Rod zu überwachen.

Praktisch alle Dreharbeiten fanden in Nordkalifornien statt. Daher war es logisch, einen Laden in der Umgebung für den eigentlichen Wiederaufbau des Autos zu wählen, das physisch intakt war, aber angepasst und fertig gestellt und mechanisch befestigt werden musste, um es zum Laufen zu bringen. So Travers trailered the car north to Bob Hamilton's shop in Ignacio for the conversion. Lucas wanted a highboy with bobbed rear fenders to emphasize the fender laws that hot rodders continually confronted 40 years ago. Additional re-construction included addition of motorcycle front fenders and aluminum headlight stanchions, and chrome plating for the dropped I-beam solid axle. The Deuce grille and shell were sectioned a few inches, and then the car was put back on the trailer and taken to Orlandi's body shop in nearby San Rafael for its coat of Canary Yellow lacquer paint. The interior--originally red and white tuck 'n' roll Naugahyde--was dyed black.

To maintain the persona of a bad-boy hot rod, Lucas and Kurtz stipulated that the engine should be loud and ragged-looking. Starting with a mid-'60s Chevrolet 327 small-block, Johnny Franklin's shop filled the bill using some interesting components. The four-pot intake manifold is a rather rare Man-A-Fre that holds a quartet of Rochester 2G two-barrel carbs, and a pair of finned no-name valve covers were set atop the camel-hump cylinder heads. It's been reported, too, that Lucas defined how the exhaust headers should look, stipulating a pair of Sprint race car-style pipes to emphasize the car's bold appearance. The remainder of the drivetrain included a Super T-10 four-speed transmission and a set of 4.11:1 gears in the '57 Chevrolet rearend.

Then it was off to the film location where Paul LeMat, in the guise of John Milner, went about making hot rod history on the big screen. Special removable platforms were engineered and fitted to the framerails for camera crew members to ride during the close-up filming for the street cruising scenes in Petaluma, California. Those scenes allowed for close-ups of McKenzie Phillips, who portrayed the prissy young girl that Milner was stuck "babysitting" through the movie's entirety, and LeMat, as they sat in the cab.

The film's climax, of course, is the famous drag race scene near the end of the movie. In that scene Milner squares off against the bad-to-the-bone black '55 Chevrolet driven by street racer Bob Falfa, portrayed by Harrison Ford. A piece of movie trivia here: LeMat didn't drive the car down Paradise Road for the film's race sequence. Instead, Henry Travers was at the wheel, and the film crew had a very brief window period--about 10 minutes--to do the actual filming in order to maintain the same sunrise lighting throughout the scene. Travers obviously got it right, and the scene went smoothly, although the '55 refused to roll over for the grand finale crash, so the film crew had to physically roll the car on its side for the shot!

As for the coupe's future, when the film was put in the can and presented to Universal Studios for distribution, it's felt that fate intervened to save the car for posterity. According to legend, Universal's marketing team concluded early that American Graffiti would be a financial flop, and to recoup their projected loses they ordered Travers to sell the Deuce coupe immediately. The asking price was $1,500, but there were no takers. Good thing for Universal's promotion department, because when the movie was released it proved an instant hit, prompting the ever-resourceful marketing department to bring the '32 five-window back home, to be used as a promotional tool.

During its tenure in the promotion department the car was sub-contracted for a cameo role in another famous hot rod movie, The California Kid. The coupe appeared in two major scenes--one included the speedometer shot using the American Graffiti coupe's gauge in lieu of The California Kid's instrument for the close up. Ditto for the alleged engine shot the coupe's engine doubled for the Kid's. That's Hollywood.

Its mission finished on both fronts, the car sat on the Universal Studios lot for the next six years until the same clairvoyant marketing department felt that the time was ripe for a sequel. Thus was born More American Graffiti, and Milner's hot rod was sent back to Orlandi's shop for a minor facelift, including a new paint job same color, different paint, this time acrylic enamel.

