Kunst und Kultur im mittelalterlichen Japan

Kunst und Kultur im mittelalterlichen Japan


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Diese Aktivität wurde für einen 30-minütigen Slot für Ihre Klasse entwickelt und eignet sich sowohl für den Online- als auch für den Präsenzunterricht sowie für den Heimunterricht.

Die Schüler müssen drei Artikel (auch als Audioformat erhältlich) über die drei Epochen des mittelalterlichen Japans lesen und eine Tabelle ausfüllen, um Informationen über Kunst und Kultur, Architektur sowie Einflussfaktoren und Menschen für jede Epoche gegenüberzustellen und zu vergleichen.

Diese Aktivität ist Teil des Kunst- und Kulturunterrichts in unserem Feudal-Japan-Paket, in dem Sie Folgendes finden:

  • Vollständige Unterrichtspläne mit Lehreranweisungen (Word & PDF)
  • Multiple-Choice-Quizfragen (Excel)
  • Glossar mit Schlüsselwörtern und Konzepten (Excel)
  • Offene Fragen, anpassbar für Debatten, Präsentationen und Aufsätze (Word & PDF)
  • Empfohlene Ressourcen, um Ihnen und Ihren Schülern eine umfassende Liste vertrauenswürdiger Referenzen zum Thema bereitzustellen. Es umfasst alle Medientypen: Videos, Texte, Primärressourcen, Karten, Podcasts, 3D-Modelle usw. (Word & PDF)

Unser Unterrichtspaket Feudales Japan behandelt die folgenden Themen:

  • Regierung und Kriegsführung
  • Alltag und soziale Struktur
  • Bedeutung der Geographie
  • Kunst und Kultur

Wenn Sie es brauchen, schauen Sie sich unsere „Spickzettel“ an, um Ihren Schülern Tipps zum Verfassen eines großartigen Aufsatzes oder Werkzeuge, die Ihnen das Leben erleichtern, wie zum Beispiel Markierungsraster, zu geben.

Unsere Website ist eine gemeinnützige Organisation. Wenn Sie diese Ressource hilfreich fanden, spenden Sie bitte, damit wir mehr kostenlose Materialien erstellen können.


Japanische klassische Literatur (bis 1868)

Die ältesten erhaltenen literarischen Werke sind die Kojiki (Record of Ancient Matters, c.712) und die Nihon Shoki (Geschichtsbuch des alten Japan, c.720). Diese Werke der Geschichte und Mythologie erzählen von den Ursprüngen des japanischen Volkes und der Staatsbildung.

Während das Nihon Shoki fast ausschließlich auf Chinesisch geschrieben ist, wird das Kojiki auf Japanisch mit chinesischen Schriftzeichen geschrieben und ist bekannter. Die große Anthologie, bekannt als die Man'yoshu (Collection of Ten Thousand Leaves, c.770) enthält rund 4.500 Gedichte von Menschen aus allen Gesellschaftsschichten, vom Kaiser bis zum Bauern.

Es gibt zwei Hauptformen von Gedichten in der Anthologie, lange und kurze, von denen die Kurzform oder tanka, überlebt bis heute. Tanka besteht aus fünf Zeilen mit 5-7-5-7-7 Silben. Die wichtigste Stimmung in der Literatur dieser Zeit war persönliche Aufrichtigkeit.

Das Märchen Taketori Monogatari (The Tale of the Bamboo Cutter), geschrieben im 9. Jahrhundert, gilt als Japans erster Roman. Es ist heute weithin bekannt als Kaguya-hime (Die Mondprinzessin) und ist in Kinderbüchern beliebt. Es erzählt die Geschichte eines alten Bambusschneiders, der eines Tages ein kleines Kind in einem Bambusstamm entdeckt. Er und seine Frau adoptieren sie und das Kind wächst in wenigen Monaten zu einer schönen Frau heran (so wie Bambus phänomenal schnell wächst). Sie zieht viele Freier an, darunter den Kaiser, stellt ihnen jedoch unmögliche Aufgaben, um ihre Hand zu gewinnen. Schließlich erklärt Kaguya-hime, dass sie in ihre Heimat – den Mond – zurückkehren wird. Der Kaiser schickt Tausende von Truppen, um sie aufzuhalten, aber sie entzieht sich ihnen und hinterlässt nur einen Brief. Der Kaiser lässt den Brief auf dem höchsten Berg des Landes verbrennen. Wie durch ein Wunder produziert der Brief weiterhin Rauch und der Berg wurde als Fuji bekannt, "der Unsterbliche".

Zweifellos war das früheste große Werk der Fiktion Genji Monogatari (Die Geschichte von Genji) geschrieben im Jahr 1010 von Murasaki Shikibu (links), eine Dame des Heian-Hofs (heute Kyoto). Es ist ein massiver Wälzer mit 54 Bänden, der von den romantischen Abenteuern von Adligen erzählt, im Mittelpunkt steht der Prinz Genji, der als ihre Version von Casanova oder Don Juan in die japanische Folklore eingegangen ist. Es bietet auch einen Einblick in das tägliche Leben der Höflinge des 10. und 11. Jahrhunderts, ebenso wie Makura-no-soshi (Das Kissenbuch) von Sei Shonagon, eine andere Frau des Gerichts.

Die Literatur der Heian-Zeit (794-1185) ist gekennzeichnet durch mono-no-aware, oder ein Gefühl der Verbundenheit mit der Natur und allen Dingen. Dieses Konzept gilt immer noch als zentral für die japanische Psyche, obwohl es bei den Japanern von heute nicht so leicht zu erkennen ist.

Fünf Jahrhunderte großer Umwälzungen und fast ständiger Kriege folgten der Schlacht von Dannoura im Jahr 1185, in der der herrschende Taira-Clan vom Minamoto-Clan (auch bekannt als Genji) besiegt wurde. Die Schlacht wurde zum Thema des berühmtesten Prosastücks der Zeit, der Heike Monogatari (The Tales of the Taira Clan, c.1220), dessen Autor unbekannt ist.

Die düstere und einsame Stimmung, die das Land einhüllte, spiegelt sich in der damaligen Literatur wider. Es wird oft mit dem Begriff Yugen (Geheimnis und Tiefe) beschrieben. Die wichtigsten Personen in der japanischen Gesellschaft während dieser Zeit, die die Zeit von Kamakura (1185-1333) und Muromachi (1333-1573) umfasste, waren die Samurai-Krieger, die ein Leben voller Taten führten, und die buddhistischen Priester, die ihre Tage verbrachten in stiller Betrachtung. Viele der großen Schriftsteller waren Priester.

Die Shin Kokin-shu (New Collection of Ancient and Modern Poems, 1205) ist eine der größten Lyrikanthologien aus dieser Zeit. Es wurde vom Dichter zusammengestellt Fujiwara Teika aber eine der Hauptfiguren ist der Priester Saigy. Eine zu dieser Zeit entwickelte Form der Poesie war Renga oder verbundene Gedichte. Drei oder mehr Dichter arbeiteten zusammen, um ein langes Gedicht zu komponieren. Die größten Renga-Meister, Sogi, Shohaku, und Socho, bildeten zusammen das berühmte Minase Sangin (Drei Dichter in Minase) im späten 15. Jahrhundert.

Nachdem der Frieden im Land unter der Tokugawa Shogunat, der von Edo (dem heutigen Tokio) aus regierte, entwickelten sich neue Kulturformen, als Japan über zwei Jahrhunderte von der Außenwelt abgeschottet war. Die Edo-Zeit (1600-1868) sah das Wachstum der Kaufmannsklasse und damit die Entwicklung einer erdigeren Art der Volkskultur.

Noch beliebte Beispiele sind Kabuki, Ukiyo-e (Holzschnitte von Schauspielern und Prostituierten) und Romane wie Koshoku Ichidai Otoko (Das Leben eines amourösen Mannes) und Koushoku Gonin Onna (Fünf Frauen, die Liebe liebten) von Ihara Saisaku. Diese Romane sind gleichermaßen derbe Geschichten über das Liebesleben und die finanziellen Machenschaften und Geschäfte der Handelsgesellschaft. Aber gleichzeitig entwickelte sich in der Edo-Zeit auch die poetische Form, die als die beste Errungenschaft der japanischen Literatur gilt - die Haiku.

Haiku, vielleicht am prägnantesten als die destillierte Essenz der Poesie beschrieben, sind 17-silbige Gedichte, deren Entwicklung stark vom zu dieser Zeit vorherrschenden Zen-Buddhismus beeinflusst wurde. Obwohl die derzeitige 5-7-5-Silbenstruktur und die obligatorische Verwendung von a Kigo (ein Wort zur Darstellung der Jahreszeit) wurden erst später in der Meiji-Zeit (1868-1912) eingeführt, der größte Vertreter des Haiku lebte in der Edo-Zeit.

Basho Matsuo (1644-94) war ein Zen-Laienpriester und seine Haiku sind oft Teil von Reisetagebüchern und wurden unterwegs geschrieben Sogi. Das bekannteste Werk ist Oku no Hosomichi (Narrow Road Through the Deep North - es ist in der englischen Übersetzung Narrow Road to Oku von einem berühmten japanischen Gelehrten erhältlich Donald Keene). Es erzählt von Bashos fast 1.500 Meilen lange Pilgerreise mit seinem Schüler Sora von Edo nach Nordjapan, die er im Alter von 48 Jahren und kurz vor seinem Tod unternahm. Die beiden anderen großen Haiku-Dichter dieser Zeit waren Yosa Buson, ein Maler und Kobayashi Issa, ein Bauerndorfbewohner.

Haiku, die kürzeste poetische Form der Welt, funktioniert auf Japanisch besser als auf Englisch und Übersetzungen sind besonders schwierig. Wie auch immer, hier sind einige Übersetzungen von Haiku von Basho aus Oku no Hosomichi. Das Foto links zeigt das letzte Haiku, das auf einem riesigen Stein neben dem Mogami-Fluss eingraviert ist.


Eine kurze Geschichte der Künste Japans: die Edo-Zeit

Der Sieg von Tokugawa Ieyasu und die territoriale Vereinigung ebneten den Weg zu einer mächtigen neuen Regierung. Das Tokugawa-Shogunat sollte über 250 Jahre regieren – eine Zeit relativen Friedens und zunehmenden Wohlstands. In der Stadt Edo (dem heutigen Tokio) sowie in Kyoto und anderswo entwickelte sich eine lebendige urbane Kultur. Handwerker und Kaufleute wurden zu wichtigen Produzenten und Konsumenten neuer Formen visueller und materieller Kultur. Die langlebige Edo-Zeit, die oft als Japans „frühe Neuzeit“ bezeichnet wird, ist in mehrere Unterperioden unterteilt, von denen die erste die Kan'ei- und die Genroku-Ära sind, die sich von den 1620er Jahren bis zum frühen 18. Jahrhundert erstreckt.

Kanō Sanraku, Drache und Tiger, frühe Edo-Zeit, 17. Jahrhundert, Paar Paravents, Farbe und Gold auf Papier, je 178 x 357 cm (Myoshinji-Tempel, Kyoto, Bild: Wikimedia Commons)

Kanō Tan'yū, Landschaft im Mondschein, nach 1662, eine von drei Hängerollen, Tusche auf Seide, 100,6 x 42,5 cm. Die Signatur erwähnt den Hōin-Titel des Malers, „Siegel des buddhistischen Gesetzes“. (Das Metropolitan Museum of Art)

Während der Kan'ei-Ära blühte die Kanō-Malschule, die in der Muromachi-Zeit gegründet wurde, unter der Führung von drei ihrer charakteristischsten Maler: Kanō Tan'yū, Kanō Sanraku und Kanō Sansetsu. Ihre Stile emulierten die beeindruckende Malerei von Kanō Eitoku (besprochen im Abschnitt über die Momoyama-Zeit) und wichen davon ab. Tan'yū war Eitokus Enkel, Sanraku war sein Adoptivsohn und Sansetsu war Sanrakus Schwiegersohn (den Sanraku schließlich als Erbe adoptierte).

Ihre jeweiligen Stile teilten eine gestalterische Spannung zwischen zwei divergierenden künstlerischen Richtungen: Einerseits waren sie stark von der ausdrucksstarken und monumentalen Malweise Eitokus beeinflusst, andererseits nahmen sie eine weniger dramatische und subtil elegante Weise an, einschließlich einer Rückkehr chinesischen Vorbildern und dem früheren Stil der Kanō-Schule.

Insbesondere Tan’yū führte diese konservative Wende an. Sein Wechsel nach Edo als Maler des Tokugawa-Shōgun markierte einen Bruch mit den in Kyoto ansässigen Kanō-Malern (einschließlich Sanraku und Sansetsu), der sich in zeitgenössischen Abhandlungen widerspiegelte, die sich mit Fragen der Hierarchie und Legitimität innerhalb der Schule beschäftigten.

Tan'yū, ein vielseitiger Künstler, der von der chinesischen Tradition durchdrungen ist, war ein Kenner und Sammler chinesischer Gemälde. Basierend auf seinem gelehrten visuellen Vokabular malte Tan’yū sowohl poetische Landschaften in monochromer Tinte, die typischerweise an klassische Motive erinnern, als auch polychrome Gemälde im japanischen Stil, die groß angelegte Aufträge für palastartige Einstellungen ermöglichten. In Anerkennung seiner Arbeit wurde ihm im Alter von 61 Jahren der Ehrentitel Hōin („Siegel des buddhistischen Gesetzes“) verliehen.

Schale mit Dame mit Sonnenschirm, c. 1734–37, Hizen-Ware, Imari, Entwurf dem Niederländer Cornelis Pronk zugeschrieben, Porzellan mit kobaltblauer Klarglasur, 26,7 cm (The Metropolitan Museum of Art)

Die Ära Kan'ei und Genroku erlebten bedeutende Entwicklungen in einem anderen Medium, nämlich Porzellan. Die Pioniere des japanischen Porzellans waren koreanische Töpfer, die nach Toyotomi Hideyoshis Einfällen in Korea während der Momoyama-Zeit nach Japan gebracht wurden. Diese Töpfer ließen sich in Kyushu nieder und ebneten den Weg für eines der innovativsten und produktivsten Porzellanzentren der Welt. Arita, Imari, Kakiemon sind heute bekannte Namen, zum Teil wegen des Exports solcher Waren aus Nord-Kyushu im 17. Jahrhundert über die Niederländische Ostindien-Kompanie. Dieses internationale Handelsunternehmen hatte maßgeblich zur weltweiten Attraktivität des chinesischen Porzellans beigetragen, insbesondere der blau-weißen Variante. Trotz der Selbstisolierungspolitik der Tokugawa schuf die Ausnahme, dass einigen chinesischen und niederländischen Agenten die Fortsetzung des internationalen Handels gestattet wurde, in Kombination mit den politischen Unruhen in China, die durch den Untergang der Ming-Dynastie verursacht wurden, den optimalen Kontext für die Niederländer, um das chinesische Blau zu ersetzen -weißes Porzellan mit japanischem Porzellan im Welthandel. Japanische Exportware, oft als Imari-Ware bezeichnet, emulierte chinesisches blau-weißes Porzellan und spiegelte den westlichen Geschmack wider, den sie bediente.