As sequels usually go, More American Graffiti was a flop (once again the marketing gurus got it wrong!), so Universal felt it was time to retire the old warhorse once and for all. The occasion was highlighted by a sealed-bid auction, won by Steve Fitch who had previously acquired rights to the movie's black '55 Chevy. A couple years later, after persistent offers by a young die-hard American Graffiti fan named Rick Figari, the car changed owners again. It turns out that ever since Figari as a boy of eight-years-old saw the movie, he had been infatuated with the coupe. When Fitch made it available for sale in 1985, the young man from San Francisco, California, had the dough. Figari was only 20 years old at the time, and his acquisition probably assured that the coupe would be preserved as the American Graffiti coupe for years to come. Among the first orders of business was to contract Roy Brizio's shop in South San Francisco to make the car roadworthy again.

Indeed, Figari spent the next few years actually driving the car, and it became a fixture in the Bay Area street rod scene. That is, until Figari, who owns and operates his own saloon in the city, concluded that the car's special historical and financial significance justified it as more than just a daily driver. And so, once again, the American Graffiti coupe was parked, this time in honor of its heritage.


'American Graffiti' opens - HISTORY

One of the first people I ever talked to about American Graffiti and the details on Milner's Coupe was Rick Blevins out of Kansas. Rick and I would swap what little bit of knowledge we had at the time. We pushed each other forward on the Graffiti quest. Constantly comparing notes about the real car.

After reading and article in an old hot rod magazine I figured for the best place for correct coupe information was to go to the source. I started digging to find the man who bought the coupe from Universal Studio's. I figured if anyone could answer coupe questions correctly it would be him. I turned up a name and number. Steve Fitch. Oddly enough he like Rick was also located in Kansas. Rick took the helm and pushed the buttons to make the Fitch connection. This contact opened a door to the star cars circa 1981-84

Steve could not have been any nicer. Providing what facts he could remember over the phone. Rick being the tenacious graffiti fan that he is did it one better and as a birthday present to himself he loaded up and went to visit Mr Fitch in person. Rick said he had a great time. During that visit Steve dug out an old photo album and shared these pictures with Mr Blevins.

Steve bought the 1932 Ford 5 window Coupe better know as "Milner's Coupe" on August 19 1981.

The Coupe had one missing tail lens and the other lens was melted. It is nice to see the wooden platform that Lucas had installed over the gas tank so that the sound guy would have something to perch on is still there. Steve said the tank in the coupe looked like a 60's external fuel tank or possibly homemade? He said it only held about 7 gallons and it was painted red and white.

I wonder if that was done for safety or to match the coupe's color scheme at an earlier point in it's life. Remember this was not always a movie prop. From the looks of the underside of the car and it's oddball mix of parts it lived a full life in it's first 40 years.

Always questioning the 32's pedigree. I was able to locate Gary Kurtz'sKurtz said he thought they had purchased the deuce out of Compton California in 1970/71.

Anyone remember a red full fendered 5 window coupe in that area. Gib mir Bescheid.

Steve and Mark Seligh freshened the motor that had filled with water while on display outside at Universal. Mr Fitch spared no expense to save the original block and heads on the "Bitchiness Car In The Valley". Steve ran air filters instead of the carb scoops.They are not Movie Correct but I can't fault him for that. They are a nice upgrade and since two of the originals scoops were already missing this seems like the best option.

Steve said the original carburetors were froze so he installed a different quartet of Rochester 2GC's. Don't worry Steve did not scrap the originals. They went into the trunk the day the coupe sold so as to not to split up the originals from their home.

I questioned Steve about some of the facts given in the 1984 issue of Hot Rodding. Steve talks about the work it took to save the original 1966 327 block. He said it took a .060 overbore to clean the cylinder walls. Then he mentions the lift and duration of the cam? I ask him how do you know this?? Thinking did he measure the camshaft. Steve giggles and says no I know the spec's because that is the camshaft I bought for it. Fitch said the cam that had came out of the motor appeared to be stock and nothing special.

The early (pre 1981) magazines always described the coupe as having a 283. Fitch confirms that in 81 when he bought the car it had a 327. OK no biggie it's all small block easy mistake to make. Even I can't see cubes. From recent facts and pictures shared with me looks like the early reports were wrong. Milner's Coupe is still twisting the same mill it had during filming. 327. 327. 327. That's for the guys who just scan the article for facts! 327. Oh and it's Borg Warner T-10 NOT a Super T-10.

To quote Poster: Graeme Oliver
"Steve Fitch of Wichita, Kansas, owned the Graffiti cars back in the 80's, and sent me this photo.
After he had done a rebuild on Milner's coupe, he sent me one of the original tappet-cover studs from the engine. In hot rodding terms, this is like having a holy relic and I keep it in a glass case in my living room."

I thought that was a really cool story when I read it. I often wondered if they were friends or if the guy was just lucky? Thanks to a bunch of HAMBers I found out that Steve spent hours of his time to answer the countless envelopes that jammed his mailbox once graffiti fans found out that he owned the cars. Here are a few of the personal story's I was giving the green light to share.

Marty Graffiti
"Here's the two pics Steve sent me back in the 80's, actually he sent a postcard with the pics thanking me for my interest"

Seeing these pictures. I think I can smell leaded fuel. JH

Danny's Graffiti
I was in Wichita back in the late 80's with a buddy of mine (Mike aka Coop), cruising around in his 70 440+6 roadrunner. We happened into a parts store and a really cool guy strikes up a conversation. Here we are talking to Steve Fitch! He tells us to follow him to his house where he proceeds to show us these pics, he had just recently sold the cars. (said the 55 would've easily won the race by the way!Lol) He tells us to follow him on foot around the corner from his house and there thru the windows of a garage of a buddy of his is the black and gold car from W.W. and the Dixie dance kings! His buddy wasn't home so we didn't get in the garage but what a day! The 6 pack tended to leave a little "residue" on the back bumper of my buddies runner so when we leave town to head back home he writes in the soot "I JUST MET STEVE FITCH". It was a while before he washed that bumper! Steve is a VERY cool guy! Memories!

I know Rick can't agree more.

So what does he find. The last remaining pieces of the coupe that Steve had. The original spark plug wire holders and two bolts from the grill shell with some of Don Orlandi's special yellow sauce still on them. Rick told Steve I must have them. Steve being the kind of guy he is told Rick "Happy Birthday". In a later conversation with Steve I informed him that I had a birthday coming up Steve said Jeff sorry but Rick had gotten all that he had left.

Keeping up that good Graffiti karma Rick split his score with his long time friend Doug "The Guru" Bjorn (no relation to Anna Bjorn you know Milner's girl friend in More American Graffiti)
Rick and Doug are true Graffiti brothers that usually have something in the works over at their web site http://www.projectthx138.com/

While talking to Steve I asked him about some of the story's I had heard and read over the years. One of them being the one about the Licence plates and chrome piston gear shift knob being found behind a panel in the coupe. Steve assured me that he had been through the car with a fine tooth comb. He said that the only thing he found behind any of the panels was in the passengers door. He said he found a For Sale sign and a bumper sticker from American Graffiti.

The for sale sign had a phone number. Seizing this enchanted moment Steve called the number on the sign. Unfortunately he said there was no answer or that the number was out of service. Lots of guys would like to know the cars history before it became a film icon. "A lot of guys try" "Seems like there is more now than there has ever been" For now it remains a mystery.

Years after that conversation with Fitch. I was on one of my many Graffiti quests and I found this picture that may explain where that bumper sticker in the passengers door came from. Jeff


The Extreme Sadness of American Graffiti

When you think of the 1970’s classic American Graffiti, what comes to mind? Crazy kids out all night having a good time? Bittersweet nostalgia? A cinematic precursor to televisions Happy Days? So did I. That is until I caught a recent screening via Cinemark’s Reel Classics series.

It wasn’t until then that I realized just how sad and depressing of a movie American Graffiti really is. Oh sure, there’s some fun to be had here and there with a group of teenagers out all night cruising in 1962 Modesto, CA. When it’s over though, there is no denying that this one depressing experience.

Gee, this sure LOOKS like it’s gonna be fun.