Teller mit Herbstgräsern und rautenförmigem Nebel, Nabeshima-Ware, Porzellan mit Unterglasurblau und Seladonglasur, 20,32 cm (Minneapolis Institute of Art)

Unter den verschiedenen Porzellanöfen im nördlichen Kyushu wurde Nabeshima-Ware nicht für den Export, sondern ausschließlich für den Inlandsmarkt hergestellt. Der Herr von Nabeshima, der die koreanischen Töpfer in sein Reich gebracht hatte, nahm die lokale Produktion, die sich im 17. Nabeshima-Porzellan zeichnet sich in seinen geheim gehaltenen Herstellungsverfahren durch seine exquisiten Oberflächen aus, die mit zarten Motiven nicht aus chinesischen oder europäischen Quellen, sondern aus dem traditionellen japanischen visuellen Repertoire verziert sind.

Mit seinen glatten Oberflächen und klar definierten Formen unterschied sich Porzellan deutlich von dem in anderen Keramikzentren Japans hergestellten Steinzeug, wie dem Oribe-Geschirr für Teerituale (beschrieben im Abschnitt über die Momoyama-Zeit). Während der Edo-Zeit wird die Teezeremonie – beides chanoyu und sencha, eine andere Art von Ritual für die Zubereitung und den Genuss von eingelegtem Blatttee – blühte weiter auf. Sencha, insbesondere, war ein wesentlicher Bestandteil der Literatenkultur. Japanische Literaten oder bunjin orientierten sich an chinesischen Gelehrten-Philosophen, die sich mit Malerei, Kalligraphie und Poesie auskannten. Als Gelehrte mit künstlerischer Ausrichtung, bunjin waren keine professionellen Maler, sondern verwendeten die Malerei – insbesondere spontane Wiedergaben von Landschaften, Gedichten und traditionellen chinesischen und japanischen Motiven in Tusche – als Mittel, um die innere Energie kultivierter Geister auszudrücken, die danach strebten, Exzellenz zu erreichen, indem sie sich von der Gesellschaft entfernten und sich sogar widersetzten soziale Normen. Dieses Abgeschiedenheitsmodell wurde besonders in Zeiten politischer Unruhen angenommen, was in Japan am Ende des 16. Allmählich entwickelten die literarischen Praktiken eine Kernspannung zwischen dem Rebellischen und dem sehr Individualistischen einerseits und dem Ritualistischen und Normativen andererseits, da Traditionen und Linien im Laufe der Zeit immer starrer wurden.

Ike no Taiga und Yosa Buson, Zehn Annehmlichkeiten und zehn Freuden, 1771, Paaralben, Farbe auf Papier, 17,7 x 17,7 cm (in der Sammlung des verstorbenen Kawabata Yasunari, Kawabata Foundation, Präfektur Kanagawa, Bildanpassung: Web Japan)

Bunjinga, wörtlich übersetzbar als „Literati-Malerei“, bezieht sich auf die Malerei, die von diesen gelehrten Männern praktiziert wurde. Die Malerei der Literaten vereinte oft Bezüge zu klassischen chinesischen Themen und lokalen und zeitgenössischen literarischen Quellen, insbesondere Gedichten, die oft von den Malern selbst verfasst wurden. Das 18. Jahrhundert haikai-no-renga Die Dichterin Yosa Buson war auch eine versierte Malerin und im Geiste der Zusammenarbeit haikai-no-renga, zusammen mit Ike no Taiga, zwei Alben zum chinesischen Thema der „zehn Annehmlichkeiten“ und „zehn Freuden“ des Lebens, die idealisierte Naturdarstellungen (meist von Buson) mit anekdotischen Darstellungen menschlicher Aktivitäten (meist .) von Taiga). Die Zusammenarbeit zwischen Buson und Taiga war sowohl kollegial als auch wettbewerbsorientiert und erinnerte an die jahrhundertealte japanische Tradition von Poesie- und Bildwettbewerben, die Talent und Können demonstrierten.

Maruyama kyo, Kiefern im Schnee, zwischen 1781 und 1789, linker Schirm eines Paares von Faltschirmen, Tinte, Farbe und Gold auf Papier (Mitsui Memorial Museum, Bild: Wikimedia Commons, gemeinfrei)

Eine Folie zu Busons und Taigas Herangehensweise an die Malerei war die erneute Suche nach Realismus der Malerin Maruyama Okyo. Seine naturalistische Darstellung von Vögeln und Tieren, menschlichen Figuren und Landschaften kontrastierte mit dem Literatenmodus, indem er sich auf ein rationales Regime der visuellen Darstellung konzentrierte, das auf der Beobachtung der Natur basiert. Ausgebildet in den europäischen Techniken der Schattierung und der Ein-Punkt-Perspektive, schuf Okyo dennoch eine Synthese aus westlich inspiriertem Naturalismus und traditionellen japanischen Techniken, Stilen und Themen. Okyos Malweise wurde über die Maruyama-Shijō-Schule weitergegeben, die Okyo zunächst als Maruyama-Schule etablierte. Es wurde von Matsumura Goshun (dessen Atelier sich in der Shijō-Straße in Kyoto befand) fortgesetzt, einem Maler, der zuerst bei Buson studierte und sich dann Okyo zuwandte. Diese beiden eng miteinander verbundenen Schulen wurden seit der späten Edo-Zeit, als die Unterschiede zwischen den beiden verblasst waren, als eine Einheit bezeichnet. Einer der bemerkenswertesten Maler in der Linie von Goshun war Shibata Zeshin, ein Schüler eines Schülers von Goshun und ein innovativer Maler und Lackkünstler.

Links: Soga Shōhaku, Löwen an der Steinernen Brücke des Berges Tiantai, 1779, Hängerolle, Tusche auf Seide, 114 × 50,8 cm, Detail (The Metropolitan Museum of Art, Vollbild hier verfügbar). Rechts: Itō Jakuchū, Vögel, Tiere und Blütenpflanzen in imaginärer Szene, 18. Jh., Paar sechsteiliger Faltschirme, Tusche und Farben auf Papier, 137,5 × B355,6 cm, Detail (Kunstmuseum der Präfektur Shizuoka, Vollbild hier verfügbar)

Maler, die außerhalb etablierter Schulen wie der Tosa und der Kanō arbeiteten, wichen in unterschiedlichem Maße von etablierten Malweisen ab. Diejenigen, deren Stile besonders unkonventionell waren, wurden kürzlich vom japanischen Kunsthistoriker Tsuji Nobuo als „Linie der Exzentriker“ neu bewertet. Zu dieser „Linie“ gehören Iwasa Matabei, Kano Sansetsu, Ito Jakuchu, Soga Shohaku, Nagasawa Rosetsu und Utagawa Kuniyoshi – von denen jede in ihrem jeweiligen Reifungsprozess als bildende Künstler individuelle Wege hatte. Gemeinsam war ihnen eine sehr persönliche Herangehensweise an die Malerei, die oft von ungewöhnlichen Techniken und atypischen Sujets geprägt war. In Löwen an der Steinernen Brücke am Mt. Tiantai, Soga Shōhaku wählte ein selten dargestelltes buddhistisches Thema und stellte es sich auf neue Weise vor und fügte ihm eine skurrile Dimension hinzu. In Vögel, Tiere und Blütenpflanzen in imaginärer Szene, Itō Jakuchū hat nicht weniger als 43.000 farbige Quadrate akribisch bemalt, um eine fantastische, mosaikartige Komposition zu schaffen.

Während der Edo-Zeit entwickelte sich eine geschäftige Stadtkultur.Händler, Handwerker und Entertainer prägten mit ihren Produkten und Programmen den kulturellen und künstlerischen Geschmack. Kollaborative Linked-Verse-Partys und neue Unterhaltungsformen wie das Kabuki-Theater wurden zu festen Bestandteilen des urbanen Lebensstils. Auch der Tourismus gewann an Popularität, als Reisende zu Schreinen, Tempeln und berühmten Stätten pilgerten (meisho 名所), oft in Verbindung mit klassischen Gedichten und traditionellen Geschichten. All diese kulturellen Praktiken spiegelten sich in den populären Gemälden und Drucken wider, die gemeinsam als . bekannt sind ukiyo-e . Wörtlich „Bilder der schwebenden Welt“, ukiyo-e lässt sich am besten als Genremalerei für und über „gewöhnliche Leute“ definieren (shōmin 庶民) – Mitglieder der Mittelschicht der japanischen Gesellschaft der Edo-Zeit.

Hishikawa Moronobu, Zwei Liebende, C. 1675–80, polychromer Holzschnitt, Tusche und Farbe auf Papier, 22,9 x 33,7 cm (The Metropolitan Museum of Art)

Der im Textilgeschäft seiner Familie ausgebildete Maler Hishikawa Moronobu aus dem 17. ukiyo-e Meister. Er konzentrierte sich auf Bilder von schönen Frauen (bijin 美人) und arbeitete sowohl in der Malerei als auch im Holzschnitt. Seine Darstellung von Frauen und Liebhabern in Edos Vergnügungsvierteln beeinflusste die nachfolgenden Jahre tief ukiyo-e Maler und Druckdesigner, insbesondere Miyagawa Chōshun. Chōshun wurde ursprünglich in der Tosa-Schule ausgebildet und signierte seine Werke, indem er seinem Namen „yamato-e“ hinzufügte – eine Praxis, die darauf hindeutet, dass in ihren frühen Tagen ukiyo-e galt als Nachfolger des yamato-e Stil.

Iwasa Matabei, Die Geschichte von Yamanaka Tokiwa, 17. Jahrhundert, Handscroll, Tusche und Farbe auf Papier, Gesamtlänge über 70 Meter, Detail (Wichtiges Kulturgut, MOA Museum of Art, Atami, Shizuoka, Japan)

Zeitgleich mit dem Ukiyo-e-Meister Hishikawa Moronobu war der Maler Iwasa Matabei, der sich wie Moronobu und seine Anhänger als Erbe der yamato-e und Tosa-Schultraditionen. Aufgrund seines anekdotischen Malstils und seiner Verbundenheit mit japanischen Sujets und Maltechniken wird Matabei oft als Begründer der ukiyo-e zusammen mit Moronobu. Matabei ließ sich für seine Gemälde von den Klassikern der japanischen Literatur wie dem Tale of Genji inspirieren. Doch im Sinne von ukiyo-e, Seine Bilder sind geprägt von Alltagsgefühlen und persönlichen Erfahrungen. Die sehr persönliche Dimension seiner Kunst ließ andere an Matabei als einen der „Exzentrischen“ denken (hier in dem zuvor in Bezug auf Shōhaku und Jakuchū erläuterten Sinne verwendet und orientiert sich an der Definition des Kunsthistorikers Tsuji Nobuo). Ob Tosa, ukiyo-e, oder exzentrisch, brach Matabei mit der Tradition, indem er sich auf zeitgenössische Erfahrungen und Aspekte des täglichen Lebens konzentrierte. Oft wurden diese Themen spielerisch mit klassischen Stoffen verwoben, was zu einem visuellen Gleichnis führte, das manchmal als Parodie bezeichnet wurde mitatieren. Die Realitäten der Gegenwart wurden klassischen oder mythischen Themen der Vergangenheit überlagert. Diese Praxis reicht in der Malerei der Edo-Zeit von einer Betonung des Alltäglichen und Anekdotischen, wie sie in Matabeis Kompositionen zu sehen ist, bis hin zu spielerischen Darstellungen zeitgenössischer Figuren (wie schöne Frauen und Kabuki-Schauspieler) in Gestalt legendärer oder historischer Figuren wie Dichter und Krieger, wie später in den Werken von Ukiyo-e-Künstlern des 18. und 19. Jahrhunderts wie Andō (Utagawa) Hiroshige und Utagawa Kunisada zu sehen ist.

Hokusai, Zufällige Skizzen (Manga), 1834, acht Bände mit Holzschnitt gedruckten Büchern, Tusche und Farbe auf Papier, 22,9 x 15,9 cm, Doppelseite (The Metropolitan Museum of Art). Hokusais Manga schaffen einen Mikrokosmos der Kultur der Edo-Zeit und waren im 19. Jahrhundert eine wichtige Inspirationsquelle für europäische Künstler.

Hokusai, Holzfäller, 1849, Tusche und Farbe auf Seide, 113,6 × 39,6 cm (Geschenk von Charles Lang Freer, F1904.182, Freer Gallery of Art)

Ukiyo-e Bilder wurden in verschiedenen Formaten zur Verfügung gestellt, von Gemälden und surimono zu Bilderbüchern (ehon 画本) und lose Holzschnitte, oft in Serien konzipiert (z. B. 36 Ansichten des Berges Fuji, 7 Episoden aus dem Leben der Dichterin Ono no Komachi aus dem 9. Jahrhundert). Einer der bekanntesten ukiyo-e Meister und ein Sinnbild für die japanische Kunst in der westlichen Welt, entwarf Katsushika Hokusai (1760-1849) nicht nur Holzschnittserien und Bilderbücher, sondern verfasste auch zahlreiche Gemälde. Hokusai führte ein genügsames Leben und lebte in ungepflegten Unterkünften. Während seines langen Lebens war Hokusai bemerkenswert produktiv, nahm verschiedene Spitznamen an und datierte seine Werke sorgfältig, indem er angab, wie alt er war, als er sie malte. Hokusai ist zu Recht berühmt für seine außergewöhnliche Zeichenkunst und seine überbordende Vorstellungskraft, gepaart mit einem feinen Verständnis für das japanische Leben und die japanische Kultur, sowohl klassisch als auch zeitgenössisch. Wie andere Maler der Edo-Zeit fügte er sich oft über Quasi-Selbstporträts und Reflexionen über Vergänglichkeit und Alter in sein eigenes Werk ein.

In der Edo-Zeit kam es zu einer intensivierten Zirkulation des visuellen Vokabulars und der ästhetischen Prinzipien zwischen den Medien (Gemälde, Keramik, Lackwaren und Textilien teilten oft die ähnlichen Motive) und kreuzten verschiedene Kulturregister von Design über Populärkultur bis hin zu Nostalgie für eine romantisierte vormoderne Vergangenheit . Diese Überschneidungen wurden durch die Zusammenarbeit zwischen Künstlern unterschiedlicher Spezialisierungen weiter ermöglicht. Eine der folgenreichsten dieser Kooperationen war die zwischen dem in Kyoto ansässigen Maler Tawaraya Sōtatsu aus dem 17. Jahrhundert und dem Kalligraphen und Keramiker Hon’ami Kōetsu.

Tawaraya Sōtatsu (Malerei), Hon’ami Kōetsu (Kalligraphie), Gedichte aus dem Kokin wakashū, Anfang 1600, Handrolle, Tusche, Gold, Silber und Glimmer auf Papier, 33 cm hoch, Detail (Geschenk von Charles Lang Freer, F1903.309, Freer Gallery of Art)

Hon’ami Kōetsu 本阿弥光悦, Teeschale benannt Mino-Spiel („Langschwanzschildkröte“), Steingut mit schwarzer Raku-Glasur, 8,7 x 12,5 x 12,5 cm (Freer Gallery of Art)

Ihre kombinierte Praxis führte zu einer eleganten Ästhetik, die traditionelle kulturelle Bezüge betont, die in Malerei, Poesie, Kalligraphie, Lack, Keramik und Teeritual geteilt werden.

Zusammen mit der Töpferin Nonomura Ninsei gehörte Kōetsu zu den ersten, die ihre Töpferwaren in Japan signierten. Er formte seine Teeschalen und schickte sie dann in die Raku-Warenwerkstatt, um die Schalen glasieren und brennen zu lassen. Kōetsu arbeitete über mehrere Medien hinweg und seine Zusammenarbeit mit Malern und Töpfern trug zu einer einheitlicheren visuellen Kultur bei. Wie bei der japanischen Kunst im Laufe der Jahrhunderte spielten Abstammungslinien eine entscheidende Rolle für das Überleben und die Transformation von Sōtatsus und Kōetsus ästhetischen Programmen.

Ogata Kenzan’s Narutaki Workshop (1699-1712), Räuchergefäß mit Bildern von Geschichten von Ise, Steinzeug, Unterglasur-Kobalt und Aufglasur-Emaille, 2,5 x 10 x 7,3 cm (Geschenk von Charles Lang Freer, F1907.84a-b, Freer Gallery of Art)

Die miteinander verflochtenen Stile dieser beiden Künstler des 17. Jahrhunderts wurden von den Künstlern Ogata Kōrin und seinem Bruder Ogata Kenzan aus dem frühen 18. Eine familiäre Beziehung verdoppelte diese stilistische Genealogie: Die Urgroßmutter von Kōrin und Kenzan war eine ältere Schwester von Kōetsu. Und die beiden Brüder arbeiteten gelegentlich zusammen. Kōrin spezialisierte sich auf Malerei, während Kenzan zu einem der einflussreichsten Namen in der Keramik im Kyoto-Gebiet wurde. Spätere Generationen von Töpfern ahmten Kenzans Stil nach und kopierten ihn sogar, während Kōrin einer neuen Schule seinen Namen gab, Rinpa (“Rin 琳” von “Kōrin 光琳” + “pa/ ha 派”, was bedeutet: “school”), das seinen ästhetischen Ursprung auf die Modelle von Kōrin und Kenzan zurückführte, nämlich Sōtatsu und Kōetsu. Die raffinierten und genialen Designs der Rinpa-Künstler basierten auf traditionellen Themen und Motiven und wurden in Gold, Silber und kräftigen Farben wiedergegeben. Sie arbeiteten medien- und genreübergreifend von Malerei bis Lack und von Episoden in der Geschichte von Genji zu Darstellungen der vier Jahreszeiten.

Links: Ogata Kōrin, Schwertlilien bei Yatsuhashi (Acht Brücken), nach 1709, einer von zwei Faltschirmen, Tusche, Farbe und Gold auf Papier, 163,7 x 352,4 cm (The Metropolitan Museum of Art). Die abgebildeten Motive erinnern an den klassischen japanischen Text, den Geschichten von Ise. Rechts: Sakai Hōitsu, Sommer- und Herbstblumen, rechter Bildschirm eines Bildschirmpaares, 164,5 x 181,8 cm (JAANUS, ein Online-Wörterbuch der japanischen Kunst und Architektur

e-Museum, Datenbank von Artefakten, die in Japan als nationale Schätze und wichtige Kulturgüter ausgewiesen sind

Über Japan im Metropolitan Museum of Art’s Heilbrunn Timeline of Art History

Nobuo Tsuji, übersetzt von Nicole Coolidge Rousmaniere, Kunstgeschichte in Japan (Tokio: University of Tokyo Press, 2019)

Richard Bowring, Peter Kornicki, Die Cambridge Encyclopedia of Japan (New York: Cambridge University Press, 1993)


Origami

Es kann kaum einen westlichen Menschen geben, der nicht als Kind einen Papierflieger aus gefalteter Zeitung oder einem Blatt aus einem Notizbuch gebastelt hat. Die Abenteuerlustigeren hätten vielleicht einen Hut gemacht oder, wenn sie Glück hatten, in die fast grenzenlosen Möglichkeiten eingeführt, die Origami und ein kreativer Geist zaubern können. Während manche Leute es für eine echte Kunstform halten, die in ihrer Einfachheit und Tiefe sehr Zen-ähnlich ist, wird Origami heute hauptsächlich als Aktivität für Kinder angesehen, denen nur wenige Standarddesigns beigebracht werden. Selbst in Japan ist das komplizierteste Design, das die meisten Leute beherrschen, das tsuru (Kranich), der sich zu einem weltweiten Symbol für den Friedenswillen von Kindern entwickelt hat. Aber Origami hat eine lange Geschichte und war ursprünglich überhaupt nichts für Kinder.

Ein aufwendiges Origami-Muster

Wie viele Dinge in der japanischen Kultur hat Origami (von "oru" bedeutet falten und "kami" bedeutet Papier) seinen Ursprung in China. Es wird angenommen, dass Papier im ersten oder zweiten Jahrhundert in China zum ersten Mal hergestellt und gefaltet wurde. Die frühesten Aufzeichnungen über Origami in Japan stammen aus der Heian-Zeit (794-1185). In dieser Zeit erlebte Japans Adel sein goldenes Zeitalter und es war eine Zeit großer künstlerischer und kultureller Fortschritte. Papier war immer noch ein so seltenes Gut, dass Origami ein Zeitvertreib für die Elite war. Für zeremonielle Anlässe wie Hochzeiten wurde Papier in feste Formen gefaltet. Gezackte Streifen aus weißem Papier wurden zur Kennzeichnung von heiligen Gegenständen verwendet, ein Brauch, der bis heute in jedem Schrein zu sehen ist.

In der Edo-Zeit (1600-1868) entwickelte sich ein Großteil der heutigen traditionellen Volkskultur als Unterhaltungsform für die Kaufmannsklassen und das gemeine Volk. Kabuki und Ukiyo-e sind nur zwei Beispiele und auch Origami gewann an Popularität. Bis Mitte des 19. Jahrhunderts entstanden 70 oder mehr verschiedene Designs. Aber abgesehen von seiner zeremoniellen Verwendung hat seine Popularität seit der Meiji-Zeit (1886-1912) und der Modernisierung Japans abgenommen.

Mitte der 1950er Jahre, 11 Jahre alt Sasaki Sadako erkrankte an Leukämie als Folge ihrer Strahlenbelastung als Baby während des Atombombenabwurfs von Hiroshima im Jahr 1945 senbazuru (tausend Papierkraniche) und sich nach jedem einen Wunsch wünschte, würde Ihr Wunsch in Erfüllung gehen. Sadako machte sich daran, das Tsuru zu machen und wünschte sich ihre eigene Genesung. Als sie fortfuhr, begann sie sich stattdessen den Weltfrieden zu wünschen. Eine Version der Geschichte besagt, dass sie starb, als sie nur 644 verdient hatte und ihre Schulfreunde die vollständige Zahl vervollständigten und sie ihr bei ihrer Beerdigung widmeten. Eine vielleicht zuverlässigere Version besagt, dass sie die 1.000 abgeschlossen und mehrere hundert weitere auf den Weg gebracht hat, bevor sie im Alter von 12 Jahren dem Krebs erlag. Unabhängig von den Details half die Geschichte, die Friedensdenkmal für Kinder in Hiroshima und eine Statue von Sadako in Seattle. Jedes Jahr auf Friedenstag (6. August) werden Zehntausende Origami-Tsuru von Kindern aus der ganzen Welt nach Hiroshima geschickt.

Diese Origami-Box ist überraschend einfach herzustellen

Tausende Origami-Tsuru an einem Atombombendenkmal in Hiroshima

Es gibt zu viele Faltschritte bei der Herstellung eines Tsuru, als dass ich sie hier einfach beschreiben könnte, und viele Websites bieten bereits diese und viele andere Ideen.

In jüngerer Zeit hat das Internet dazu beigetragen, die japanische Kultur bekannt zu machen, sowohl die lange verborgenen Aspekte als auch die Dinge, von denen westliche Menschen gehört, aber wenig wussten. Origami ist eine solche Facette, die sich für das visuelle Medium eignet. Entwürfe lassen sich in Liniendiagrammen oder Fotos erklären und mit etwas Übung von jedem beherrschen. Der nächste Schritt besteht, wie bei jeder Kunstform, darin, ein Thema oder einen Bereich zu finden, der anspricht und einen eigenen Stil zu entwickeln. In den Worten von Yoshizawa Akira, der „anerkannte Großmeister des Origami, der Vater des modernen kreativen Origami“:

"Ein einfaches vierseitiges Papier kann man beliebig falten. Ich wollte die Naturgesetze, die Würde des Lebens und den Ausdruck der Zuneigung in meine Arbeit einbetten. Das Leben zu falten ist schwierig, denn das Leben ist eine Form oder ein Erscheinung gefangen in einem Moment, und wir müssen das ganze natürliche Leben fühlen, um einen Moment zu falten."

von Joseph Wus Origami-Seite

Die Yayoi-Zeit

Die nächste Kulturperiode, die Yayoi (benannt nach dem Stadtteil Tokios, in dem archäologische Untersuchungen ihre Spuren entdeckten) blühte zwischen etwa 300 v. und 250 n. Chr. von Süd-Kyushu nach Nord-Honshu. Die frühesten dieser Menschen, von denen angenommen wird, dass sie von Korea nach Nord-Kyushu eingewandert sind und sich mit den Jomon vermischt haben, benutzten auch abgesplitterte Steinwerkzeuge. Obwohl die Keramik der Yayoi technisch fortschrittlicher war, war sie einfacher dekoriert als Jomon-Ware.

Die Yayoi stellten zeremonielle zeremonielle Glocken, Spiegel und Waffen aus Bronze her, und im ersten Jahrhundert n. Chr. schmiedeten sie landwirtschaftliche Werkzeuge und Waffen aus Eisen. Als die Bevölkerung wuchs und die Gesellschaft komplexer wurde, webten sie Stoffe, lebten in dauerhaften Bauerndörfern, bauten Gebäude aus Holz und Stein, häuften durch Landbesitz und Getreidelagerung Reichtum an und entwickelten unterschiedliche soziale Schichten. Ihre bewässerte Nassreiskultur ähnelte der in Zentral- und Südchina und erforderte viel menschliche Arbeit, was zur Entwicklung und schließlich zum Wachstum einer stark sesshaften, agrarischen Gesellschaft führte.

Im Gegensatz zu China, das massive öffentliche Arbeiten und Wasserkontrollprojekte durchführen musste, die zu einer stark zentralisierten Regierung führten, verfügte Japan über Wasser im Überfluss. In Japan waren also lokale politische und soziale Entwicklungen relativ wichtiger als die Aktivitäten der Zentralgewalt und einer geschichteten Gesellschaft.


Inhalt

Altes Japan und Asuka-Zeit (bis 710) Bearbeiten

Die Ursprünge der Malerei in Japan reichen weit in die prähistorische Zeit Japans zurück. Einfache figurale Darstellungen sowie botanische, architektonische und geometrische Designs finden sich auf Keramik aus der Jōmon-Zeit und der Yayoi-Zeit (1000 v. Chr. – 300 n. Chr.) dōtaku bronzene Glocken. In zahlreichen Grabhügeln aus der Kofun- und Asuka-Zeit (300–700 n. Chr.) wurden Wandmalereien mit geometrischen und figuralen Mustern gefunden.

Zusammen mit der Einführung des chinesischen Schriftsystems (Kanji), chinesische Formen der Regierungsverwaltung und Buddhismus in der Asuka-Zeit wurden viele Kunstwerke aus China nach Japan importiert und lokale Kopien in ähnlichen Stilen wurden hergestellt.

Nara-Zeit (710–794) Bearbeiten

Mit der weiteren Etablierung des Buddhismus im Japan des 6. und 7. Jahrhunderts blühte die religiöse Malerei auf und wurde verwendet, um zahlreiche von der Aristokratie errichtete Tempel zu schmücken. Das Japan der Nara-Zeit ist jedoch eher für wichtige Beiträge in der Bildhauerkunst als in der Malerei bekannt.

Zu den frühesten erhaltenen Gemälden aus dieser Zeit gehören die Wandmalereien an den Innenwänden des Kondō (金堂) im Tempel Hōryū-ji in Ikaruga, Präfektur Nara. Diese Wandmalereien sowie gemalte Bilder des wichtigen Tamamushi-Schreins beinhalten Erzählungen wie jataka, Episoden aus dem Leben des historischen Buddha Shakyamuni, zusätzlich zu ikonischen Bildern von Buddhas, Bodhisattvas und verschiedenen kleineren Gottheiten. Der Stil erinnert an chinesische Malerei aus der Sui-Dynastie oder der späten Sechzehn-Königreiche-Zeit. Mitte der Nara-Zeit wurden jedoch Gemälde im Stil der Tang-Dynastie sehr beliebt. Dazu gehören auch die Wandmalereien im Takamatsuzuka-Grab aus der Zeit um 700 n. Chr. Dieser Stil entwickelte sich zum (Kara-e) Genre, das während der frühen Heian-Zeit populär blieb.

Da die meisten Gemälde der Nara-Zeit religiöser Natur sind, stammt die überwiegende Mehrheit von anonymen Künstlern. Eine große Sammlung japanischer und chinesischer Kunst aus der Nara-Zeit [2] wird im Shōsō-in aufbewahrt, einem Aufbewahrungsort aus dem 8.

Heian-Zeit (794–1185) Bearbeiten

Mit der Entwicklung der esoterisch-buddhistischen Sekten Shingon und Tendai ist die Malerei des 8. mandara) . Zahlreiche Mandala-Versionen, am bekanntesten die Diamantenreich-Mandala und Mutterleib-Reich-Mandala in Tōji in Kyoto, wurden als hängende Schriftrollen und auch als Wandmalereien an Tempelwänden geschaffen. Ein bekanntes frühes Beispiel ist die fünfstöckige Pagode von Daigo-ji, einem Tempel südlich von Kyoto.

Die Kose School war eine Familie von Hofkünstlern, die in der zweiten Hälfte des 9. Jahrhunderts, während der frühen Heian-Zeit, von Kanaoka Kose gegründet wurde. Diese Schule repräsentiert nicht einen einzigen Malstil wie andere Schulen, sondern die verschiedenen Malstile, die von Kanaoka Kose und seinen Nachkommen und Schülern geschaffen wurden. Diese Schule veränderte Gemälde im chinesischen Stil mit chinesischen Themen in den japanischen Stil und spielte eine wichtige Rolle bei der Bildung des Yamato-e-Malstils. [3] [4]

Mit der steigenden Bedeutung der Reinen Land-Sekten des japanischen Buddhismus im 10. Jahrhundert wurden neue Bildtypen entwickelt, um die Andachtsbedürfnisse dieser Sekten zu befriedigen. Dazu gehören Raigōzu (来迎図), die Amida Buddha zusammen mit den begleitenden Bodhisattvas Kannon und Seishi darstellen, die ankommen, um die Seelen der Gläubigen zu begrüßen, die in Amidas westlichem Paradies abgereist sind. Ein bekanntes frühes Beispiel aus dem Jahr 1053 ist im Inneren der Phönixhalle des Byōdō-in, eines Tempels in Uji, Kyoto, gemalt. Dies gilt auch als frühes Beispiel des sogenannten Yamato-e ( 大和絵 , "japanische Malerei") , insofern es Landschaftselemente wie sanfte Hügel enthält, die etwas von der tatsächlichen Erscheinung der Landschaft von . widerzuspiegeln scheinen Westjapan.