The movie focuses on four young friends the night before two of them are about to depart for out-of-state college. Our first graduate is Steve (Ron Howard). When the movie opens Steve is eager to leave town. Staying in Modesto mean living a very boring and dull life to him, so here is his chance to go and he’s not letting it slip by. One problem for Steve is his longtime girlfriend Laurie (Cindy Williams). He wants to be able to see other girls in college and he breaks it to her which naturally doesn’t go well. Steve spends the rest of the movie in relationship hell trying to patch things up with her. In the end, Steve decides NOT to go. He tells the guys he’s going to wait a year and then head out so he can be with Laurie. That wouldn’t be too terrible except the movie’s epilogue tells us how Steve is now an insurance agent…in Modesto. So he never left. He was browbeaten in that last night and gave up on his dreams. Nice.

Next up we have Toad (Charles Martin Smith). Toad is the youngest in the group and a huge nerd. He spends the movie trying to impress a girl he picked up (Candy Clark) and gets into all sorts of nonsense along the way. Toad’s story is definitely the funniest and at the end his girl tells him she’d love to see him again. This is a win, right? Things aren’t looking so bad. Then that epilogue pops up. What happened to loveable Toad? He was reported missing in action near An Loc in 1965.

The oldest and saddest of the group is hot rodder John Milner (Paul Le Mat). Milner has graduated already by at least a year and is still cruising around Modesto looking for chicks. He’s got a rep for being the best drag racer in town, a title Milner seems to feel a little sheepish about. He’s aware that he’s getting older and going no where. He can sense his own meaningless existence more than he’d like to admit. Milner spends the movie stuck with a teenybopper in his car who won’t leave (Mackenzie Phillips). Some fun times abound. Meanwhile, an outsider with fast ride of his own (Harrison Ford) is looking to challenge him. In the end Milner wins the inevitable showdown but feels like he’s lost. The whole Milner story is soaked in melancholy but that’s not enough. The post epilogue informs us that Milner was killed by a drunk driver in 1964. Yeah, that’s right, he’s dead. Just like Toad probably is.

Last we have Curt (Richard Dreyfuss). At the opening of the movie he isn’t sure about leaving for college. Maybe he should play it safe and stay in town for a year or two. Take some time off. Go to a junior college. His night is spent looking for a blonde in a white Thunderbird he sees at the beginning of his picture. He thinks she says “I love you,” to him (though he can’t be sure) and that’s enough to change his entire life. Fair enough, as it would change mine too. Curt’s story is my personal favorite and after a night of hanging out with local street toughs, The Pharaohs, he decides to head off to college. That’s right, Curt gets on the plane at the end takes a chance on life! Finally, a win right? Schon fast. We find out in the epilogue that Curt is now a writer living in Canada. Whaaat? The writer part is great, but what’s up with Canada? Well, let’s do some deductive reasoning here. American Graffiti is released in 1973. The movie takes place in 1962. So why would you go to Canada in between those years? Maybe if you were trying to avoid going to Vietnam? I don’t think it’s crazy to think that Curt is a draft dodger, writing it up in Toronto or Moose Jaw somewhere.

Even the idea of setting the movie in 1962 is sad. It could be the 50’s based on the way the movie looks and feels. I do think there’s a very specific reason for choosing 1962 for the setting. Writer-director George Lucas knows that in 1963 US President John F. Kennedy is killed and Camelot goes with him. After that tragic moment the 60’s start to change and soon hippies and Vietnam will rule the day. Setting it in 1962 not only shows the main characters on their last night of supposed innocence, but also that of the United States as well.

I’m not saying that American Graffiti is bad a movie by any stretch here. It’s very good. It’s just that it is also very, very sad.

For more Hollywood history check out my documentary podcast The Industry here. Vielen Dank!


Schau das Video: The Most Perfect Dazzling Creature Ever - American Graffiti 110 Movie CLIP 1973 HD


Bemerkungen:

  1. Faegar

    Sie begehen einen Fehler. Lassen Sie uns darüber diskutieren. Schreiben Sie mir in PM.

  2. Kijas

    Was für ein Glück!

  3. Matsushita

    Seien wir vorsichtig.

  4. Cenehard

    Ich empfehle Ihnen, Google.com zu durchsuchen



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