Die mittlere Heian-Zeit gilt als das goldene Zeitalter von Yamato-e, die zunächst hauptsächlich für Schiebetüren verwendet wurden (fusuma) und Faltwände (vonōbu). Vor allem gegen Ende der Heian-Zeit traten jedoch auch neue Bildformate in den Vordergrund, darunter emakimono, oder lange illustrierte Handscrolls. Varianten von emakimono umfassen illustrierte Romane, wie z Genji Monogatari , historische Werke, wie die Ban Dainagon Ekotoba , und religiöse Werke. In manchen Fällen, emaki Künstler verwendeten bildhafte Erzählkonventionen, die in der buddhistischen Kunst seit der Antike verwendet wurden, während sie zu anderen Zeiten neue Erzählweisen entwickelten, von denen angenommen wird, dass sie den emotionalen Inhalt der zugrunde liegenden Erzählung visuell vermitteln. Genji Monogatari ist in einzelne Episoden organisiert, während die lebhafteren Ban Dainagon Ekotoba verwendet einen kontinuierlichen Erzählmodus, um die Vorwärtsbewegung der Erzählung zu betonen. Diese zwei emaki unterscheiden sich auch stilistisch durch die schnellen Pinselstriche und die helle Farbgebung von Ban Dainagon in starkem Kontrast zu den abstrahierten Formen und lebendigen Mineralpigmenten der Genji Schriftrollen. Die Belagerung des Sanjō-Palastes ist ein weiteres berühmtes Beispiel für diese Art von Malerei.

E-Maki dienen auch als einige der frühesten und größten Beispiele für die onna-e ("Frauenbilder") und otoko-e ("Männerbilder") und Malstile. Es gibt viele feine Unterschiede in den beiden Stilen. Obwohl die Begriffe die ästhetischen Vorlieben jedes Geschlechts suggerieren, haben Historiker der japanischen Kunst lange über die tatsächliche Bedeutung dieser Begriffe diskutiert, und sie bleiben unklar. Am leichtesten auffallend sind vielleicht die inhaltlichen Unterschiede. Onna-e, verkörpert durch die Geschichte von Genji Handscroll, befasst sich typischerweise mit dem höfischen Leben und der höfischen Romantik, während otoko-e, beschäftigen sich oft mit historischen oder halblegendären Ereignissen, insbesondere Schlachten.

Kamakura-Zeit (1185–1333) Bearbeiten

Diese Genres setzten sich durch die Kamakura-Zeit in Japan fort. Dieser Kunststil wurde in dem Gemälde mit dem Titel "Nachtangriff auf den Sanjo-Palast" stark veranschaulicht, da es voller vibrierender Farben, Details und einer großartigen Visualisierung aus einem Roman mit dem Titel "Heiji Monogatari" war. E-Maki Es wurden weiterhin verschiedene Arten produziert, jedoch war die Kamakura-Zeit viel stärker von der Bildhauerkunst als von der Malerei geprägt. ''Die Kamakura-Periode erstreckte sich vom Ende des 12. bis zum 14. Jahrhundert. Es war eine Zeit der Kunstwerke, wie Gemälde, aber hauptsächlich Skulpturen, die ein realistischeres Bild des Lebens und seiner Aspekte zu dieser Zeit brachten. In jede dieser Statuen wurden viele lebensechte Merkmale in die Herstellung eingearbeitet. Viele Skulpturen enthielten Nasen, Augen, einzelne Finger und andere Details, die für den Bildhauerplatz in der Kunst neu waren.''

Da die meisten Gemälde in der Heian- und Kamakura-Zeit religiöser Natur sind, stammt die überwiegende Mehrheit von anonymen Künstlern. Aber es gibt einen Künstler, der für seine Perfektion in diesem neuen Kunststil der Kamakura-Zeit bekannt ist. Sein Name war Unkei, und er beherrschte schließlich diese bildhauerische Kunstform und eröffnete seine eigene Schule namens Kei School. Im Laufe dieser Ära gab es „die Wiederbelebung noch früherer klassischer Stile, den Import neuer Stile vom Kontinent und in der zweiten Hälfte der Periode die Entwicklung einzigartiger ostjapanischer Stile um die Kamakura-Ära herum“.

Muromachi-Zeit (1333–1573) Bearbeiten

Im 14. Jahrhundert hatte die Entwicklung der großen Zen-Klöster in Kamakura und Kyoto einen großen Einfluss auf die bildende Kunst. Suibokuga, ein strenger monochromer Stil der Tuschemalerei, der aus der Ming-Dynastie China der Song- und Yuan-Tintenwaschstile, insbesondere Muqi (牧谿), eingeführt wurde, ersetzte weitgehend die polychromen Rollbilder der frühen Zen-Kunst in Japan, die an buddhistische Ikonographie-Normen aus Jahrhunderten früher gebunden waren, wie z als Takuma Eiga (宅磨栄賀). Trotz der neuen chinesischen Kulturwelle, die durch die Higashiyama-Kultur ausgelöst wurde, blieben einige polychrome Porträts übrig – hauptsächlich in Form von chinso Gemälde von Zen-Mönchen. [5] [6]

Einen Wels mit einem Kürbis fangen (befindet sich in Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto) von dem Priester-Maler Josetsu, markiert einen Wendepunkt in der Muromachi-Malerei. Im Vordergrund ist ein Mann am Ufer eines Baches dargestellt, der einen kleinen Kürbis hält und einen großen glitschigen Wels betrachtet. Nebel füllt den Mittelgrund und im Hintergrund erscheinen Berge in weiter Ferne. Es wird allgemein angenommen, dass der "neue Stil" des um 1413 entstandenen Gemäldes auf ein eher chinesisches Gefühl für den tiefen Raum innerhalb der Bildebene verweist.

Ende des 14. Jahrhunderts wurden monochrome Landschaftsbilder (山水画 sansuiga) hatte die Schirmherrschaft der regierenden Ashikaga-Familie gefunden und war das bevorzugte Genre unter den Zen-Malern, das sich allmählich von seinen chinesischen Wurzeln zu einem eher japanischen Stil entwickelte. Eine Weiterentwicklung der Landschaftsmalerei war die Gedichtbildrolle, bekannt als Shigajiku.

Die bedeutendsten Künstler der Muromachi-Zeit sind die Priester-Maler Shūbun und Sesshū. Shūbun, ein Mönch im Kyoto-Tempel von Shōkoku-ji, geschaffen in dem Gemälde Lesen in einem Bambushain (1446) eine realistische Landschaft mit tiefer Rezession in den Weltraum. Im Gegensatz zu den meisten Künstlern dieser Zeit konnte Sesshū nach China reisen und die chinesische Malerei an ihrer Quelle studieren. Landschaft der vier Jahreszeiten (Sansui Chokan C. 1486) ist eines der vollendetsten Werke von Sesshu und zeigt eine fortlaufende Landschaft durch die vier Jahreszeiten.

In der späten Muromachi-Zeit war die Tuschemalerei aus den Zen-Klöstern in die Kunstwelt im Allgemeinen abgewandert, als Künstler der Kanō-Schule und der Ami-Schule (ja:阿弥派) den Stil und die Themen übernahmen, aber eine plastischere und dekorative Wirkung, die bis in die Neuzeit andauern würde.

Wichtige Künstler der Muromachi-Zeit in Japan sind:

Azuchi-Momoyama-Zeit (1573-1615) Bearbeiten

In scharfem Gegensatz zur vorherigen Muromachi-Periode war die Azuchi-Momoyama-Periode durch einen grandiosen polychromen Stil gekennzeichnet, mit umfangreicher Verwendung von Gold- und Silberfolie, die auf Gemälde, Kleidungsstücke, Architektur usw ein sehr großer Maßstab. [8] Im Gegensatz zu dem verschwenderischen Stil, den viele kannten, unterstützte die militärische Elite die rustikale Einfachheit, insbesondere in Form der [9] Teezeremonie, bei der verwitterte und unvollkommene Utensilien in einer ähnlichen Umgebung verwendet wurden. In dieser Zeit begann die Vereinigung der "kriegführenden" Führer unter einer Zentralregierung. Die erste Datierung für diese Zeit wird oft auf 1568, als Nobunaga Kyoto betrat, oder 1573, als der letzte Ashikaga-Shogun aus Kyoto entfernt wurde, angenommen. Die Kanō-Schule, die von Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu und ihren Anhängern unterstützt wurde, gewann enorm an Größe und Ansehen. Kanō Eitoku entwickelte eine Formel für die Gestaltung monumentaler Landschaften an den raumumschließenden Schiebetüren. Diese riesigen Leinwände und Wandmalereien wurden in Auftrag gegeben, um die Schlösser und Paläste des Militäradels zu schmücken. Vor allem ließ Nobunaga zwischen 1576 und 1579 eine massive Burg errichten, die sich als eine der größten künstlerischen Herausforderungen für Kanō Eitoku erwies. Sein Nachfolger, Toyotomi Hideyoshi, baute in dieser Zeit auch mehrere Burgen. Diese Schlösser gehörten zu den wichtigsten künstlerischen Werken, wenn es um das Experimentieren in dieser Zeit ging. Diese Burgen repräsentieren die Macht und das Vertrauen von Anführern und Kriegern im neuen Zeitalter. [10] Dieser Status setzte sich in der folgenden Edo-Zeit fort, als das Tokugawa-Bakufu weiterhin die Werke der Kanō-Schule als offiziell anerkannte Kunst für den Shōgun, die Daimyōs und den kaiserlichen Hof förderte.

Allerdings existierten und entwickelten sich auch während der Azuchi-Momoyama-Periode Nicht-Kano-Schulkünstler und -strömungen, die chinesische Themen an japanische Materialien und Ästhetik anpassten. Eine wichtige Gruppe war die Tosa-Schule, die sich hauptsächlich aus der Yamato-e-Tradition entwickelte und vor allem für kleinformatige Werke und Illustrationen literarischer Klassiker im Buch- oder Emaki-Format bekannt war.

Wichtige Künstler der Azuchi-Momoyama-Zeit sind:

Edo-Zeit (1603–1868) Bearbeiten

Viele Kunsthistoriker zeigen die Edo-Zeit als Fortsetzung der Azuchi-Momoyama-Zeit. Sicherlich waren während der frühen Edo-Zeit viele der früheren Tendenzen in der Malerei weiterhin beliebt, aber es entstanden auch eine Reihe neuer Tendenzen.

Eine sehr bedeutende Schule, die in der frühen Edo-Zeit entstand, war die Rinpa-Schule, die klassische Themen verwendete, sie jedoch in einem kühnen und aufwendig dekorativen Format präsentierte. Insbesondere Sōtatsu entwickelte einen dekorativen Stil, indem er Themen aus der klassischen Literatur nachbildete, wobei er farbenfrohe Figuren und Motive aus der Natur vor einem Blattgoldhintergrund verwendete. Ein Jahrhundert später überarbeitete Korin Sōtatsus Stil und schuf visuell wunderschöne Werke, die einzigartig waren.

Ein weiteres wichtiges Genre, das während der Azuchi-Momoyama-Zeit begann, aber seine volle Entwicklung während der frühen Edo-Zeit erreichte, war Namban Kunst, sowohl in der Darstellung exotischer Ausländer als auch in der Verwendung des exotischen Ausländerstils in der Malerei. Dieses Genre konzentrierte sich auf den Hafen von Nagasaki, der nach Beginn der nationalen Abschottungspolitik des Tokugawa-Shogunats der einzige japanische Hafen war, der dem Außenhandel offen stand, und somit der Kanal war, über den chinesische und europäische künstlerische Einflüsse nach Japan kamen. Zu den Gemälden dieses Genres gehören Gemälde der Nagasaki-Schule und auch die Maruyama-Shijo-Schule, die chinesische und westliche Einflüsse mit traditionellen japanischen Elementen kombinieren.

Ein dritter wichtiger Trend in der Edo-Zeit war der Anstieg der Bunjinga (Literati-Malerei) Genre, auch bekannt als die Nanga-Schule (Südliche Malschule). Dieses Genre begann als Nachahmung der Werke chinesischer Gelehrter-Amateur-Maler der Yuan-Dynastie, deren Werke und Techniken Mitte des 18. Jahrhunderts nach Japan kamen. Meister Kuwayama Gyokushū war der größte Unterstützer der Schaffung des bunjin Stil. Er stellte die Theorie auf, dass polychromatische Landschaften auf dem gleichen Niveau wie monochromatische Gemälde chinesischer Literaten zu betrachten seien. Darüber hinaus zählte er einige japanische Traditionalisten wie Tawaraya Sōtatsu und Ogata Kōrin von der Rinpa-Gruppe zu den wichtigsten Vertretern der Nanga. [11] Später bunjinga Künstler veränderten sowohl die Techniken als auch das Thema dieses Genres erheblich, um eine Mischung aus japanischen und chinesischen Stilen zu schaffen. Die Vorbilder dieses Stils sind Ike no Taiga, Uragami Gyokudō, Yosa Buson, Tanomura Chikuden, Tani Bunchō und Yamamoto Baiitsu.

Aufgrund der fiskalischen und sozialen Sparpolitik des Tokugawa-Shogunats waren die luxuriösen Moden dieser Genres und Stile weitgehend auf die oberen Schichten der Gesellschaft beschränkt und für die unteren Schichten nicht verfügbar, wenn nicht sogar verboten. Das gemeine Volk entwickelte eine eigene Art von Kunst, die fūzokuga (風俗画, Genrekunst), in dem Gemälde Szenen aus dem alltäglichen Leben, insbesondere dem des einfachen Volkes, darstellen, kabuki Theater, Prostituierte und Landschaften waren beliebt. Aus diesen Gemälden im 16. Jahrhundert entstanden die Gemälde und Holzschnitte von Ukiyo-e.

Wichtige Künstler der Edo-Zeit sind:

    (1559–1663) (1602–1674) (gestorben 1643) (1617–1691) (1658–1716) (1677–1751) (1697–1752) (1704–1758) (1716–1783) (1716–1800) ( 1723–1776) (um 1725–1770) (1730–1781) (1733–1795) (1744–1820) (1745–1820) (1752–1811) (1760–1849) (1763–1840) (1777–1835 ) (1782–1846) (1783–1856) (1793–1841) (1797–1858) (1807–1891) (1836–1924) (Yūhi) (ca. 1712–1772)

Vorkriegszeit (1868–1945) Bearbeiten

Die Vorkriegszeit war geprägt von der Aufteilung der Kunst in konkurrierende europäische Stile und traditionelle indigene Stile.

Während der Meiji-Zeit erlebte Japan im Zuge der von der Meiji-Regierung organisierten Europäisierungs- und Modernisierungsoffensive einen gewaltigen politischen und gesellschaftlichen Wandel. Malerei im westlichen Stil (Yoga) wurde offiziell von der Regierung gefördert, die vielversprechende junge Künstler zum Studium ins Ausland schickte und ausländische Künstler anheuerte, um nach Japan zu kommen, um einen Kunstlehrplan an japanischen Schulen einzurichten.

Nach einem anfänglichen Enthusiasmus für westliche Kunst schlug das Pendel jedoch in die entgegengesetzte Richtung, und unter der Leitung des Kunstkritikers Okakura Kakuzō und des Pädagogen Ernest Fenollosa gab es eine Wiederbelebung der Wertschätzung für traditionelle japanische Stile (Nihonga). In den 1880er Jahren wurde Kunst im westlichen Stil von offiziellen Ausstellungen verboten und von Kritikern heftig kritisiert. Unterstützt von Okakura und Fenollosa, dem Nihonga Stil entwickelte sich mit Einflüssen aus der europäischen präraffaelitischen Bewegung und der europäischen Romantik.

Die Maler im Yōga-Stil bildeten die Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society) eigene Ausstellungen zu veranstalten und ein erneutes Interesse an westlicher Kunst zu fördern.

1907, mit der Gründung des Bunten Unter der Ägide des Bildungsministeriums fanden beide konkurrierenden Gruppen gegenseitige Anerkennung und Koexistenz und begannen sogar den Prozess der gegenseitigen Synthese.

Die Taishō-Zeit sah die Vorherrschaft von Yoga Über Nihonga. Nach langen Aufenthalten in Europa kehrten viele Künstler (darunter Arishima Ikuma) unter der Herrschaft von Yoshihito nach Japan zurück und brachten die Techniken des Impressionismus und des frühen Post-Impressionismus mit. Die Werke von Camille Pissarro, Paul Cézanne und Pierre-Auguste Renoir beeinflussten die Malerei der frühen Taishō-Zeit. Jedoch, Yoga Künstler der Taishō-Zeit tendierten ebenfalls zum Eklektizismus, und es gab eine Fülle von abweichenden künstlerischen Bewegungen. Dazu gehörten die Fusain-Gesellschaft (Fyuzankai), die Stile des Post-Impressionismus, insbesondere des Fauvismus, betonten. Im Jahr 1914 wurde die Nikakai (Second Division Society) trat gegen die staatlich geförderte Bunten-Ausstellung auf.

Die japanische Malerei während der Taishō-Zeit wurde nur geringfügig von anderen zeitgenössischen europäischen Bewegungen wie dem Neoklassizismus und dem späten Postimpressionismus beeinflusst.

Es war jedoch wiederauferstanden Nihonga, gegen Mitte der 1920er Jahre, die bestimmte Trends aus dem Post-Impressionismus übernahm. Die zweite Generation von Nihonga Künstler gründeten die Japan Fine Arts Academy (Nihon Bijutsuin) um gegen die staatlich geförderten anzutreten Bunten, und obwohl yamato-e Traditionen blieben stark, die zunehmende Verwendung westlicher Perspektiven und westliche Konzepte von Raum und Licht begannen die Unterscheidung zwischen Nihonga und Yoga.

Die japanische Malerei in der Shōwa-Zeit der Vorkriegszeit wurde weitgehend von Sōtarō Yasui und Ryūzaburō Umehara dominiert, die die Konzepte der reinen Kunst und der abstrakten Malerei in die Nihonga Tradition und schuf so eine interpretativere Version dieses Genres. Dieser Trend wurde von Leonard Foujita und der Nika Society zum Surrealismus weiterentwickelt. Um diese Trends zu fördern, hat die Independent Art Association (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) wurde 1931 gegründet.

Während des Zweiten Weltkriegs konnten durch staatliche Kontrollen und Zensur nur patriotische Themen zum Ausdruck gebracht werden. Viele Künstler wurden für die Propaganda der Regierung rekrutiert, und die kritische, nicht-emotionale Überprüfung ihrer Werke steht erst am Anfang.

Wichtige Künstler der Vorkriegszeit sind:

    (1863–1899) (1850–1906) (1856–1907) (1828–1888) (1835–1908) (1866–1924) (1874–1959) (1869–1939) (1882–1962) (1882–1911) (1867–1943) (1868–1958) (1874–1911) (1873–1957) (1875–1949) (1885–1977) (1864–1942) (1837–1924) (1873–1930) (1874–1941) (1880–1916) (1879–1936) (1887–1931) (1891–1929) (1885–1927) (1894–1935) (1885–1966) (1887–1936) (1888–1939) (1881–1955) (1883–1967) (1888–1986) (1884–1978) (1883–1957) (1886–1968) (1898–1928) (1898–1972) (1878–1972) (1884–1934)

Nachkriegszeit (1945–heute) Bearbeiten

In der Nachkriegszeit wurde die staatlich geförderte Japan Art Academy (Nihon Geijutsuin) wurde 1947 gegründet und enthielt beides nihonga und Yoga Divisionen. Die staatliche Förderung von Kunstausstellungen wurde eingestellt, aber durch private Ausstellungen ersetzt, wie z Nitten, in noch größerem Maßstab. Obwohl die Nitten war zunächst die Ausstellung der Japan Art Academy, seit 1958 wird sie von einer eigenen privaten Gesellschaft betrieben. Teilnahme am Nitten ist fast eine Voraussetzung für die Nominierung für die Japan Art Academy geworden, die an sich schon fast eine inoffizielle Voraussetzung für die Nominierung zum Order of Culture ist.

Die Künste der Edo- und Vorkriegszeit (1603–1945) wurden von Kaufleuten und Stadtbewohnern unterstützt. Gegen die Edo- und Vorkriegszeit wurde die Kunst der Nachkriegszeit populär. Nach dem Zweiten Weltkrieg blühten Maler, Kalligraphen und Grafiker in den großen Städten, insbesondere in Tokio, auf und beschäftigten sich mit den Mechanismen des urbanen Lebens, die sich in den flackernden Lichtern, Neonfarben und dem rasanten Tempo ihrer Abstraktionen widerspiegelten. Alle "Ismen" der New York-Pariser Kunstwelt wurden inbrünstig umarmt. Nach den Abstraktionen der 1960er Jahre erlebten die 1970er Jahre eine Rückkehr zum Realismus, der stark von den "Op"- und "Pop"-Art-Bewegungen geprägt war, die in den 1980er Jahren in den explosiven Werken von Ushio Shinohara verkörpert wurden. Viele dieser herausragenden Avantgarde-Künstler arbeiteten sowohl in Japan als auch im Ausland und gewannen internationale Preise. Diese Künstler hatten das Gefühl, dass ihre Werke "nichts Japanisch" seien, und sie gehörten tatsächlich zur internationalen Schule. In den späten 1970er Jahren veranlasste die Suche nach japanischen Qualitäten und einem nationalen Stil viele Künstler dazu, ihre künstlerische Ideologie neu zu bewerten und sich von den für manche vermeintlichen leeren Formeln des Westens abzuwenden. Zeitgenössische Gemälde innerhalb der modernen Sprache begannen, sich bewusst traditioneller japanischer Kunstformen, Geräte und Ideologien zu bedienen. Eine Anzahl von mono-ha Künstler wandten sich der Malerei zu, um traditionelle Nuancen in räumlichen Anordnungen, Farbharmonien und Lyrik wieder einzufangen.

nach japanischer Art oder nihonga Die Malerei setzt sich in der Vorkriegsmode fort und aktualisiert traditionelle Ausdrücke, während sie ihren intrinsischen Charakter behält. Einige Künstler dieses Stils malen noch immer mit traditionellen Farben und Tinte auf Seide oder Papier, während andere neue Materialien wie Acryl verwenden.

Viele der älteren Kunstschulen, vor allem die der Edo- und Vorkriegszeit, wurden noch praktiziert. Zum Beispiel der dekorative Naturalismus der Rimpa Schule, die sich durch brillante, reine Farben und blutende Waschungen auszeichnet, spiegelte sich im Werk vieler Künstler der Nachkriegszeit in der Kunst von Hikosaka Naoyoshi der 1980er Jahre wider. Der Realismus der Schule von Maruyama Ōkyo und der kalligraphische und spontane japanische Stil der Gentlemen-Stipendiaten waren in den 1980er Jahren weit verbreitet. Manchmal wurden alle diese Schulen sowie ältere, wie die Tintentraditionen der Kanō-Schule, von zeitgenössischen Künstlern im japanischen Stil und im modernen Idiom aufgegriffen. Viele Maler im japanischen Stil wurden mit Auszeichnungen und Preisen geehrt, als Ergebnis der erneuten Nachfrage nach japanischer Kunst ab den 1970er Jahren. Auch die internationalen Maler der Moderne griffen immer mehr auf die japanischen Schulen zurück, als sie sich in den 1980er Jahren von westlichen Stilen abwandten. Die Tendenz bestand darin, Ost und West zu synthetisieren. Einige Künstler hatten die Lücke zwischen beiden bereits übersprungen, ebenso der herausragende Maler Shinoda Toko.Ihre kühnen Sumi-Tinten-Abstraktionen wurden von traditioneller Kalligraphie inspiriert, aber als lyrische Ausdrucksformen moderner Abstraktion umgesetzt.

Es gibt auch eine Reihe zeitgenössischer Maler in Japan, deren Werke weitgehend von Anime-Subkulturen und anderen Aspekten der Populär- und Jugendkultur inspiriert sind. Takashi Murakami ist vielleicht einer der bekanntesten und beliebtesten von ihnen, zusammen mit den anderen Künstlern in seinem Kaikai Kiki Studiokollektiv. Seine Arbeit konzentriert sich darauf, Themen und Anliegen der japanischen Nachkriegsgesellschaft durch normalerweise scheinbar harmlose Formen auszudrücken. Er schöpft stark aus Anime und verwandten Stilen, produziert jedoch Gemälde und Skulpturen in Medien, die traditioneller mit bildender Kunst verbunden sind, und verwischt absichtlich die Grenzen zwischen kommerzieller und populärer Kunst und bildender Kunst.


Die überraschende Geschichte des Kimono

Der Kimono, den die Welt mit Japan assoziiert, wurde Ende des 19. Jahrhunderts als kulturelles Identifikator geschaffen.

Kimono bedeutet auf Englisch „Ding zum Tragen”. Aber das Kleidungsstück, das alle mit Japan in Verbindung bringen, wurde nicht immer so genannt. Ihre lange Geschichte ist eines der besten Beispiele dafür, wie Kleidung Identität verleiht.

Der erste Vorfahre des Kimonos wurde in der Heian-Zeit (794-1192) geboren. Gerade Stoffschnitte wurden zusammengenäht, um ein Kleidungsstück zu schaffen, das sich jeder Körperform anpasst. Es war leicht zu tragen und unendlich anpassungsfähig. In der Edo-Zeit (1603-1868) hatte es sich zu einem Unisex-Oberkleid namens Kosode entwickelt. Wörtlich bedeutet “kleine Ärmel”, die Kosode zeichnete sich durch kleinere Armlöcher aus. Erst ab der Meiji-Zeit (1868-1912) wurde das Kleidungsstück Kimono genannt. Diese letzte Transformation von der Edo-Ära zum modernen Japan ist faszinierend.

Bildschirm aus dem 17. Jahrhundert von Iwasa Matabei (via Wikimedia Commons)

Anfang des 17. Jahrhunderts vereinigte der Erste Shogun Tokugawa Japan zu einem feudalen Shogunat. Edo, das 1868 in Tokio umbenannt wurde, wurde nun Japans Hauptstadt. Die daraus resultierende Edo-Zeit (auch Tokugawa-Ära genannt) umfasste 264 Jahre. Die Jahre 1603 bis 1868 gelten als die letzte Ära des traditionellen Japans. Die japanische Kultur entwickelte sich in dieser Zeit fast ohne fremden Einfluss. Und die Kosode war eines der Schlüsselelemente dessen, was es bedeutete, Japaner zu sein.

Während der Edo-Ära war Kosode ein sichtbar einigender kultureller Marker. Jeder Japaner trug es, unabhängig von Alter, Geschlecht oder sozioökonomischer Position. In den seltenen Fällen, in denen ein Japaner mit Ausländern in Kontakt kam, war ein sichtbarer Unterschied, dass Ausländer keine Kosode trugen. Edo kosode sind daher ein Fenster in eine Kultur kurz vor einem grundlegenden Wandel.

Wie die meisten Gesellschaften war Japan in der Edo-Zeit geschichtet. Da alle Kosode trugen und sich der Schnitt in dieser Zeit kaum veränderte, wurden Botschaften in das Kleidungsstück eingearbeitet, um seine Trägerin anzukündigen. Stil, Motiv, Stoff, Technik und Farbe erklärten, wer Sie waren. Sie unterlagen auch oft kostspieligen Vorschriften. Dies schmiedete eine intrinsische Verbindung zwischen Kosode und Kunst und Design.

Da die ärmeren Klassen ihre Kleidung zu Lumpen trugen, ist fast keine ihrer Kosoden intakt geblieben. Aber die höheren sozioökonomischen Schichten der Gesellschaft waren in der Lage, ihre zu speichern und zu erhalten und neue in Auftrag zu geben. Und wie andere Kunstformen – einschließlich Malerei, Poesie, Keramik und Lackwaren – hielt Kosode an ästhetischen Kanonen fest.

Der vielleicht wichtigste Kanon war die Verwendung des Expliziten, um das Implizite zu bezeichnen. Naomi Noble Richard stellt fest, dass eine Kirschblüte nicht nur ein hübsches Design war, sondern vielmehr die weibliche Schönheit des Sterblichen symbolisierte. Darüber hinaus würde eine raffinierte Frau es im Sommer zur Freizeit tragen, nicht zur Arbeit. Dies war bei den meisten Blumenmustern der Fall.

Stoffqualität, Musterwahl, Garn, Farbe, Holzdruck und Farbe waren wesentliche Kriterien für die Darstellung von Rang, Alter, Geschlecht und Raffinesse der eingehüllten Person. Und Verfeinerung war von besonderer Bedeutung. Die Verwendung von Kanji (chinesischen Schriftzeichen) und Szenen aus der chinesischen und japanischen klassischen Literatur zeigte literarisches Können. Richard erklärt, dass ein hölzernes Rad zum Beispiel evozieren würde Die Geschichte von Genji, oder sogar auf eine Szene in einem Nō-Stück anspielen (nur ausgewählte Aristokraten wurden eingeladen, sich Nō-Stücke anzusehen).

Es gab so viele Feinheiten, die mit der frühneuzeitlichen Kosode verbunden waren, dass Designbücher unerlässlich waren. Jeder hat diese Hinagata bon (Design-/Musterbücher) konsultiert – vom Auftraggeber über den Textilladenbesitzer bis hin zu den Designern.

Der erste uns bekannte Hinagata bon stammt aus dem Jahr 1666 und heißt Shinsen O-Hinagata (Eine neue Auswahl angesehener Muster). Dass die angesehensten Künstler der Zeit, die Ukiyo-e-Künstler (Floating World), Hinagata bon schrieben, unterstreicht, wie Kosode tatsächliche Kunstwerke waren.

Jedes einzelne Kleidungsstück war die Biodaten seines Trägers. Ebenso sind Edo kosode und Hinagata bon die Biodaten eines Zeitalters. Durch das Tragen von Kunst hinterließen uns die Japaner der Frühen Neuzeit einen bemerkenswerten Einblick in ihre Welt und was es bedeutete, vor fremden Einflüssen Japaner zu sein.

Das erklärt, warum der Kimono als Kleidungsstück so viel davon verkörpert, was es bedeutet, Japaner zu sein. Und warum Japan nach Edo so wichtig wurde. Der Kosode-cum-Kimono hielt einen Teil des traditionellen Japans in einer Zeit der schnellen Modernisierung und des ausländischen Einflusses am Leben. In der Meiji-Zeit wurde es einfach in ‚das tragende Ding‘ umbenannt. Und sie ermutigten insbesondere Frauen, es zu tragen. Um dies in einen Kontext zu setzen, ermutigte das Meiji-Gesetz gleichzeitig Männer, westliche Kleidung zu tragen, und forderte dies für Regierungsbeamte und Militärpersonal bei offiziellen Anlässen.

Da Japan während der Meiji-Zeit auf mehreren Ebenen einen grundlegenden Wandel durchmachte, waren japanische Frauen, die Kimonos trugen, ein beruhigendes, visuelles Bild. Der Kimono wurde zu einem sichtbaren und doch stillen Bindeglied zwischen Frau, Mutter und kulturellem Beschützer. Noch heute erinnert der Kimono an die Kernkultur Japans, wie sie kurz vor ihrer grundlegenden Veränderung war.


Unzählige historische Phänomene sind im Laufe der Zeit entstanden und verschwunden, aber nur einige sind aufgeschrieben. Wir nennen das ehemalige &ldquoreki&rdquo und letzteres &ldquoschi.&rdquo Trotz der unbestreitbaren Existenz von Frauen als &ldquoreki&rdquo in der langen Geschichte des japanischen Archipels erscheinen sie selten in &ldquoschi.&rdquo Dennoch haben Forscherinnen und Forscher der Frauengeschichte in ihrem Bemühen, weibliche Figuren ans Licht zu bringen, folgende neue Fragen aufgeworfen. &ldquoWarum haben wir Männer von Frauen unterschieden?&ldquo &ldquoWie haben sich die Menschen in der Vergangenheit durch solche Geschlechtertrennungen bewegt?&rdquo Anhand von mehr als 280 Quellen, einschließlich wichtiger Kulturgüter und UNESCO-Gedenkstätten der Welt, untersucht diese historische Ausstellung, welches Geschlecht bedeutet und wie es sich in der langen Geschichte der japanischen Gesellschaft verändert hat.

Mit dem Fokus auf den Raum für Staatsangelegenheiten und Politik untersucht diese Ausstellung zunächst die Entstehung von Geschlechtertrennungen. Die klassische japanische Gesellschaft entwickelte sich zusammen mit der Bildung der ritsuryō Staat, indem es seine Bestandteile in &ldquomale&rdquo und &ldquoweiblich&rdquo einteilt und ihnen damit vorgegebene Geschlechterrollen zuordnet. Im Mittelalter und in der Frühen Neuzeit wurden einzelne Haushalte (dh) als politischer Raum fungierte. Dann, mit der Errichtung des modernen Nationalstaates, wurden Frauen vollständig von Regierungsangelegenheiten ausgeschlossen. Heute leben wir in einer zeitgenössischen japanischen Gesellschaft, die nach all diesen Veränderungen entstanden ist. Lassen Sie uns gemeinsam erkunden, wie dieser Prozess ablief.

Darüber hinaus beleuchtet diese Ausstellung Frauen und Männer in ihrer Arbeit und ihrem Leben. Durch die Untersuchung ausgegrabener Gegenstände wie klassischer Holztafeln und Tonfiguren aus Hügelgräbern können wir bisher unbekannte Informationen über die tatsächlichen Arbeitsbedingungen von Frauen und Männern im klassischen Japan aufdecken. Durch die Untersuchung verschiedener Aspekte der Arbeit – wie Reisanbau im mittelalterlichen und frühneuzeitlichen Japan, Friseurberufe und handwerkliche Tätigkeiten – werden wir sehen, wann und wie wir unsere Bilder über männliche und weibliche Berufe entwickelt haben.

Darüber hinaus untersuchen wir durch den Fokus auf den Sexhandel vom Mittelalter bis zur Nachkriegszeit die Geschichte der Sexualität, die maßgeblich von den Geschlechts- und sozialen Merkmalen der einzelnen Epochen beeinflusst wurde. Obwohl die Leute sagen, dass &ldquoProstitution der älteste Frauenberuf ist&rdquo, stimmt das wirklich? Neben der Einführung von Tagebüchern und Briefen von Frauen, die als Prostituierte lebten, bietet diese Ausstellung einen Einblick in die Geschichte der Sexualität in Japan, die die Geschlechtertrennung und die Positionierung von Männern und Frauen stark widerspiegelte.

Geschlecht – wir werden unbewusst davon geprägt. Die Geschichte der Geschlechter, die einen großen Einfluss auf uns hat, ist voller Überraschungen und Entdeckungen. Die Sonderausstellung &ldquoGender in Japanese History&rdquo soll spannende Elemente der Geschichte präsentieren und den Besuchern die Möglichkeit bieten, nach einem Weg zu suchen, eine Gesellschaft zu entwickeln, in der jeder ohne geschlechtsspezifische Einschränkungen frei leben kann.

Highlights der Ausstellung

* Warum machen wir männlich-weibliche Trennungen?
Dies ist die erste Ausstellung, die erklärt, wie &ldquogender&rdquo in der japanischen Geschichte entstanden, sich entwickelt und verändert hat.

* Kabutozuka Tumulus―Unvergleichliche seltene Tonfiguren!
Wir werden Folgendes ausstellen!: eine der beiden als wichtiges Kulturgut ausgewiesenen Tonfiguren im Webstil, die als einzige in Japan ausgegraben wurden und 3D-Bilder der &ldquoFigur einer sitzenden Weberin.&rdquo

* Großartige Gegenstände werden zum ersten Mal angezeigt! Neben Takahashi Yuichis Gemälde 《Oiran》, das als wichtiges Kulturgut ausgewiesen ist, werden wir ein Prostituiertentagebuch und handgeschriebene Briefe von Koina und Matsugae, beliebten Prostituierten des Inamoto Bordells im New Yoshiwara Vergnügungsviertel, ausstellen. Kleiderschränke, Werkzeuge, Briefe und Tagebücher – Diese Gegenstände erzählen uns über den Lebensunterhalt von Prostituierten und ihren männlichen Kunden. Bahnbrechend zeigt diese Ausstellung die Unterdrückungsstruktur gegenüber dem Sexgewerbe durch die Auseinandersetzung mit sozialen Merkmalen.

* Wir werden drei Artikel präsentieren, darunter Yamamoto Sakuhei&rsquos Videoaufnahme 《Betreten einer Mine (Mutter und Kind)》, die der erste japanische Artikel ist, der im UNESCO-Verzeichnis &ldquoMemory of the World&rdquo aufgeführt ist!

* In der klassischen Zeit waren weibliche Souveräne und weibliche Beamte die Norm, aber unter dem verfassungsmäßigen System der Meiji wurden Frauen von solchen Arenen vollständig ausgeschlossen. Was sehen wir nun im heutigen Japan? In dieser Ausstellung werden wir die Geschichte von Politik und Geschlecht mit besonderem Augenmerk auf den Raum entwirren.

Geschlecht in der klassischen japanischen Gesellschaft

In der vergangenen japanischen Gesellschaft, als die Geschlechtertrennung zwischen Männern und Frauen nicht eindeutig war, arbeiteten die Menschen in Gruppen, boten Waren als Tribut an und nahmen an Gemeinschaftsritualen teil. Männer und Frauen übernahmen Führungsrollen auf verschiedenen Ebenen der Gesellschaft, von einem zentralen Häuptling bis hin zu lokalen Machthabern. Dann müssen wir uns fragen, wie und wann männliche und weibliche Rollen artikuliert wurden. Durch die Analyse politischer Räume und lokaler Gemeinschaften. Lassen Sie uns die Art und Weise untersuchen, in der Männer und Frauen kooperierten, und den Prozess betrachten, durch den die Geschlechtertrennung zunehmend institutionalisiert wurde.

Wichtiges Kulturgut
Tonfigur einer sitzenden Weberin
Ausgegraben vom Kabutozuka Tumulus in der Präfektur Tochigi
Spätes 6. Jahrhundert
Im Besitz des Bildungsausschusses der Stadt Shimotsuke

Wichtiges Kulturgut
Aschenurne von Ihokibe no Tokotarihime
710 (Wadō 3)
Im Besitz des Nationalmuseums von Tokio
Bild:TNM Bildarchiv

Shōsōin-Archiv
Taihō 2 Mino Provinz Kamo Distrikt Hafuri Wohneinheit Register (Reproduktion)
710 (Taihō 2)
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Politik und Geschlecht im mittelalterlichen Japan

Weibliche Bedienstete (Nyobo) waren aristokratische Frauen, die einem Herrscher, seinen unmittelbaren Familienmitgliedern und hochrangigen Adelsfamilien eng dienten. In Heian Japan gab es eine Tendenz, eine negative Einstellung zu haben, als Nyobo zu dienen. Ein solcher Trend änderte sich jedoch in der späten Heian-Zeit und darüber hinaus, als die Regierungsgewalt und -macht auf verschiedene Institutionen und einzelne Gruppen aufgeteilt wurde, darunter ein Herrscher und seine unmittelbaren Familienmitglieder. Zusammen mit dieser Änderung wurde der Dienst der Nyobos als einer der Möglichkeiten angesehen, den politischen Status und die wirtschaftliche Basis ihrer Familien zu fördern, ähnlich wie bei männlichen Höflingen. Speziell aus der Kamakura-Zeit wurde der Mechanismus der "Übergabe von königlichen Botschaften und Befehlen" durch weibliche Bedienstete strukturell in das damalige Mandatssystem integriert, wie es beispielsweise vom ranghohen Souverän kontrolliert oder vom Souverän beaufsichtigt wird. In der Muromachi- und Sengoku-Periode wurden Nyobo-Hosho, Briefe, die von weiblichen Bediensteten geschrieben wurden, die Wünsche des Herrschers übermittelten, häufig als offizielle Dokumente verwendet.

Wichtiges Kulturgut Archiv des Klosters Kōzan
Minamoto no Yoshitsunes Brief
Der achtundzwanzigste Tag des sechsten Monats im Jahr 1185 (Genryaku 2)
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Mittelalterlicher Haushalt und Religion

Im mittelalterlichen Japan wurden patrilineare "Haushalte" (dh) unabhängig von sozialem Status oder Klasse gebildet. Inzwischen wurden die Beziehung eines Ehepaares und die Rolle der Frau zu einer ganz wichtigen Rolle. Witwen wurden von der Gesellschaft als Vertreter der Familie anerkannt, die ihre Ehemänner betrauerten und die Autorität über die Kinder behielten. Während sie nach und nach mit Einschränkungen konfrontiert waren, durften mittelalterliche Japanerinnen dennoch Eigentum besitzen und verwalten. Durch genaue Analysen schriftlicher und visueller Primärquellen zeigt diese Ausstellung, wie Frauen mit wirtschaftlicher Autorität in einer instabilen mittelalterlichen Gesellschaft mit starken religiösen Einflüssen Verantwortung übernahmen, um die buddhistischen Rituale ihrer Familien durchzuführen, ihre Hingabe zu vertiefen und religiöse Aktivitäten unabhängig auszuüben.

Ausgewiesenes Kulturgut der Stadt Shizuoka
Roter Siegelbrief der Nonne Jukei
1528 (Kyōroku 1)/10/18
Im Besitz von Shizuoka City

Wichtiges Kulturgut
Jizō Bosatsu (Bodhisattva) Stehende Statue
1334 (Kenmu 1)
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Wichtiges Kulturgut
In Jizō Bosatsu (Bodhisattva) platzierte Gegenstände Stehende Statue (Gebet der Hingabe, Nägel und Haare)
1334 (Kenmu 1)
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Wichtiges Kulturgut
In Jizō Bosatsu (Bodhisattva) platzierte Objekte Stehende Statue (gedruckte Buddha-Statue)
1334 (Kenmu 1)
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Gender in Arbeit und Leben – Vom Mittelalter bis zur Frühen Neuzeit –

Unser Verständnis der Arbeitsteilung zwischen Männern und Frauen variiert je nach Zeitabschnitt und Gesellschaft erheblich. Im mittelalterlichen Japan zum Beispiel arbeiteten viele Frauen als Geschäftsinhaberinnen in gewerblichen und industriellen Bereichen und machten Karriere. Als solche erlangten sie eine gewisse gesellschaftliche Anerkennung. In der frühen Neuzeit wurden Frauen jedoch nicht mehr als vollwertige Fachleute angesehen, da die Gesellschaft umstrukturiert wurde, um mehr männerzentrierte Regeln und Ideen zu integrieren. Durch Vergleiche mit anderen ostasiatischen Situationen, wie beispielsweise Gebieten auf dem chinesischen Kontinent und in den nördlichen Regionen des japanischen Archipels, zeigen wir, dass in der Arbeitsteilung eine erhebliche Geschlechtervielfalt existierte. Mit der Fokussierung auf diese historische und regionale Vielfalt wollen wir unser „Allgemeinwissen“ relativistisch betrachten.

Donja (Schlafrobe aus altem mehrlagigem Patchworkstoff)
19.-20. Jahrhunderte
Amuse Museum, Tanaka Chūzaburō Sammlung

Berühmte Szenen von Higashiyama (2. Tafel der Faltwand) (Teilweise)
Spätes 16. Jahrhundert
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Haarpflege
Fotografiert von F. Beato
1863 (Bunkyū 3)
Im Besitz der Universitätsbibliothek Nagasaki

Damenfrisuren
Fotografiert von F. Beato
1863 (Bunkyū 3)
Im Besitz der Universitätsbibliothek Nagasaki

Von der Trennung zur Ausgrenzung – Politische Räume und der Wandel der Geschlechter in der Frühen Neuzeit und Neuzeit –

Im politischen Raum der Eda-Burg und der Residenzen der Domänenherren (Daimyo) galten die Frauen aufgrund der frühneuzeitlichen Unterscheidungen zwischen "verziert und oku" (Vorder- und Rückseite) oder "öffentlich" als im Hintergrund gehalten und privat." Neuere Forschungen haben jedoch gezeigt, dass die Struktur des Schlosses nicht nur aus einem öffentlichen Bereich nach vorne bestand, der als Zeremonienraum diente, sondern auch aus einem privaten Bereich nach hinten, in dem sowohl die täglichen Verwaltungsangelegenheiten der Shogun oder ein Domänenherr durchgeführt wurde und wo die Frauen und Palastfrauen lebten und männliche Beamte arbeiteten. Solche neuen Studien geben Aufschluss über die politischen Funktionen der Ehefrauen des Shoguns oder Domänenherren sowie ihrer Palastfrauen. In der Neuzeit lehnte das System der Meiji-Verfassung diese politische Funktion von Frauen als Teil der Struktur dieser Art von Haushalt ab, was zur Vertreibung von Frauen aus dem politischen Raum führte.

Kurzarm Kimonomit einem Muster aus Kiefern, Weinreben, Löwen und Wasserbächen
Spätere Edo-Zeit
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Illustrierte Karte des westlichen Burggeländes
(Archiv der Suzuki-Familie, die die Bau- und Reparaturgruppe beaufsichtigt)
1852 (Kaei 5)
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Protokoll des dritten Beratungsgremiums des Geheimen Rates
1889 (Meji 22)
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte

Sexhandel und Gesellschaft

Der Sexhandel wird grundlegend durch die Geschlechter und die sozialen Merkmale der jeweiligen Epoche geprägt. Während sich die Prostitution im alten Japan nie zu einem professionellen Beruf entwickelte, wurde sie im Mittelalter zu einem Haushaltsberuf, als Prostituierte matrilineare Familien und professionelle Gruppen bildeten, die Unterhaltung und sexuelle Dienstleistungen anboten. In der Frühen Neuzeit billigte das Shogunat offiziell ein System, nach dem Bordellbesitzer, die als Statusgruppe anerkannt waren, Frauen, die sie durch Menschenhandel erlangten, zur Prostitution zwangen. Im modernen Japan durchdrang ein wirtschaftlich unterdrückendes Prostitutionssystem die Gesellschaft. Unter dem Vorwand, sich selbst zu verkaufen, zwang dieses System Frauen zur Prostitution unter staatlicher Kontrolle. Durch die Analyse sowohl der Stimmen von Prostituierten als auch der Situation der Männer, die ihre Dienste gekauft haben, untersucht dieser Abschnitt die Beziehung zwischen dem Sexhandel und der Gesellschaft.

Bildrollen der Handwerker und Handwerker der Frühen Neuzeit c
Geringere Lautstärke (teilweise)
Gemälde: Kuwagata Keisai
Texte: Santō Kyōden
Während der Bunka-Ära
Im Besitz des Nationalmuseums von Tokio

Wichtiges Kulturgut
&ldquoSchönheit (Oiran),&rdquo Ölgemälde von Takahashi Yuichi
1872 (Meiji 5)
Im Besitz der Universität der Künste Tokio

Brief der Prostituierten des Inamoto-Bordells, Koina die Dritte
1863 (Bunkyū) 3
Im Besitz des Stadtarchivs Suzaka

Oboech, Tagebuch der Prostituierten Sakuragi (Umemotoki vol. 3, die Kanō-Sammlung)
1846 (Kōka 3)
Im Besitz der Universitätsbibliothek Tohoku

Tägliche Versorgung (Waschutensilien) von Prostituierten im Bordell Kiyosadarō (in der heutigen Stadt Yōkaichi in der Präfektur Shiga)
Taishō-Shōwa-Zeiten
Im Besitz des Osaka Human Rights Museum

Geschlecht in Alltag und Arbeit --Vom modernen zum zeitgenössischen Japan--

Welche persönlichen Bilder verbinden wir mit Wörtern wie „Arbeiter“, „Politiker“, „Bürokrat“ oder „Experte“? In der japanischen Vorkriegsgesellschaft waren diese Rollen auf Männer beschränkt, und selbst bei den Eignungsprüfungen wurde eine Geschlechterschranke aufgestellt. Aus der Gender-Perspektive ist die Moderne ein Zeitalter, in dem Frauen von verschiedenen Orten ausgeschlossen und trotz reichlicher Möglichkeiten unsichtbar gemacht wurden. In diesem Abschnitt betrachten wir das Verhältnis zwischen Beruf und Arbeit im modernen System neu und untersuchen, wie Frauen selbst in spezialisierten Berufen "Weiblichkeit" zeigen müssen.

Betreten einer Mine (Mutter und Kind) – UNESCO &ldquoMemory of the World&rdquo (Yamamoto Sakuhei&rsquos Videoaufzeichnung)
Um 1899 (Meiji 32)
Im Besitz des Tagawa City Coal and History Museum ©Yamamoto Family

Poster &bdquoWenn Männer und Frauen gleichen Lohn für gleiche Arbeit erhalten…&rdquo Die Abteilung für Frauenarbeit im Büro für Frauen und Jugendliche des Arbeitsministeriums
1948 (Shōwa 23)
Im Besitz der Gordon W. Prange Collection, University of Maryland

&ldquoNeues Brettspiel: Zwei Lebenswege für zeitgenössische Männer und Frauen&rdquo von Kiyotaka Kataburi (Eine Ergänzung zu Literarischer Club [Bungei Kurabu] 13, nein. 1, 1907 [Meiji 40] Hakubunkan )
Im Besitz des Nationalmuseums für japanische Geschichte`


Japanische Bildende Kunst


Der chinesische Malstil war einflussreich in der frühen Entwicklung der japanischen Malerei, aber insbesondere nach dem 14. Jahrhundert entwickelte sich die japanische Malerei auf unterschiedliche Weise. Diese Unterschiede wurden im 17.-19. Jahrhundert deutlich, als Japan sich von der Außenwelt abschottete.

Die japanische Malerei war je nach Künstler und Thema tendenziell sowohl abstrakter als auch naturalistischer als die chinesische. Der japanische Stil ermöglichte mehr Spontaneität und Individualität. Obwohl japanische Landschaften und Panorama-Rollenbilder wie die chinesische Malerei eine wechselnde Perspektive aufwiesen, konzentrierten sich viele Werke auf intimere und begrenztere Themen, die explizitere Perspektiven und Lichteffekte ermöglichten. Es entstanden Einzelporträts, Alltagsszenen, Pflanzen- und Tierstudien, die mit Spontaneität und Individualität bearbeitet wurden. Im Gegensatz zur eher dekorativen chinesischen Ästhetik tendiert der japanische Stil zu einer Reduktion auf das Wesentliche, dem Versuch, die Grundform und die Charakteristika eines bestimmten Themas zu erfassen. Auch ein Malstil namens Ukiyo-e, der im 19. Ukiyo-e-Drucke hatten einen wichtigen Einfluss auf die Arbeit westlicher Künstler.

Auch die Tatsache, dass Japan eine Insel ist, hat dazu beigetragen, dass sich dort visuelle Ideen entwickelt haben. Mit klar begrenztem Platz und der Notwendigkeit, ihn gut zu verwalten, wird die shintoistische und buddhistische Liebe zur Natur genutzt. Da es keine unbegrenzte Wildnis gibt, wird das Wesen der Wildnis gesucht. Die Kunst des Landschafts- und Gartenbaus hat sich zu einem hohen Anspruch entwickelt, in dem sorgfältig gestaltete informelle Arrangements die Illusion "natürlicher" Umgebungen erzeugen, in denen das Wesen der Natur eingefangen und gezähmt wird. Ebenso werden einzelne Blumen, Bäume oder andere Pflanzen oder Tiere – sogar Insekten – von der Künstlerin im Kontext der antiken Symbolik, die jedem ausgewählten Bild zugeordnet ist, isoliert und zelebriert. Dieser Link führt Sie zu einer Ausstellung der wunderschönen zeitgenössischen Werke von Itchiku Kubota, einem Meister des Shibori, der eine Reihe prächtiger, von der Natur inspirierter Kimonos hergestellt hat. Die Art und Weise, wie japanische Künstler natürliche Formen in der dekorativen Gestaltung und Malerei verwendeten, war für die Entwicklung des Jugendstils von Bedeutung.


Architektur ist auch eine Mischung aus chinesischen Einflüssen und japanischen Innovationen. Die traditionellen Methoden der Architektur basieren auf chinesischen Methoden des Holzbaus. Der chinesische Einfluss lässt sich am deutlichsten an den großen Bauwerken erkennen, die aus der Nara-Zeit (8. Jahrhundert) erhalten sind. Die japanische Architektur ist wie andere Künste mehr mit Form als mit Oberflächenverschönerung beschäftigt. Dieser Tempel in Kamakura ist ein Beispiel japanischer Architektur aus dem 13. Jahrhundert. Japanische Außen- und Innenräume betonen Raum und Form, wobei Dekoration und Einrichtung auf das Wesentliche beschränkt sind. die asymmetrische Mehrzweckanordnung japanischer Häuser und die einfachen geradlinigen Formen, die durch Rahmen und Wandverkleidungen geschaffen wurden, beeinflussten frühmoderne Architekten, insbesondere Frank Lloyd Wright, und die Designer von de Stijl und Bauhaus. Die Formen japanischer Architektur und Möbel waren auch ein Faktor für die frühe Entwicklung des Arts and Crafts-Stils in England.

Wright war auch beeindruckt von der japanischen Beschäftigung mit der Landschaft und der Gestaltung der Architektur als Erweiterung der Landschaft. Dies wurde zu einem wichtigen Merkmal seiner eigenen Arbeit.

Japanische Gemälde und Drucke, insbesondere die Holzschnitte von Hiroshige, beeinflussten im späten 19. Jahrhundert eine Reihe europäischer und amerikanischer Künstler. Andere Druckgrafiker wie Sharaku waren für ihre Porträts von Schauspielern und Theaterfiguren bekannt. Bemerkenswert unter denen, die von japanischen Drucken inspiriert wurden, waren Edouard Manet, Vincent van Gogh und James MacNeil Whistler. Die Verwendung neutraler Hintergründe, ungewöhnlicher Perspektiven und Vereinfachung der Formen waren Manet und Whistler besonders wichtig. Van Gogh kopierte auch die Techniken und Texturen japanischer Holzschnitte. Japanische Malerei, insbesondere Tuschemalerei, beeinflusste zahlreiche westliche Aquarellkünstler wie John Marin. Wenn Sie an weiteren Informationen über die gegenseitigen Einflüsse Japans und des Westens interessiert sind, versuchen Sie es unter diesem Link.


Kulturelle Intelligenz: Die Kunst des Essens in Japan

(Bild: ninekrai/Shutterstock)

Die Japaner aßen vor dem 7. Jahrhundert mit den Fingern. Zusammen mit dem Buddhismus wurde aus China das Essstäbchen eingeführt, und das Essen wurde normalerweise in mundgroße oder manchmal größere Stücke geschnitten. Aus irgendeinem Grund haben sich Löffel nicht durchgesetzt und die Japaner nippten normalerweise direkt aus der Schüssel. Traditionell bleibt eine Lackschüssel zum Suppentrinken und zur Herstellung von Bento-Boxen. Keramikschalen sind normalerweise für andere Lebensmittel wie Reis und Beilagen gedacht.

Jeder Mensch hätte seinen eigenen Satz Essstäbchen. (Bild: iPortret/Shutterstock)

Jeder Mensch hätte seinen eigenen Satz Essstäbchen. Separate wurden für das Servieren verwendet, das Sie nicht mit Ihren persönlichen Essstäbchen zu sich nahmen. Derselbe Fokus auf Umgangsformen und Etikette hat sich hier ungefähr zur gleichen Zeit, wenn nicht sogar früher, entwickelt wie im Westen, aber offensichtlich mit ganz anderen Ergebnissen. Es gibt eine ähnliche Vermeidung, gewöhnliche Serviergeschirr mit dem Speichel zu verschmutzen, es ist kein hygienisches Problem, sondern hat mehr mit Vorstellungen von Sauberkeit und Umweltverschmutzung zu tun, die aus dem Shintoismus stammen.

Das andere einzigartige Merkmal ist, dass es ursprünglich keine Stühle gab. Die Gäste sitzen direkt auf einer Tatami-Matte auf einem Holzboden, und wie das Trinken aus einer Schüssel zwingt es Sie dazu, alles langsamer und methodischer zu machen. Es wäre gefährlich, solche Lebensmittel schnell zu essen. Normalerweise führst du die Schüssel nah an deine Lippen und bewegst das Essen mit den Stäbchen zum Mund. Das gilt als höflich, anders als im Westen, wo Sie den Teller wirklich nicht aufheben können, ist es besser, das Essen auf Ihrer Krawatte zu verschütten, wenn Sie es zum Mund führen. Das Essen wird auf kleinen Holztischen angerichtet, und während alles auf einmal herausgebracht wird, beginnt man mit bestimmten Speisen, bevor man sich auf den Weg zu anderen macht. Die warmen Gerichte hatten oft kleine Deckel, um sie heiß zu halten, manchmal ist es nur eine andere umgedrehte Schüssel, die als Deckel diente. Sie können es dann öffnen und als zweite Schüssel verwenden.

Die Schaffung japanischer Traditionen

Die wohl am meisten ritualisierte Zeremonie beinhaltete das Trinken von Tee, tschad .

Sehr formalisierte und ritualisierte Umgangsformen entwickelten sich im 16. und 17. Jahrhundert vor allem in der Samurai-Klasse, wahrscheinlich aus den gleichen Gründen wie bei den Adeligen im Westen zur gleichen Zeit: Sie verhindern Missverständnisse und Gewaltausbrüche. Denken Sie daran, dass alle bewaffnet sind, aber am Tisch herrscht ein ritualisierter Waffenstillstand. Die am meisten ritualisierte Zeremonie bestand darin, Tee zu trinken, tschad.

Der Tee selbst kam mit Buddhisten aus China, aber aus irgendeinem Grund geriet er im Mittelalter in Ungnade und gewann wieder an Popularität. Dies sind typischerweise keine schwarzen fermentierten Teeblätter wie in China, sondern grüner Tee in Pulverform. Heute grüner Blatttee oder sen-cha ist beliebter und auch etwas einfacher zu machen. Es gibt eine Zeremonie, die im 16. Jahrhundert entwickelt wurde, um die Zen-Philosophie widerzuspiegeln: Sie wollte ein gesamtes ästhetisches Erlebnis von Kunst, Architektur, Gartenarbeit, Handwerk und Essen schaffen. Es gibt ein formelles Fest, das mit der Zeremonie einhergeht – genannt kaiseki-ryori- und eine strenge Reihenfolge der Kurse. Die Details darüber, warum Japan, nachdem es so offen für äußere Einflüsse war, plötzlich abgeriegelt wurde, sind faszinierend. Die Portugiesen waren die ersten Europäer, die in Japan Handelsposten errichteten.

Kaiseki mehrgängiges Menü (Bild: Omongkol/Shutterstock)

Zuerst nahmen die Japaner gerne europäische Lebensmittel an, fingen an, Desserts zuzubereiten, gelben Kuchen zu essen und dergleichen.

Sie brachten jesuitische Missionare mit. Zuerst übernahmen die Japaner glücklich europäische Lebensmittel, sie fingen an, Desserts zuzubereiten, gelben Kuchen zu essen und dergleichen. Da ist ein Südliches Barbaren-Kochbuch– in Bezug auf die Europäer –, die all diese portugiesischen Rezepte aufzeichnet, wahrscheinlich im frühen 17. Jahrhundert. Dann, im Jahr 1639, beschloss das Tokugawa-Shogunat, das glaubte, dass all dieser Kontakt ein Vorwand für die Kolonisierung Japans war – vielleicht wahr –, das Christentum zu verbieten, die Portugiesen zu vertreiben und sich vom Rest der Welt zu isolieren. Nur die Holländer durften von einer kleinen Insel vor Nagasaki aus handeln, sie nahmen im Grunde Silber und japanische Produkte heraus, importierten jedoch nicht viele westliche Produkte. Dieses Embargo dauerte bis weit in die Mitte des 19. Jahrhunderts.

Das Ergebnis ist, dass Japan während dieser Zeit, dem Edo (benannt nach der Großstadt), Kunst, Literatur und Küche ganz allein entwickelt hat, es gibt Stabilität, Frieden und eine echte Blüte der Kultur.

Zu dieser Zeit wurden die meisten klassischen japanischen Gerichte entwickelt. Es ist eine wohlhabende, weitgehend städtische und anspruchsvolle Kultur, in der es eine große und wohlhabende Mittelschicht von Kaufleuten, Geschäftsleuten und Handwerkern gibt. Der Kaiser war in dieser Zeit nicht der wahre Machthaber. Es waren die Kriegereliten – die Shoguns –, die das Land verwalteten und die Rituale des Hofes entwickelten. Sie übten Kampfkünste, leiteten die Regierung und amüsierten sich.

Obwohl sie politisch und wirtschaftlich regierten, war die Handelsklasse in dieser Zeit die wichtigste Kraft. Sie hatten das Geld, das sie oft auswärts aßen, sie lebten in diesen Städten – Edo, Osaka, Kyoto – und sie gingen zum Essen in das, was wir Restaurants nennen sollten. Man kann mit Sicherheit sagen, dass dies die allererste Esskultur im Restaurant war, die die Schönheit der Dekoration, des Geschirrs und der Ziergärten, die normalerweise an ein Restaurant angeschlossen sind, betonte. Ihr Anreiz bestand darin, innovativ zu sein, um Kunden zu gewinnen. Was sie schließlich erfanden, war die japanische Haute Cuisine, die heute die Grundlage der meisten traditionellen japanischen Küche ist. Es sind diese Restaurants in der Edo-Zeit, die so viel Wert auf die Präsentation und die Philosophie legten, die das Natürliche, Unberührte und Zufällige betont.

Die Kunst japanischer Gedecke

Essen wird nie symmetrisch präsentiert, das ist eine künstliche Anordnung. Alle möglichen Arten von Speisen auf einem Teller, wie man sie im Westen findet, mit Beilagen – werden vermieden. Tatsächlich ist leerer Raum besser, und ein Stück Essen wird auf einem Teil platziert, damit Sie sich darauf konzentrieren können und das Verhältnis von leerem Raum und belegtem Raum eindeutig notwendig ist. Die Japaner sind auch von Verpackungen besessen: Das Öffnen und Enthüllen aller möglichen schönen Schichten, einschließlich der Art und Weise, wie es präsentiert und verpackt wird, aber auch die Art und Weise, wie sich das Essen entfaltet. Sie möchten nicht alles auf einmal verschenken – Sie möchten kleine Überraschungen auf dem Boden einer Suppenschüssel oder unter einem Essensarrangement.

Die japanische Küche ist auch die Küche, die der Größe, Form und Farbe der Schüsseln, auf denen das Essen serviert wird, am meisten Aufmerksamkeit schenkt. Im Westen erwarten wir, dass alle Gerichte gleich sind – wahrscheinlich weiß – und jeder das gleiche bekommt. Es ist eine industrielle Ästhetik, Regelmäßigkeit und auch eine sehr demokratische. Es wäre unfair, wenn Sie in ein Restaurant gehen und eine Person einen großen Teller bekommt, eine andere Person einen kleinen. Aber in der japanischen Küche werden die Schalen, die Servierbehälter, ausgewählt, um die taktile und sensorische Qualität des Essens zu erhöhen. Es ist völlig in Ordnung, dass sie unterschiedliche Formen, Größen und Farben haben. Das Wissen, dass eine menschliche Hand die Schale geformt hat, ist wertvoller als eine normale, maschinell ausgestanzte Form. Japan ist ein Land, das seine Töpfer und Handwerker zu nationalen lebenden Schätzen macht, daher werden handgefertigte Objekte wirklich verehrt. Eine echte Raku-Teeschale kann Tausende von Dollar kosten, oder handgeschöpftes Papier, ein Seidenkimono oder handgemalte Buchstaben. Das handwerkliche Können – und Köche gehören dazu absolut – wird zumindest in dieser Zeit viel höher bewertet als im Westen.

Optik ist viel wichtiger als bei fast jeder anderen Küche: Sorgfältiges Augenmerk auf Farbe, Form, wie die Dinge auf dem Teller sitzen, das Gesamtdesign.

Ein weiteres Merkmal dieser sorgfältigen Anordnung ist die Aufmerksamkeit, die den verschiedenen Sinnen geschenkt wird. Die optische Attraktivität ist viel wichtiger als bei fast jeder anderen Küche: Sorgfältige Aufmerksamkeit auf Farbe, Form, Sitz auf dem Teller, das Gesamtdesign, aber auch die Textur der Speisen im Mund. Ist es knusprig, schleimig oder zäh? Tritt das Aroma in Ihre Nase ein, wenn Sie es zum Mund führen? Es gibt auch diese Aufmerksamkeit darauf, welche Erinnerungen oder Assoziationen ein Essen mit dem Diner haben könnte: Mit einem bestimmten Ort oder einer bestimmten Jahreszeit oder einem Fest, ähnlich wie wir Truthahn mit Thanksgiving oder Schinken mit Ostern verbinden, aber sie haben viele spezifischere Assoziationen, die bewusst evoziert werden. Es kann eine ganze Reihe von Lebensmitteln geben, die in einer Mahlzeit zusammengefasst sind, weil sie mit dem Herbst oder einem Jungentag oder ähnlichem verbunden sind.

Im Gegensatz zur westlichen oder sogar anderen asiatischen Küche schätzen die Japaner einzelne Zutaten für sich, anstatt komplexe Kombinationen von Geschmack und Textur, und das hat etwas sehr Minimalistisches, weshalb das Kochen (und auch die Kunst) für Westler sehr attraktiv ist später oder vor kurzem. Auch die Kochtechniken sind sehr einfach. Wenn es gekocht wird, wird es auf eine genaue Zeitdauer zubereitet, normalerweise über einem Herd. Es muss nicht viel gebacken oder gebraten werden, das Essen wird in kleine Stücke geschnitten, so dass es schneller und gleichmäßiger gart, und Sie brauchen nicht einmal einen scharfen Gegenstand auf dem Tisch. Fast alle Lebensmittel werden gedämpft, gegrillt oder gebraten.

Die Bento-Box

Die Bento-Box ist wirklich das Inbegriff des japanischen Essens. (Bild: hlphoto/Shutterstock)

Die Bento-Box ist das japanische Essen schlechthin. Es ist ein ganz elegantes Miniatur-Mittagessen in einer Box. Es gibt Reis im Kern, aber auch ein kleines Stück gegrillten Fisch, eine einzelne Garnele, einige Gurken, einige kalte Salate können aus Gobowurzel oder Klette auf einem arrangiert werden shiso Blatt, und es gibt ein wenig Frucht. Jeder Artikel wird in einem eigenen kunstvollen Fach präsentiert, damit sie nicht verwechselt werden und unterwegs gegessen werden können. Denken Sie daran, wie sich das von der Art unterscheidet, wie wir in den Vereinigten Staaten ein Sandwich oder Fast Food essen. Es ist schnell, aber es ist einheitlich: Alles zusammengehäuft, salzig, fettig und mit Ketchup übergossen, oder? Die Bento-Box ist alles separat und jeder Geschmack und jede Textur ist eine eigene Miniaturepisode in einer ganzen Reihe von Gängen, einem winzigen Bankett in einer Box, wenn Sie möchten.

Die Bento-Box und alle anderen Formen des japanischen Essens haben sich natürlich mit der Industrialisierung verändert. Aber sie behalten noch etwas von der ursprünglichen Ästhetik dieser Zeit. Es ist nicht verwunderlich, dass die japanische Küche im 20. Jahrhundert einen so großen Einfluss auf die westliche Küche hatte.

Häufige Fragen zur Esskunst in Japan

Eine gewöhnliche japanische Mahlzeit besteht aus einer Schüssel Reis, Fisch oder Fleisch, eingelegtem Gemüse und einer Schüssel Misosuppe.

Sushi/Sashimi ist mit Abstand das beliebteste Essen in Japan, gefolgt von Ramen. Beide sind besessen und haben viele Variationen.

Haute-Cuisine wie Kaiseki , Private Room Dining und Kappo , die High-End-Restaurants waren, blühten und entwickelten die japanische Kultur während der Edo-Zeit. Das Streetfood der damaligen Zeit erhielt jedoch einen radikal neuen Charakter mit einer Besessenheit von Yatai, mobilen Ständen, die einer wachsenden Bevölkerung unterwegs Fertiggerichte servierten.

Die “vier Könige” der Edo-Küche waren im Wesentlichen Fingerfood. Es waren Aal mit süßer Sojasauce, Meeresfrüchte-Tempura (die immer noch ein Wahnsinn ist) mit Dip, Soba-Nudeln und Knödel und das überragende Geschenk an die Welt, das Sushi ist. Sushi wurde in der Edo-Zeit als die Art geboren, die wir heute als Nigiri kennen.


Die Kunst des Spiels: Japans Geschichte des Spaßes

Der antike griechische Dichter Ovid schrieb, dass unsere Spielweise die Art von Menschen offenbart, die wir sind. Man fragt sich, wie er früher die Japaner gesehen hätte, die das Spiel zu einer Kunstform machten.

“Styles of Play: The History of Merrymaking in Art” im Suntory Museum of Art befasst sich mit verschiedenen Vergnügungen, mit Exponaten von der Muromachi-Zeit (1392-1573) bis zur Edo-Zeit (1603-1868). Es vereint über 100 Exponate, darunter Gemälde und andere Kunstwerke, die die Unterhaltungen des Tages darstellen, sowie einige Originalgegenstände, die zum Spielen verwendet wurden.

Menschen, die das ganze Jahr über verschiedene Arten der Erholung genießen, waren ein beliebtes Thema des klassischen Yamato-e-Stils der japanischen Malerei. “Customs Month by Month” eine sechsteilige Faltwand aus der Edo-Periode zum Beispiel zeigt Szenen von Menschen, die im Frühling Kirschblüten genießen und bei einem Sommerfest tanzen.

Zu Beginn der Ausstellung wird ein fußballähnlicher Ball aus Hirschleder gezeigt. Wird in einem Spiel namens . verwendet kemari, es wäre von den Spielern so lange wie möglich in die Luft geschleudert worden. In einer Szene aus einem Album mit Bildern, die Murasaki Shikibus berühmte „Geschichte von Genji“ illustrieren, ist eine Gruppe von Hofbeamten in das Spiel vertieft, während eine Adlige sie heimlich hinter einer Bambuswand beobachtet. Das Album wurde von Sumiyoshi Jyokei gemalt und im 17. Jahrhundert von Sono Motoyoshi beschriftet.

Japan hat das Brettspiel go aus China übernommen und ein besonders beeindruckendes Go-Brett aus der Edo-Zeit ist in der Ausstellung zu sehen. Aufwändig dekoriert mit maki-e Lackiert, trägt es ein Design des Mount Horai mit Kranich-, Bambus- und Kiefernmotiven in Schwarz und Gold. In China galten Kenntnisse in Kalligraphie, Tuschemalerei, Musik und Go als wesentlicher Bestandteil eines kultivierten Lebens und wurden als die „vier Künste“ bekannt. Ein Abschnitt der Ausstellung ist Bildern gewidmet, viele davon aus China , die Herren darstellt, die diesen Aktivitäten nachgehen.

Ein Beispiel für das Thema der vier Künste, das von Malern in Japan aufgegriffen wird, ist das Werk von Kaiho Yusho aus dem 17. Jahrhundert. In den japanischen vier Künsten hingegen sind die Chinesen qin, eine Art Zither, wurde durch die Shamisen ersetzt, während go trotz seiner Popularität schließlich von Darstellungen von Menschen abgelöst wurde, die das Brettspiel spielten sugoroku.

Sugoroku leitet sich von Backgammon ab, das seinen Ursprung in Ägypten hat und sich nach Europa und dann nach Asien verbreitet hat. Ein schönes Beispiel für ein Sugoroku-Brett aus der Edo-Zeit in schwarz-goldenem Maki-e, komplett mit einem Paar Würfeln und einem Würfelhalter, ist ebenfalls ausgestellt.

Kartenspiele, die ursprünglich aus Portugal eingeführt wurden, waren ab Mitte des 16. Jahrhunderts ein weiterer beliebter Zeitvertreib. Frühe in Japan hergestellte Karten basierten auf europäischen Designs, wurden aber bald durch japanische Motive ergänzt oder sogar ersetzt. Im Laufe der Zeit wurden bestimmte Arten von Decks etabliert, wie zum Beispiel das beliebte Unsun-Deck, das vermutlich nach den Portugiesen für “one” und “höchste Punktzahl” . benannt wurde

Eine Auseinandersetzung mit dem Spiel in Japan wäre ohne einen Blick in die Welt der Vergnügungsviertel komplett, und die Ausstellung widmet Arbeiten zu diesem beliebten Thema einen eigenen Bereich. Viele der “House of Pleasure”-Gemälde aus der Edo-Zeit zeigen detailliert die Gebäudekomplexe, in denen Kurtisanen lebten und arbeiteten, und zeigen, wie sie ihre Kunden mit Musik, Kartenspielen und anderen Vergnügungen unterhalten. In dem Paar Paravents aus dem 17. Innenhof und sogar umarmend, was auf die wahre Liebe hinter dem Handel mit Intimität hindeutet.

“Styles of Play” wirft auch einen Blick auf verschiedene Outdoor-Aktivitäten und enthält zahlreiche Bilder von Bogenschießen, Pferderennen, tanzenden Menschen auf der Straße und natürlich matsuri (Feste).

“Scenes Along the Riverside at Shijo, Kyoto,” ein Paar von Paravents aus dem 17. Jahrhundert, zeigt Menschen, die Musik- und Tanzaufführungen genießen. Heute isst und trinkt man an den Ufern des Kamo-Flusses, die in diesem als bedeutendes Kulturgut ausgewiesenen Werk dargestellt sind, anstatt Unterhaltung zu genießen, aber der Brauch, sich dort abzukühlen und die Sommerabende zu genießen, geht weiter.

“Styles of Play: The History of Merrymaking in Art” im Suntory Museum of Art läuft bis zum 18. August ٳ.300. Weitere Informationen finden Sie unter www.suntory.com/sma.

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Bemerkungen:

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